變焦電影哪裡看

① 你好！可以發電影變焦的百度雲給我嗎

這個ok的，

② 怎麼看單反相機變焦倍數

單反相機鏡頭的變焦倍數，就是鏡頭的長焦端的焦距數除以廣角端的焦距數。例如18MM---135MM的鏡頭，就是135除以18，就是7.5倍變焦鏡頭。鏡頭的變焦倍數越大，適用的拍攝范圍約廣，但是，變焦倍數約大的鏡頭，往往成像質量也有所下降。

③ 什麼是電影變焦舉例分析

畫面中一前一後有2個人在對話（或一人在沉思）當其中一人說話時（此時畫面不移動），那麼焦點是對准他的（其他，另一人等景物是虛的）當換另一人說話或要突出他時，不需要移動畫面，只要把焦距對准他就突顯出來了．
還有一種我們常見的～一個人在海邊奔跑，背景是好大的一輪紅日～好象人在太陽里奔跑，這也是通過長焦距變焦來完成的．
有很多『『『要細心的觀察．．．

④ 電影《變焦》觀後感

創意不錯，口味微重~該片女主角畫的漫畫男主角導演在拍一部關於模特的電影，而片中這個模特正在寫一部關於女主角的小說，三個主人公的創作和思維影響著下一個人物的命運~~中規中矩的一部電影，沒有太大的驚喜和失望，打發打發時間還可以…

⑤ 怎麼看鏡頭的變焦距離

單反鏡頭的成像要求更高 內部結構更復雜 設計製造時更多考慮的是成像要求 而不是焦段倍數（整數倍數） 由於鏡頭針對性強 細分定焦 廣角變焦 標變 遠望長焦等等 成整倍數的變焦對相對專業要求的用戶來說用處不大

小DC受市場定位 製造成本及一般家庭消費用戶的使用習慣考慮 常見用整倍數的變焦來表示焦段 實際上用處不大 比如24MM廣角5倍變焦的鏡頭長焦端是120mm 而38mm廣角3倍光變的鏡頭長焦端114mm也將近120mm了 所以僅僅看光變倍數並無實際意義。

所謂視角，是指通過鏡頭可以看到的視覺范圍。廣視角指的是可視視域廣，窄視角指的是可視視域窄。

看上圖，在左邊圖像中鏡頭和CCD的距離近，而右邊圖像中的鏡頭和CCD的距離遠。鏡頭和CCD的距離越近，則所含畫面越寬；反之距離越遠，則所含畫面越窄。

⑥ 如何在鏡頭運用上如何讓片子有可看性

鏡頭分析要點：一 趣味中心
畫面中的趣味中心，也就是吸引觀眾目光之處。吸引觀眾眼球很多，但是在電影攝影中，對比度最強的區域一般來說是最可以吸引觀眾注意的。恰如一片黑暗當中的一點亮光，那麼無論這個亮光出於場景的哪個點上，都是被觀眾的眼睛瞬間抓到。影片中的內在趣味中心也很重要，比如我們在看電影的時候，經常會注意到某某壞人在背後偷偷的拿出了一把槍，那麼只要這把槍不是虛焦的狀態，無論這把槍在畫面中的位置和所佔比例多大，都會被人們一眼發現。除此以外，黃金比例分割，引導線都是設定趣味中心需要注意的內容。

二 燈光風格和色彩風格：
首先燈光，是低調，高調，還是高反差風格？要說這個燈光可是相當的重要，拍電影花費的時間大部分都耗費在調整每個鏡頭復雜的燈光上了。
一般來說燈光風格和電影主題氣氛等有很大的關系。比如喜劇片，燈光就比較明亮，很少陰影布局，常用高調風格。如果喜劇中壓暗燈光的話，那麼這個喜劇便一般會有些反諷的以為在裡面。懸疑片和驚悚片都趨於低調風格，很多陰影都採用透射式。悲劇和好萊塢大片就一般喜歡用高反差的風格。
再次，關於色彩。每部彩色片都有一個確定的基本色調。色彩對影片象徵性極強，一般來說，有名的彩色電影都有著表現主義的味道。一般而論，冷色調代表著平靜、疏遠、安寧；暖色調代表著侵略、暴力、刺激。具體說來，紅色一般與激情和性有關，比如《美國麗人》；低調的燈光和暗色調一般表現壓抑懸疑和一種宿命感，比如《教父》；褪色的暗黃色調表現的是保守，比如《純真年代》等等。值得注意的是，彩色片中的忽然出現的黑白片段都是象徵意義最強最明顯的部分。一般用來表現法西斯時代的電影，都是用黑白片表現的。比如《美麗人生》劇中後來忽然泛白的色調，就是象徵著地獄般生活的開始。當然，有些電影，比如《辛德勒的名單》就乾脆用黑白來拍。

三 鏡頭距離和鏡頭種類
包括：
大遠景 一般永遠展現場景的所在。如果人出現在遠景中，那麼只有斑點般大小，這種鏡頭在史詩作品中經常出現，西部片中也常有。最近
《非誠勿擾》的呂樂的幾個北海道的大遠景就非常的漂亮。
遠景 就是比大遠景稍微小一點。
中景 就是能囊括兩三個人的鏡頭，中景是喜劇片的主流。
特寫 就是特寫。
深焦鏡頭 用廣角鏡頭拍的。我們經常看電影會覺得很多鏡頭是只有一塊兒地方清楚，後面的背景全部是模糊的。那玩意兒叫淺焦鏡頭，就是焦點很淺。深焦鏡頭就是從前到後全部都清楚的。深焦和淺焦哪個好，在電影史上，一開始爭論極大。我們一般兒拍照片，拍人像，都覺得淺焦鏡頭比較漂亮，因為可以虛化雜亂的背景，突出漂亮的人物。電影中也是一樣，哪塊兒清楚，哪塊兒模糊，都是說了算。而依靠的方法就是變焦。變焦可以給簡單的劇情寓意化的效果。但是一代電影大師安德烈巴贊覺得這種鏡頭不好，巴贊覺得這種鏡頭把本身非常復雜的事件含義單一化也簡單化了。所以巴贊覺得深焦鏡頭比較好。《公民凱恩》就是一個運用深焦鏡頭非常完美的典範。PS:深焦鏡頭也叫縱深鏡頭。
關於鏡頭距離，卓別林有一句名言：「喜劇用遠景，悲劇用特寫」。舉個例子，當他表現遠方一個人物的荒謬處境的時候，我們會大笑；但是當他忽然切進特寫凸顯情緒的時候，我們會發現好玩的地方不再可笑，我們開始同情這個人。
而且，鏡頭的距離影響到我們對於影片的參與程度。當很遠的時候，無論這個是好人還是壞人，我們都無動於衷。但是當拉近特寫的時候，好人會讓我們投入的同情；壞人會讓我們由衷的討厭。

四 鏡頭角度和人物所處位置
鏡頭角度一般包括鳥瞰角度，俯角，水平角度，仰角，傾斜角度等。
鳥瞰的作用是從正上方直接往下拍，讓觀眾有一種天神參觀凡間的感覺，有一種全局性的統罩感。
俯角拍攝，拍攝下的主題會顯得比較的無助和弱小。現在很多非主流的照片拍攝都喜歡採用俯角拍攝，然後很NC的90後少女瞪大了眼睛，扭足了嘴巴看著鏡頭，顯得非常的嬌小可人。
水平角度 等同於我們人眼觀察世界的角度，顯示一種對等。
仰角 可以讓人物或者景物顯得更加崇高，增加主題的重要性。因為他會增加被攝物的高度，有垂直效果。可以讓個子比較矮的演員顯得更高。
黃飛鴻系列電影中，李連傑很多都是仰角拍攝的，所以李連傑本身個子不高，但是裡面也顯得非常英氣逼人。
傾斜鏡頭 有時候作為主觀鏡頭出現，或者在表示混亂的時候，傾斜這種不對稱的構圖方法，可以增加畫面的動感。我們拍照片的時候，如果被攝的人物站的非常筆直則顯得呆板，而如果稍微歪頭，或者傾斜一下身體，則顯得有動感和自然，就是這個道理。
演員在畫面中的位置表現著人物之間的關系。一般來說畫面景框的中央是人們一般注意的焦點，寫實主義的影片喜歡把演員安置在景框中央。但是表現主義影片在這其中則多變的多，景框的中央，上，下，邊緣，都有著不同的隱喻和象徵意義。
一般來說，景框的上方，代表著權威和控制。而下方則表示脆弱服從和無力。因為從心理學上說，同樣的東西，放在景框的上方和下方，上方總是顯得重一點，有一種重壓感。所以在一些鳥瞰鏡頭中，天和地的劃分特別能夠顯示氣氛。如果空盪盪的天空占據了畫面的大半，則顯得遼闊平靜；而如果土地佔據了大半，天空顯得非常的擁擠，那麼就會顯得很壓抑。
同樣，被擠壓在景框邊緣的人或者事物，都會失去畫面的主控性，顯得被動和無力。放在景框中間的一般都是具有主控權的事物。據個例子，如果，一個妻子不堪忍受丈夫的虐待，則一定會依靠在景框的邊緣，而景框中間的丈夫張牙舞爪。
但是，這些也不是絕對的，藝術理論家們認為誰在畫面中取得主控地位是決定於事物本質上的重量。這個重量包括色調和面積。面積越大，色調越深，則本質上的重量越大。

五 景框
緊的取鏡
景框空間的大小可以象徵不同的意義。一般來收，鏡頭的限制性越強，就是鏡頭越小，對人物的約束力就越強。比如，人物如果充滿了整個畫面，顯得非常擁擠，則暗示著一種囚牢性的存在。就像人生活在狹小的房間里會渾身不自在一樣。很多的監獄題材都是採用了緊的取鏡的方法。希區柯克的很多電影，鏡頭對著狹小的窗戶，不僅給人觀眾窺視的心理暗示，同時也是一種變相的緊的取鏡的方法。
松的取鏡 則與之相反。強調一種寬松的環境，象徵著自由。

⑦ 哪個電影里有快速變焦鏡頭！！

你指的是鏡頭快速聚焦遠方然後再拉回來嗎 很多電影里都有啊 比如動作片經常會有 狙擊遠處的敵人的時候 會快速變焦然後拉回來

⑧ 為什麼專業的影片基本沒有變焦過程而我們看到的變焦過程是後期製作的

視頻？為了平穩，沒有看到專業的都有軌道車的嗎，要是視頻老晃來晃去的，看的人會很暈的。變焦也有但是少，剪輯運用蒙太奇的手法多吧，畢竟我不是學習電影的。

⑨ 給我推薦個鏡頭吧（預算10w左右）：電動對焦 全畫幅變焦 電影鏡頭（焦段最好約在20-110）感謝

一開始我剛開始拍電影的時候，我是恨不得瞞著全世界的人的，我那時候很窮又沒有任何裝備——因大部分電影人的裝備及軟體都是很昂貴的，而我只有對著電影製作的熱情，在這種情況下我還是拍了一部片子，下面我就和大家來分享我當時是如何做的。（為此鼓勵所有有志向的年輕人）
首先 我自己有幾個原則，其中一個就是不要為了買裝備而陷入負債中，我只買我買得起的裝備（看似簡單的理論，很多人都是在負債買裝備），當我剛剛踏入攝影圈的時候其實特別想做一個短片，然而沒錢計劃隨之流產。後來隨著時間，我學會了如何用有限的裝備去完成任務，創造力和好點子更重要，而不是裝備。當然了，我也很願意用又貴又好的機器，也充分理解為什麼它們那麼貴，但過去是完全不敢想像的。之後幾年我買的第一部攝影機為我開展了我的職業生涯，一部佳能7D，我就是用它拍攝我的最初的影片，但正所謂無論什麼裝備，創作者都想讓自己的影片看起來好。
我當然知道這部相機除了不錯的視頻質量和動態范圍也有他的有限之處，我知道要拍出一個技術上好的視頻需要的工具，但在那時，我只有一個人並且也不夠有耐心和世界分享，最終我決定我要製作一個自己做主角的短片，還有什麼比做一頓飯更貼近生活呢？
我當時的道具只有一個能看的過去的刀，做飯需要的食材，一個打光燈，一個桌面燈，一個攝影腳架，Adobe PS CS6，加上我的佳能7D，最重要的是，我超贊的廚藝，構成了我所需的一切
1，為什麼選這些器材
在我開始買器材之前，我想先確認我現有的設備可以做什麼，然後再買器材，如果可以的話我更願意先試用一下，然後注意到底會有什麼樣的問題，我是那種會有些吹毛求疵的人，並不是器材名氣大我就喜歡，當你對一台不是那麼完美的器材有一手的經驗時，反而更能告訴自己你到底需要的是什麼，那麼在下一次購買時你就更了解了。
之前的我對於拍攝可沒有任何經驗，但我知道實際操作背後的所有理論，現在不同了，我已經在電影製作領域浸淫了很多年，是時候為我最初有的卓越想法付諸實踐了。
2，鏡頭動作
只有我一個人製作視頻意味著只要我還站在鏡頭前做飯就無法移動攝像頭，除非我有一個可操控的滑桿或者類似的工具，我其實在開始和結尾都有嘗試，用當時的那個支架我已經是盡了最大的努力了。
鏡頭有呼吸效應，但結果很出意料居然效果很好，因為看起來即像在聚焦，同時又在放大，你可以在視頻的最後看到（1；58）

⑩ 有沒有幾部電影特別多推拉鏡頭的，或者是變焦鏡頭，我需要典型的那種！

希區柯克的電影有很多是你需要的這種風格。