好萊塢如何與獨立電影融合

Ⅰ 好萊塢電影產業的結構和體制是什麼

好萊塢電影製作發行體制的特點

好萊塢發展到現在，已經成了一個體制完備、實力雄厚的經濟體，它在製作發行上主要具有兩個特色：

1. 資金雄厚且能保證經濟效益最大化

在美國拍片，一般來說有三種資金來源。

（1）個人投資或親友合資

這最小規模的集資方式，通過這樣的非主流的融資渠道產生的電影組成了美國獨立電影的主流（或者說是名副其實的獨立電影，因為這些電影自始至終都貫徹了導演自己的創作意願，而像《指環王》這樣的電影雖然由於全部由新線電影公司投資也可以被叫做獨立電影，但是從劇本到卡司都要通過新線的審核管理，所以獨立性相對較弱），如《女巫布萊爾》只花了幾萬美元，《殺人三部曲》更極端，劇組總共才兩個人，製作成本如下：2300美元買膠片，1300美元沖洗，2800美元膠轉磁。攝影機是借來的，剪輯用錄像機來做。在這樣的情況下，整部《殺人三部曲》的製作費用不到一萬美元，但是影片並未因此而粗製濫造，相反，在眾多好萊塢商業大片中，它的質量絕對可算上乘，相應的票房也非常可觀；

（2）電影公司投資

這種資金由經紀人拿項目資料找電影公司（也就是所謂的「七大」或者「八大」）談判獲得，也是好萊塢電影最主要的融資渠道，資金相當可觀，但是程序繁多，一個電影項目從雛形到成形可能需要好幾年的時間，比如奧利弗斯通的《野戰排》，因為劇本問題而被耽擱了好幾年，最後他修改了劇本的前十頁才獲得米高梅的首肯；

（3）吸引外資

這在如今好萊塢也相當普遍，尤其現在的大片製作成本越來越高，由一家或者少數幾家電影公司承擔製作費用風險非常大，他們通過與更多的人合資來分擔風險，比如德國人。由於德國政府收稅過重且鼓勵境外投資，德國的資本家們很喜歡與國外的企業合作（比如中國的一汽大眾），好萊塢就是他們的首選目標，不過德國人對好萊塢電影的製作發行不熟悉，所以他們的投資往往顯得有些盲目，例如2000年的《地球戰場》，德國人投資了上億美元，但是票房慘敗，導致投資公司股價猛跌，資金都差點周轉不過來。類似於這樣的投資者在好萊塢不在少數。

當然，好萊塢賺錢主要不靠外國人，而是靠他們的發行和放映體制。

我們所說的「七大」或者「八大」，他們主要的職責其實是影片的發行。發行有多種渠道和方式，比如院線放映，錄像帶碟片出租和銷售，電視播映權轉讓，以及一些周邊產品（比如蜘蛛俠的玩具）的生產。院線放映分為北美和海外兩個市場，北美票房收入發行商抽取30%的提成，海外票房則提取40%（也就是我們所說的分賬大片）。北美院線放映發行商還會和放映商談分成，有兩種分成方式，一種是發行商交付放映商一定的租金（視影片賣座情況而定，一般是一萬美元左右），上映後每周放映商抽取提成（第一周為10% ，越往後越高，但是不會高於30%），第二種是發行商不交租金，放映商直接抽取提成，一般是30%，越往後越高，但是不高於50%。一般來說，院線放映所得的票房佔一部電影所能創造的利潤總數的30%（北美票房佔全球總票房收入的25%左右），錄像帶和碟帶佔50%，電視播映權的轉讓和周邊產品銷售一共佔20%。我們以放映商每周抽取40%提成計算，一部製作、宣傳成本5000萬美元的片子，只要保障北美院線有625萬美元的票房就可以收回成本了，換句話，就北美市場來說，好萊塢電影發行商的風險率只有0.125，而如果是《哈里波特》這樣的超級商業大片，風險更是微乎其微，事實上華納在影片上映前便收回了成本。

所以，好萊塢的「七大」或者「八大」自從定型以來，便一直屹立至今，很長一段時間米高梅公司因為財務上處於窘困狀況而被稱為「好萊塢病夫」，但是它並未退出好萊塢舞台，這跟影片發行放映體制離不開關系。所謂的「病夫」只是一時資金周轉不靈而已，只要生產出一部北美票房能上千萬的影片，米高梅的資金就能順利回籠，這個對007專業戶來說並不難。

2. 機構繁多且分工明確

好萊塢各大電影公司的機構總體來看可以分為行政和製作兩大機構，行政機構可以分為決策、創意和製片三個部門，製作機構可以分為劇務、技術兩大部門，這些職位分工相當明確，而且不會出現越俎代庖的現象。

此外，真正和一部電影的產生有直接聯系的還有導演、劇作組、演職人員(劇組獨立於公司體制之外，必須嚴格執行美國勞工局的規定，比如一天工作不得超過八小時)，以及以上人員的經紀人和律師，還有其他像市場分析公司之類的好萊塢附屬機構，這些機構林林總總加起來，大概有三四十萬人，當然，這個數字不包括那些抱著明星夢但是還沒有正式進入好萊塢編制的年輕人。在這么復雜而井然有序的機制的運行之下，好萊塢能最大程度地保證一部影片創收。當然，你可以說好萊塢催生了一大堆不穩定的職業（比如流動的群眾演員），但這種說法是具有兩面性的，同時你也可以說好萊塢創造了無數工作崗位，這些工作人員雖然只是臨時聘用，但都有基本的生活保障。洛杉磯勞工局規定，好萊塢無論何種形式的從業人員日工資不得低於105美元。

Ⅱ 美國獨立電影經歷了默片時代

美國獨立電影的歷程，自1896年至1927年的默片時代，便開始於實驗階段。盡管大蕭條與二戰結束期間，好萊塢製片廠體系達到頂峰，但在體制外，勇敢的異議者仍堅持創作。進入50年代，"獨立電影"的機會被挖掘和創新，60年代的「藝術院線」實驗引發越戰時代的電影革命。70年代後期與80年代，「獨立電影」逐漸成熟，形成新的體系。90年代，獨立電影以其獨創精神與財政豐收，挑戰好萊塢的權威。

獨立電影製作者通過借貸，創造原創故事，追求自由表達與自我夢想的實現。1989年，聖丹斯電影節上浪漫喜劇《真愛》榮獲評委大獎，同年，戛納電影節上多部美國獨立電影參賽，1990年大衛·林奇與科恩兄弟作品蟬聯金棕櫚獎。國際影展的影響下，獨立電影迅速受到公眾歡迎，形成追捧效應。

非洲裔和亞洲裔美國電影持續發展，出現《家庭聚會》《地鐵女孩》《喜宴》等佳作。女性導演與同性戀題材電影如《加油和食宿》《密西西比的瑪薩拉》《昏厥》《釣魚》等嶄露頭角。90年代中期，獨立電影成為新導演的主要展示平台，獨立電影頻道「日舞」應運而生，提供與好萊塢明星巨片截然不同的內容。

羅伯特·羅德里格茲在書中講述了如何僅用7000美元製作《殺手悲歌》的過程，這標志著與好萊塢簽約的新導演能按時、按預算完成影片，滿足製片人需求。60年代法國新浪潮與70年代美國作者電影的影響，80年代美國影壇的年輕獨立電影製作者涌現，他們為電影夢想充滿激情與愉悅，盡管經驗與訓練有限，仍不懈追求突破好萊塢的壁壘。

Ⅲ 好萊塢是如何統治內地電影市場半邊天的

就像是感冒病毒是如何侵入人體的一樣，是自身免疫系統不建全才導致生病的。在香港電影的黃金年代票房十佳賣座片西片能佔三分之一就很不錯了，激烈的競爭多變的潮流勤奮的工作及製作本地人喜聞樂見的題材，使彈丸之地的香港能為了中國電影的招牌，不僅得到了國外影人的追捧，也使包括好萊塢大片也要面對本埠電影的壓力。內地電影還處在建立皮包公司，選用親朋好友，賬目造假，巧立名目大肆貪污啟動預算的初級階段。因此就有導演能力低，演員不專業，劇本沒看點，片子不賺錢。面對競爭外片雞蛋里挑骨頭，製造誹謗新聞，指責觀眾水誰低。仍然是少數人利用職權和資源，建立排斥良性竟爭的小水潭，在封閉自守的行會組織里年復一年地泡製水準低投資大回報少的業餘生活錄像，就像足球隊的差勁表現一樣，大陸電影在面對娛樂性強的外片沖擊下毫無招架之功。不是中國人沒能力沒錢沒人沒技術，是缺少能打破某些人錢飯碗的時機，這些人不去再過一百年也不會形成市場規模。

Ⅳ 獨立電影製片人獨立電影

獨立電影這一概念源自於二十世紀中期的好萊塢。彼時，好萊塢被所謂的「八大電影公司」壟斷，一部電影的製作遵循著嚴格的「製片人制度」，目標全在於市場，追求利潤最大化。盡管這為電影行業帶來了龐大的資金支持，卻也限制了電影創作者的自由發揮空間。因此，一批電影人毅然決然地擺脫了「八大電影公司」的束縛，自行籌措資金，甚至自編劇本、自導自演，創作出了許多與商業電影截然不同、具有強烈思想性的獨立電影。

從技術層面來看，「獨立電影」是指一部電影在資金投入和製作上不隸屬於任何電影集團、公司（或製片廠），主要依靠製片人或導演通過各種渠道籌集資金，甚至包括個人出資等方式來製作影片。在海外，獨立電影常常被用作衡量電影經濟投入程度的標識（然而，獨立電影也可以有大製作）。而在國內，獨立電影的含義則更側重於一種簡便的拍片方式。由於獨立電影在資金上的局限性，其在題材、拍攝手法和表達方式上受到出資方的影響較小，因此能夠觸及一些主流影片較少涉及的領域，更能夠鮮明地展現電影製作者的個人特色。然而，資金的限制也意味著獨立製片在場地、道具、演員、服裝等方面都會受到一定的影響。

獨立電影的興起，不僅為電影行業帶來了新鮮血液和創新的可能，也為那些渴望自由表達的電影人提供了舞台。它們以獨特的視角、獨特的敘事方式和獨特的藝術追求，成為了電影界中一道獨特的風景線，豐富了電影文化，拓寬了電影的表現空間。同時，獨立電影的存在也提醒著我們，電影不僅是一種商業產品，更是一種藝術創作，是創作者與觀眾之間情感交流的橋梁。

獨立電影製片人，就是指獨立電影的製片人。獨立電影就是由個人或團體（包含公司）發起製作的成本相對較低的電影，該類電影最大的特點就是不依賴於專業商業公司或製片廠，拍攝製作相對比較自由。獨立電影題材不限，即可拍商業片，也可以拍藝術片。其發行方式同專業商業電影發行有些不同，一般規模比較小，但審核同其它電影一樣，在國內只要不違法違規就行。獨立電影有權利參加任何電影獎項，即使是學生實習拍攝的這種小短片都可以，但有沒有資格參加，要看你拍攝的怎麼樣了。出名的有《百萬寶貝》和《美國往事》。

Ⅳ 獨立電影製片人起源

「獨立電影」的概念，萌芽於上世紀中期的好萊塢。當時，好萊塢被所謂的「八大電影公司」所壟斷，電影製作遵循著一套嚴格而嚴謹的「製片人制度」。這種制度的目標，完全指向市場，旨在獲取最大的商業利益。盡管這為電影事業帶來了大量的資金注入，但也因此限制了電影創作者的自由發揮。

在這樣的背景下，一批電影人開始尋求擺脫「八大電影公司」的束縛，他們選擇自籌資金，甚至親自編寫劇本、擔任導演，拍出了許多與傳統商業電影截然不同的作品。這些電影具有強烈的思想性，反映了創作者的個人見解和藝術追求，因此被冠以「獨立電影」的稱號。

獨立電影的興起，標志著電影創作的一次革命性變化。它打破了傳統電影製作模式的束縛，賦予了電影創作者更大的自由度和創造力。獨立電影不僅豐富了電影藝術的多樣性，也激發了觀眾對於電影作品更深層次的思考與探索。

獨立電影的出現，為電影界注入了新的活力和可能性。它鼓勵了更多的獨立電影製片人追求藝術與創新，為觀眾帶來了更多獨特而深刻的作品。在這個過程中，獨立電影逐漸成為了電影藝術領域中不可或缺的一部分，影響著整個電影行業的格局和方向。

獨立電影製片人的崛起，不僅改變了電影製作的模式和規則，還促進了電影文化的發展與繁榮。它們以獨特的視角和創意，挑戰著傳統電影的邊界，引領著電影藝術的新潮流。獨立電影成為了一種獨特的文化現象，影響著廣大觀眾對於電影的理解和欣賞。

總之，獨立電影的起源，是電影製片人對自由創作與個人表達的渴望，是對傳統電影體制束縛的一次勇敢挑戰。獨立電影的出現，不僅豐富了電影藝術的多樣性，也激發了觀眾對於電影作品更深層次的思考與探索。它們以獨特的視角和創意，引領著電影藝術的新潮流，成為電影文化領域中不可或缺的一部分。

獨立電影製片人，就是指獨立電影的製片人。獨立電影就是由個人或團體（包含公司）發起製作的成本相對較低的電影，該類電影最大的特點就是不依賴於專業商業公司或製片廠，拍攝製作相對比較自由。獨立電影題材不限，即可拍商業片，也可以拍藝術片。其發行方式同專業商業電影發行有些不同，一般規模比較小，但審核同其它電影一樣，在國內只要不違法違規就行。獨立電影有權利參加任何電影獎項，即使是學生實習拍攝的這種小短片都可以，但有沒有資格參加，要看你拍攝的怎麼樣了。出名的有《百萬寶貝》和《美國往事》。

Ⅵ 好萊塢是怎樣運作的

美國是電影大國，電影從業人員約60萬，年產電影近500部，去年和前年的全球票房收入都在84億美元以上。如果將「後電影」（通過電視播放和光碟、錄像銷售的電影）收入加在一起，去年的總收入是346億美元。

以華納兄弟公司為例，2002年該公司獨立製作發行的電影是30部，另與其他公司合作的26部。華納公司的人士介紹說，由於有些電影的產期較長，投放市場時也都有風險，一部影片能讓你賠得血本無歸，也能讓你暴利無窮。為了減少風險，一般電影公司會每年從10部電影中拿出一部大片來賭賭運氣，輸了，拆東補西能承受；贏了，就可以「十網打魚九網空，撈到一網就成功」。比如該公司2001年11月推出的《哈利·波特》第一集，投資1．3億美元，票房收入卻達到9億美飠共話ā昂蟮纈啊筆杖搿Ｔ詰諞患斗攀諧〉耐保詼集已開始拍攝，投?億美元，一年內完工，去年11月投放市場，到目前為止全球票房已達8．4億美元，現仍在世界各地播放中。

由此可見，投資大片風險大，回報率也高。為了降低風險，一些電影公司還會採取聯手操作的辦法，利益風險平攤。

在美國，由於電影是一種工業，公司的運作方式也和其他商業公司相似，通常分為生產製作和發行銷售兩大部門。公司的高層主管並不一定是電影藝人出身，但必須是經營高手。一般公司都不養製片人，即便是特別有名或非常成功的製片人也很少受雇於電影公司。因此好萊塢的獨立製片人多如牛毛。

據獨立製片人羅燕女士介紹，製片人通常是先發現或得到一個故事，然後把它開發為劇本。再拿著劇本向電影公司推銷、談判，如果電影公司相中這個劇本，製片人可以把本子一次性賣給公司，但多數製片人是希望和公司簽約，由公司投資，他負責把電影拍出來，再由公司負責發行銷售。如果成了，公司會派代表出任該片執行製片人，主要是監督製片人的資金使用、時間進度和具體運作。製片人拿到資金後，去僱傭導演、演員和攝制人員。

在好萊塢，導演、演員比製片人還要多，同樣獨立自主。他們通過經紀人等待著製片人的挑選、談判、簽約。好萊塢有許多專門跟蹤調研導演、演員的機構，根據他們的票房和觀眾喜歡程度，印成小冊子，定期提供給製片人和電影公司作參考，有的電影公司自己也有一套研究班子。製片人根據導演、明星的走紅程度和特點進行選擇。當然，最終要得到電影公司的認可。而導演、演員等也有選擇製片人和影片以及討價還價的權利。目前好萊塢的名演員最高片酬達到2000萬美元一部，還要再加至少15％以上的乾股。也就是說等電影拍完發行後，還要和製作者一起分紅。電影公司給導演、演員乾股，因利益捆綁，可以提高他們的積極性和創造性。

電影發行之後，首先在影院放映。電影公司和影院一般是五五分成，但彼此有個不成文的行規，如果一部影片在一家影院放映一周，票房收入達不到3000美元，影院可自行決定不再放這部電影，因為這個數是保本基數。所以每部新片發行之後的第一個周末票房就像股市行情一樣重要，在新片放映後的第二個星期一早上，從電影公司老闆到演員都在急切地等待周末票房的統計消息。如果票房不達標，公司就會立即採取「後電影」措施：一是把電影改成錄像、DVD、VCD銷售、租借。二是直接通過電視台點播、放映。

美國影片在世界市場所佔份額越來越大，現在已高達60％以上。其主要原因有：首先，好萊塢是世界電影明星、巨匠的聚集地，相互競爭非常激烈，產品的質量和種類自然會高出一籌。其次是高科技、特技翻譯能力強，能製作各種高難度的影片。三是「服務設施」齊全，在好萊塢，與電影業有關的各種行業一應俱全：有專門提供道具、出租機械設備的，有專門做電影片頭、字幕的，有專門配音響的，只要你需要，隨時恭候。而在人工服務方面，各類經紀人、律師、會計師很多，尤其是那些專門為電影業提供貸款的銀行更是其他地方所沒有的

Ⅶ 試分析美國電影各發展階段的特點

一、起源

有記錄的第二張捕捉並再現運動的照片記錄為埃德沃德·邁布里奇在加利福尼亞的帕羅奧多拍攝的一組奔馬照片。在拍攝時，他將一組靜止的照相機擺於一排。他的成就促使各地的發明家開始嘗試製作類似功能的裝置，以捕捉此類運動。

在美國，托馬斯·阿爾瓦·愛迪生就是最早開始製作這類裝置的人之一，他製成了活動電影放映機，但由於該裝置的專利實施很嚴格，致使早期的電影製作人只能尋找替代品。

在美國，最初只是在輕歌劇的間歇為許多觀眾放映電影。企業家的各種電影展示活動，促使了戲劇性電影製作的首次世界范圍性的嘗試。

在美國電影業發展的早期，紐約是電影製作的中心。位於皇後區的考夫曼·阿斯托里亞製片廠（Kaufman Astoria Studios）創建於無聲電影時期，那時馬克思兄弟和費爾茲（W. C. Fields）在那裡工作。

此外，曼哈頓的切爾西也是電影製片的主要場所。奧斯卡最佳女主角瑪麗·畢克馥的很多早期電影也是在這個地區拍攝的。但是，因一年四季的宜人氣候，好萊塢成為電影拍攝的更佳選擇。

二、好萊塢的崛起

在1910年初，美國電影放映機與傳記公司（American Mutoscope and Biograph Company）派導演大衛·格里菲斯帶著他的演員團隊到西海岸去拍攝電影，演員包括巴蘭徹·斯威特（Blanche Sweet）、呂倫居殊、瑪麗·碧克馥、萊昂納爾·巴里摩爾等。

他們在洛杉磯市中心喬治亞街附近的一個空曠外景地開始了拍攝。當時，公司又決定開發新地區。於是他們又向北前進了幾英里，到達好萊塢。當時還是小村莊的好萊塢，非常願意讓電影公司在那裡拍電影。

之後，格里菲斯完成了在好萊塢拍攝的第一部電影。這部電影叫做《在古老的加利福尼亞》（In Old California），是一部傳記式情節劇，描述18世紀初的加利福尼亞，當時還隸屬於墨西哥。美國電影放映機與傳記公司的人員在好萊塢呆了數月，又繼續拍攝了幾部電影，才返回紐約。

當時是1913年，在聽說了該公司在好萊塢取得的成功後，很多電影製作公司也紛紛向西挺進，以避免托馬斯·愛迪生的電影製作工藝的專利費。在加利福尼亞的洛杉磯，電影公司和好萊塢同步發展起來。第一次世界大戰前，電影僅能在幾個美國的城市完成。

但隨著電影業的發展，電影製作公司被吸引到加利福尼亞南部，因為那裡氣候溫和、陽光明媚，一年四季都可在戶外拍攝，那裡還有各種各樣的布景。雖然電影（特別是美國電影）的起始點眾說紛紜，但是格里菲斯於1915年拍攝的史詩電影《一個國家的誕生》，成為全世界第一個電影詞彙，至今仍在膠片史上占據重要地位。

在20世紀早期，當媒體還是新事物的時候，很多猶太移民在美國電影業中找到了工作，並留下了自己的足跡：在臨街的五分錢劇院（Nickelodeon）中放映電影短片（劇院取此名是因為當時的門票價格為五分錢）。

一些年後，其中有抱負的電影人，如塞繆爾·戈爾德溫、威廉·福克斯、卡爾·拉姆勒、阿道夫·朱克爾（Adolph Zukor）、路易斯·B·邁爾（Louis B. Mayer）和華納兄弟（即哈利、亞伯特和傑克）紛紛轉到電影製作上，很快就成為了新型企業，即電影公司的巨頭。

（當時還有一位身兼女導演、也是製作人和電影公司巨頭的人物愛麗絲·蓋·布蘭琪（Alice Guy-Blaché））他們為電影業的國際化奠定基礎；不過美國電影業常被指責為以美國為中心的偏狹觀念。

一戰後，一些歐洲導演恩斯特·劉別謙、阿爾弗雷德·希區柯克、弗里茨·朗、讓·雷諾阿，以及演員魯道夫·范倫鐵諾、瑪蓮娜·迪特里茜、羅納德·考爾曼和查爾斯·鮑育（Charles Boyer）等電影人紛紛來到美國。

他們加入了一個演員的自我發掘時代——在有聲電影誕生後，紐約城劇院的演員紛紛加盟了這個20世紀最受矚目的發展行業。20世紀40年代中期，電影行業達到高峰期——美國影院每年上映約400部電影，每周有近9000萬美國民眾前去影院觀看。

「威廉·海斯拯救美國電影業」，出自美國漫畫家賽勒斯·亨格福德（Cy Hungerford），1922年

20世紀20年代後期，有聲電影在好萊塢逐漸升起。1927年，首部有聲電影《爵士歌手》使用維他風唱片機，同年5月，西方電氣公司旗下分部電器研究產品有限責任公司（簡稱ERPI）在電影配音方面獲得壟斷權。

有聲電影一方面的影響就是許多無聲電影演員接不到工作，因為他們多數人的嗓音糟糕或是記不住台詞。1922年，美國政客威廉·哈里森·海斯（Will H. Hays）離開政壇，組建了前身為電影製作室組織的美國電影製片發行商協會（MPDAA），該協會在其退休後改為美國電影協會。

有聲電影的發展早期，美國的電影製片廠發現他們的有聲作品不為非英語國家的電影市場所接受，甚至在其他的英語國家中也遭到冷遇，原因是那時的同步配音技術仍相當不成熟。解決辦法之一是製作與之對應的外文版好萊塢電影。

1930年左右，美國公司在法國橋連城建立了一家電影製片廠。多個不同的電影攝制組在那裡分時工作，他們使用相同場地，穿著相同服裝，甚至絕大部分的場景也是相同的。國外的失業演員、劇作家、選秀比賽中的優勝者經過篩選後被派往好萊塢去拍攝好萊塢英語電影對應的非英語版電影。

這些版本的電影的拍攝預算不高，由二流的只會講英語的美國導演執導，通常在晚上拍攝。西班牙語攝制組中包括了路易斯·布努埃爾，恩里克·嘉蒂耳·彭塞拉（Enrique Jardiel Poncela），莎維爾·庫加（Xavier Cugat）和埃德加·內維列（Edgar Neville）等人。

一些外文版的好萊塢電影絕對可以和它們的原聲版相媲美，西班牙文版的《驚情四百年》就是其中一。到了20世紀30年代中期，同步配音技術已經發展得相當成熟了，外文配音就變得很尋常了。

三、好萊塢的黃金時代

所謂好萊塢「黃金時代」，是指從1920年代末，即無聲電影時代末期，至1950年代末這段時間。成千上萬部電影在此期間產生。其開始標志是1927年出品《爵士歌手》，其中音效的使用不僅結束了無聲電影時代，同時也增加票房收入。

不管是西部片、鬧劇、音樂劇、動畫片還是傳記片，好萊塢影片幾乎都遵循一個模式——每個電影公司出品的電影，都有自己特定製片團隊。

例如，塞德里克·吉本斯（Cedric Gibbons）和赫伯特·史托哈特（Herbert Stothart）效力於米高梅電影公司，艾佛瑞·紐曼在二十世紀福克斯電影公司工作了20年，賽西爾·德米爾的電影大多由派拉蒙電影公司製作，而導演亨利·金（Henry King）的電影則大多由福克斯出品。

同時，人們根據影片中的演員陣容就可以大致猜出該部電影的出品公司，米高梅聲稱「旗下的電影明星比天堂里的還要多」。每個電影公司的電影題材和獨特風格也使得人們猜到每部電影的出品公司——這一現象在今已不復存在。但是每部電影都與其他電影有著些許區別。

不像汽車製造者，拍攝電影的人都是一些藝術家。譬如，1944年的電影《逃亡》（To Have and Have Not）之所以出名，並不僅僅是因為男一號的扮演者亨弗萊·鮑嘉和勞倫·巴爾考，而且是因為這部電影的劇本出自兩位諾貝爾文學獎作家：電影原著小說作者海明威和該劇本改編者威廉·福克納。

在整個1930年代以及黃金時代的大部分時間里，米高梅主宰著電影市場，並擁有大量好萊塢超級明星。同時，米高梅也因創造了好萊塢明星制而備受好評。

米高梅的明星包括「好萊塢之王」克拉克·蓋博、萊昂內爾·巴里莫爾、珍·哈露、諾瑪·舒利亞、葛麗泰·嘉寶、珍妮特·麥克唐納（Jeanette MacDonald）及其丈夫金·雷蒙德（Gene Raymond）、斯賓塞·屈賽、朱迪·加蘭以及金·凱利。

在這一時期美國電影業取得的另一個偉大成就是華特迪士尼公司。1937年，迪士尼製作了當時最成功的電影，《白雪公主與七個小矮人》。1939年，米高梅創作了歷史上最成功的電影——《亂世佳人》，盡管在大蕭條時期，這部電影仍然是史上票房最高的。

很多電影歷史學家對這一電影高產時期創作出的許多偉大電影作品都做出了評價。其中一個原因可能是：製作了這么多部電影，並不是每一部都必須成為熱門。

電影廠可以在一部有著優秀劇本與相對不是那麼出名的演員的中等預算故事片身上冒險：而由奧森·威爾斯導演的《公民凱恩》符合以上描述，它也被視為史上最偉大的電影。另一些情況下，像霍華·霍克斯、希區柯克及法蘭克·卡普拉等堅定的導演們為了達到他們的藝術理念，而與片廠進行「斗爭」。

1939年是片廠制度的鼎盛時期，有很多經典電影在這一年發行，如：《綠野仙蹤》、《亂世佳人》、《驛馬車》、《史密斯先生上美京》、《呼嘯山莊》、《天使之翼》、《異國鴛鴦》與《午夜》等。

黃金時代以來的電影中，現在被譽為經典的有：《卡薩布蘭卡》、《風雲人物》、《一夜風流》、原版《金剛》、《叛艦喋血案》（Mutiny on the Bounty）、《城市之光》、《紅河》與《大禮帽》等。

四、片廠制度的沒落

「小三」(環球影城，美國藝術家和哥倫比亞影業)沒有自己的劇院，拒絕分享同意裁判書。許多獨立製片人也對折衷和形成一個眾所周知的獨立運作電影製片人的體系，控告派拉蒙壟斷底特律劇院不滿意-因為派拉蒙通過控制演員，像鮑勃霍普，波萊特戈達德，維朗妮卡湖，貝蒂赫頓；

經紀人透露賓克羅斯比，艾倫拉德和長期為加里庫珀工作室工作的長期演員-自1942年開始。在二戰期間，五大電影公司沒有達到同意裁判書的要求，沒有發生重大後果。但是二戰結束後，在好萊塢反壟斷案中，他們作為被告加入了派拉蒙。

最高法院最終裁決主要製片廠電影院的所有權和影片發行是違反謝爾曼反托拉斯法。結果，工作室開始釋放演員和技術人員通過與他們的合同。好萊塢主要的工作室改變了電影的模式，因為每個工作室都挺有一個完全不同的演員陣容和創新團隊。

這導致了逐漸失去特色，米高梅電影製片公司、派拉蒙公司、宇宙公司，哥倫比亞公司，RKO公司和福克斯電影公司很快認識到這一點。

但是某些電影人，例如塞西爾B德米爾公司同演員的合同也是到他們職業生涯的最後或者電影使用相同的創意團隊，以至於德米勒電影無論是1932年製造還是1956年製造看起來仍然像是一個模式。並且每年電影製作的數量隨著平均預算猛增而下降，在行業策略上標志一個重大變化。

現在工作室目的在於生產娛樂，而這種娛樂是電視無法提供的： 壯觀的，有英雄色彩的影片。工作室還開始出售部分電影膠片庫給其他公司去銷售電視。到1949年，所有大型電影製片廠放棄了他們劇院的所有權。

電視也有助於好萊塢黃金時代的下降，因為它打破了電影業在美國娛樂界的霸權地位。盡管電影業在19世紀50年代隨著長期政府檢查制度淡化，在未來電影中能夠獲得一些影響力。在派拉蒙反壟斷案結束後，好萊塢電影製片廠不再擁有電影院，因此致使美國影片能夠在美國電影院不需要審查制度。

這補充了1952年奇跡在斯泰因公司同約瑟夫威爾遜事件的決定。 美國最高法院改變了其早期的立場。從1915年的相互電影公司同俄亥俄州案工業委員會的案件中，陳述了電影是藝術的形式，有權保護第一修正案；美國法律不再審查電影。

到1968年，美國電影協會（MPAA）代替了海斯法典-在政府威脅檢查後，其現在極大侵犯了美國電影協會，證明准則的起源已經同電影分級制度一起結束了。

五、新好萊塢和後經典電影

後經典電影這詞用來形容新好萊塢變化的故事敘述方式。人們認為新的劇本與塑造人物的新方式利用觀眾在經典時期培養起的期望：打亂的年份，以結局出人意料為特色的故事情節，主角與反派間模糊的台詞。

後經典故事敘述的本質展現在黑色電影中，如1955年《無因的反抗》，以及希區柯克情節支離破碎的《驚魂記》。

「新好萊塢」一詞用來描述新一代電影學院培養的導演的崛起。他們掌握了六十年代歐洲發展起來的技巧。1967年電影《邦尼和克萊德》標志著美國電影重振的開端，也意味著此後新一代電影，在票房上能夠取得成功。

好萊塢一直堅守製片人中心制的原則，新好萊塢獨立製片的出現，開創了導演和製片人融合的趨勢，形成導演資本制。

同時擔任電影製片人和導演的法蘭西斯·福特·柯波拉、佐治·盧卡斯、布萊恩·德·帕爾瑪、馬田·史高西斯、威廉·弗萊德金、史蒂芬·斯皮爾伯格開始拍攝向電影歷史致敬的影片，並發展了現有的電影體裁與技巧。七十年代早期，他們的電影不僅受到好評，還取得票房成功。

早期的新好萊塢電影，例如邦尼與克萊德，逍遙騎士是成本較低的影片，沒有道德上的英雄而是增加了性和暴力，然而，哥普拉，斯皮爾伯格與盧卡斯各自憑借《教父》，《大白鯊》以及《星際大戰》取得了巨大成功，這有助於現代大片的產生，也吸引製片廠更加關注製作更多大片。

這些年輕導演的更多投入並沒有帶來好處。通常，他們把時間表排的太滿，預算超支，因此導致自己或攝影棚破產。最有名的兩個例子是科波拉的《舊愛新歡》，最典型的是邁克爾·西米諾的《天堂之門》，單是這部影片就使美國聯藝電影公司破產。

Sir Alfred Hitchcock，（1899年8月13日－1980年4月29日）原籍英國，是一位聞名世界的電影導演，尤其擅長於拍攝驚悚懸疑片。

這位世界所公認的恐怖大師，事實上也是由他發明了「驚悚文藝類影片」（the thriller genre）這一電影類型。阿佛萊德·希區柯克同時也是個優秀的技師，熟練的把性感、懸疑、幽默都融合在一部電影里。

(7)好萊塢如何與獨立電影融合擴展閱讀：

今日好萊塢

一、運作特色

好萊塢電影常會有透過片廠（電影發行商）與製作人簽約合作的方式，分別讓片商負責販售的通路，而製作人則專注於電影本身，出產行銷全球的大型製作影片。

二、敘事美學

在好萊塢影片的劇情鋪陳，少有文化或語言的障礙，其主題多是可跨文化傳播的高概念電影，這樣的作品因為主題符合主流市場，故全球都容易推銷。因此現在好萊塢也成為世界許多地方電影的代名詞。

雖然此類電影票房好、跨文化，但也有文化評論者批判若獨尊高概念電影，會造成電影敘事風格如出一轍，了無新意，「是一種商業化和專斷化，最終將導致多樣化的消失。面對這樣的全球霸權，負責任的電影人和批評家應該讓眼光超越好萊塢，建設多元的電影模式」。

三、產業規模

美國因為電影相關的文化產業，造就了許多的工作機會與龐大的商機。據美國電影協會報告指出，2011年美國電影業造就的就業總數超過220萬人，其中約有70萬名為直接的電影行業從業人員，另外150萬名為間接受雇支援電影製作工作的各種人員，2012年美國電影業收入為107億美元。