以前的電影怎麼拍出來

A. 黑太陽731解剖畫面是怎麼拍出來的

不是真實拍攝，是用視覺誤差和模型相結合而成的。

黑太陽731是中國香港導演牟敦芾拍攝的"黑太陽"系列電影中的第一部，1988年上映；這是第一部系統揭露侵華日軍發動細菌戰罪惡的影片，以此片為標志，大量的日軍細菌戰罪行被披露，對日民間索賠也從無到有，開始了艱難的歷程。

凍傷實驗：將已遭凍傷的雙手泡入溫水中，經取出後再使勁一扯，皮肉被撕開而手骨露現。

受凍實驗：將雙手放進零下190度的機器里，經取出後再用力把手指逐一敲碎。

野外實驗：將人捆綁於十字架上，然後進行爆破，死者四肢斷裂，眼球突現。

毒氣實驗：將人和白鴿帶入毒氣室內，隨即施放毒氣，俱於室內窒息。

負壓實驗：將人趕入負壓艙內，然後將艙內氣壓遞減，直至人體膨脹，腸臟溢出。

解剖實驗：將人施以麻醉後，立即進行解剖，收集出來的器官皆是活生生的。

《黑太陽731》的幕後

當然，由於電影畫面過於真實，在上映後引起了巨大的爭議，比如在影片中有著屍體解剖的過程，也有一頭活貓掉進一大堆飢餓的鼠群中，讓其活生生吃掉，所以本文在接下來的部分就會去探究《黑太陽731》的拍攝幕後故事。

《黑太陽731》上映於1988年，講述的是日軍731部隊在東北進行人體實驗的故事，這部電影也是香港改製成為分級制度的首部三級片。這部電影，在很多80後甚至一部分90後心目中成為了噩夢一般的存在，故事很簡單，但是畫面極其的殘酷與血腥。

B. 電影是怎麼拍攝出來的怎麼顯示出來的

用 攝像機拍攝下來後，然後用影視製作的相關軟體把鏡頭等修飾一下，然後在把修飾好的放到另個軟體里，轉插轉角等鏡頭。要特技的話也可以用這些軟體做出來。本人影視製作國際證書。怕用專業術語講各位不懂，所以只能這么說了。

C. 電影是怎麼發明出來的

電影他的誕生與攝影技術的發展是有著密切的關系的。眾所皆知，最初的影片是有一張一張的照片組合而成，按照一定的速度不停的切換照片播放給人視覺上的，人物在動，呈現出視頻的感覺。
早在1823年的時候，銀版照相法誕生，但是在那個時候，照相技術極度不成熟，當時的一張照片需要14個小時來進行曝光，可想而知，如果想要一個兩秒的視頻都需要許多張照片，這都算得上是一個大工程了，更何況幾十分鍾的電影。在人們成功地掌握了電影的拍攝與放映方式之後，這才讓電影行業蓬勃發展，由最初的膠片發展成現在的數字數碼電影，從以前每分鍾24張照片的規格，發展到現在64，到現在的藍光、高清等。

D. 網上有些很老的電影卻有1080P或者720P這種高清版本是怎麼弄的

大哥，膠片的清晰度始終都是很高的，只不過當時電視沒1080P這個條件而已，不代表膠片達不到1080P。

通常大片都是用35mm膠片拍出來的，那麼35MM的膠片到底是多大呢?告訴你民用的膠卷通常就是35MM的（翻翻家裡的老底片通常都是35mm的。）那麼現在的數碼單反相機已經有全畫幅的了（全畫幅就是說感光晶元尺寸和35mm的膠卷感光尺寸一樣大，既36*24MM）。

說簡單點，35mm的電影膠片如果每一張都用現在的設備掃描轉換成數字信號可以掃出約2000萬像素，而全高清的格式是1920*1080(200萬像素）不過電影膠卷通常顆粒較粗，所以保守估計按照現在的高清格式再翻一倍的解析度可能就是膠卷電影的解析度極限了（即約4000*2000的解析度）。現在RED ONE已經有更高解析度的攝影機了（好像是5000X3000多的）

當然有些膠片會進行一些數碼修復，畢竟年代久了么，再好的東西也不易保存啊，特別是膠片這種本身就不大容易保存的東西。

E. 電影中的高難度「床戲」，都是怎麼拍出來的

一些電影或者電視劇里的劇情都會出現一些床戲的戲份，最大的疑問就是這些演員的床戲是怎麼拍攝的，拍攝過程中不會害羞嗎？

現在拍攝床戲的戲份演員還可以穿戴一下胸貼，肉色的緊身皮衣等服裝來顯得戲碼更加的真實，再加上現在的電腦特效技術成熟，只要加點視覺特效進去就能讓觀眾看到的情景如真實一般。

其實很多地方都是靠借位、角度、和演員的精湛演技以及VFX視覺技術(特效隨意畫上幾筆就可以顯現出的肌膚線條)的多重組合才造就出如此逼真的畫面。

F. 電影是怎麼拍出來的

問題一：電影都是怎麼樣拍出來的啊 [轉]
首先當然是要有劇本，然後可能某家公司看上了這個劇本，然後買下來，交給某位�演，進行拍攝。當然也會有導演自己去選的。
前期的工作，你首先改劇本，小說是不可以直接當劇本的！劇本有特殊的格式，內容上也要修改刪減。必須找專業的編劇來改。當然原作者會改劇本也可以承擔這份工作，這期間導演、製片都會參與。同時，導演，製片就一邊要找演員了。
演員到位，資金就緒，劇本改完，選定拍攝地址，你就可以開機了。但其中的交涉，協調，籌備，那是相當恐怖的，其中的黑暗心酸估計拍一部韓劇都富裕。
片場的話，導演主要負責拍攝，製片管理劇組的生活，當然兩人的工作偶爾也有交集和重復的地方。
片場的工種多的要死，主要的有攝像，場景服裝道具，化妝，燈光，機械，安保，生活。多到讓你認不過來呀！
拍的時候，一般就是按進度走的，因為在改劇本的時候已經把故事分成一個個的獨立個體，所以其實拍攝的時候，時間順序是打亂的。極有可能你的第一場戲就是結局時候的劇情，然後你接著演中間部分的內容，因為結局是在天黑，中間的劇情也有在天黑的內容。節省時間，節省精力，如果一塊布景要多次用到，那就再一次把用到該布景的戲全拍完。
演員的檔期也會影響拍攝。
可能A演員今天有檔期，但兩天就得走。B座今天也有檔期，但明天就得走。雖然A和B在結局時才爭鋒相對。導演就把A和B的對手戲提前到拍攝的第一天全部拍完，順便還把A其他的戲份趕起來，可能A在電影里有50分鍾的戲，他進組第一天就全部拍完（當然這是不可能的）。可以說，就是誰有空有誰先來，拍完你的那部分就走人。
其中用到那些鏡頭語言，拍攝手法。甚至於光暗效果這一些，你就自己查書吧。
全部拍完了，就把一堆膠片拿去剪輯，除了故事外，鏡頭語言和剪輯語言其實一般較能體現一個導演的風格。剪輯就是把雜亂的故事理順，事件按一條清晰的時間軸排列。導演會在眾多片段中挑挑揀揀，找到自己要的，扔掉不要的。最後就有了個毛樣，這個的時長一般是不定，可能90分鍾的電影，拍攝了300分鍾，初步剪完還有180多分鍾這個時候你可以選擇去做後期，也可以選擇繼續縮短。
後期一般就是加特效，音樂，除雜，配音，修改某些瑕疵，弄掉點一些穿幫的東西。
之後就可以報備審批了，審批下來，該刪刪該改改，之後再做個片頭片尾，就可以賣了。接下來就是發行商的問題了，也就是包裝推銷，分配利益的事。
其中真正具體的步驟，復雜到足以讓你淚不成聲，你要真有這么執著你可以去查一些電影拍攝的書，網上有沒有，我不知道，書店裡是一定有的！
版權費這個真不好說，至少在國內是很低的。一般還是看名氣，有名的作家肯定多一點。沒什麼名氣的話，還是吃虧得多。編劇的工資也很低，有的分紅也不給的。那個文字校對，其實很原始，人工是必須的。

問題二：一部電影是怎樣拍成的？ 電影製作從大的來說，需要投資方，製片方，攝制方，編輯方，發行方。投資方出錢；製片方負責組織建組，解決場地、人員等具體後勤基礎問題；攝制方即攝制組，是電影製作的核心環節，後面會專門介紹；編輯方和攝制方一般是一體的，即前期拍攝與後期拍攝不能脫節，一般都是一個導演，有的是導演拍攝完成，會有專門的牛人負責剪輯，剪輯很有說道的；發行方一般就負責電影的包裝、宣傳、推廣、銷售等。
攝制方：影視製作技術類工種簡單的說就是 導、編、播、攝、錄、美，六個技術工種，配合演員就成攝制組了。導演負責攝制組的統籌，包括劇本解讀展現、現場控制、藝術把握、演員調度等等；編指的是編輯，編導，他們負責策劃，創意，一般在電影中，就是編劇人員，會根據文學原形等形成劇本化語言腳本，撰寫分鏡頭腳本等，把故事電影化，語言台詞化，糅合核心主題意義，一般他們定的劇本對後期剪輯意義不小，藝術獨立電影除外；播即電視製作中的播音主持人員，和導播人員，電影不存在這個工種，對應的是演員，演員要貫徹導演意圖，領會劇本核心並展現給觀眾；攝即攝象組，由攝像師和燈光師組成，配合環境特徵和影片需要設計燈光方案並完成拍攝，這是很講技術的工種，隨便一個小動作就可以導致你看到的影片感覺大不相同，也就是視覺語言的威力；錄指錄音，也很重要，錄音的好壞直接決定觀影感受，他們和攝構成技術核心，即完成了視聽語言的貫徹和展現；美指美工，美工負責置景，包括環境搭建、道具製作等，也包括化妝、服裝、環境定位等等。
以上的6大工種，包括後勤人員等，共同協力完成電影攝制。攝制好後還要進行後期製作，後期製作一般都是導演自己進行後期剪輯，有時候為了參展需要或者其他因素，會有專門的剪輯師，他們會根據拍攝的素材再編輯組織一遍，有時候故事就完全變了，感覺也不同，不同的剪輯風格作的片子也不同的，能拿獎的都很重視這個過程，所以你看奧斯卡的獎項設置，最佳導演外還有最佳剪輯獎。
之後剪輯完成就可以送去洗印加工廠沖印加工復制拷貝准備發行了。好像洗膠卷一個道理。
對了，你看看奧斯卡一般的獎項設置，就可以看到都有哪些主要工種過程了，有一些獎比如最佳視覺效果，說明在後期中，後期特效等也是有的電影不可少的環節，但這類就不是電影製作的必須環節了。

問題三：三D電影是怎麼拍的 3D立體電影的製作有多種形式，其中較為廣泛採用的是偏光眼鏡法。它以人眼觀察景物的方法，利用兩台並列安置的電影攝影機，分別代表人的左、右眼，同步拍攝出兩條略帶水平視差的電影畫面。放映時，將兩條電影影片分別裝入左、右電影放映機，並在放映鏡頭前分別裝置兩個偏振軸互成90度的偏振鏡。兩台放映機需同步運轉，同時將畫面投放在金屬銀幕上，形成左像右像雙影。當觀眾戴上特製的偏光眼鏡時，由於左、右兩片偏光鏡的偏振軸互相垂直，並與放映鏡頭前的偏振軸相一致；致使觀眾的左眼只能看到左像、右眼只能看到右像，通過雙眼匯聚功能將左、右像疊和在視網膜上，由大腦神經產生三維立體的視覺效果。展現出一幅幅連貫的立體畫面，使觀眾感到景物撲面而來、或進入銀幕深凹處，能產生強烈的「身臨其境」感。

問題四：電影里的那些 *** 場景，是怎麼拍出來的 有些演員願意為排 *** 場景獻身，有相當多的場景就是真接進行的。

問題五：在地球上製作出來的電影中的失重場景是如何被拍攝拍攝出來的？ 失重效果：以被動實現自由
如何表現失重效果，是任何太空題材電影最重要的，也是難點。一般電影人有兩種常規方法來實現。一種是真的失重環境下拍攝――顯然，這個很難實現，到目前為止，尚未有任何一部劇情片進入太空拍攝;而地球中失重的效果轉瞬即逝，短到根本無法支持演員完成一個失重表演。不過，如果有專門設計的飛機，能以向上隆起的拋物線拱(parabolic arcs)的方式高速飛行，理論上是可以在拋物線頂端前後形成一段時間的完全失重狀態，作為太空無重力情形的完美模擬。事實上，影片《阿波羅13號》中的失重場景就是如此拍攝的：劇組及演員乘坐美國航空航天局(NASA)提供的KC-135運輸機在高空以拋物線軌跡飛行，每次大概能經歷約23秒的失重狀態，足夠攝影機捕捉演員的某些動作。
可是，這種拍攝方式無法適用於《地心引力》，單是導演卡隆要求的動輒幾分鍾的長鏡頭失重效果，就是這種飛行方法在技術上無法實現的;何況片中要求的失重效果總時長更是借用飛機拍攝無法承擔的。
另一種退而求其次的方法，是模擬動作。在地球常規重力條件下實現這種「看起來像」的失重效果，最廉價的方式是水下拍攝，水的阻力效應使動作變得遲緩，可以實現太空中的懸浮與類似飛行的移動動作。《地心引力》也用到了水下拍攝，主要用於太空艙內的部分演員滑行鏡頭的特效參考，但其他絕大部分失重場景，都不是用這種方式拍攝的。首先，水下拍攝無法真實表現演員的表情――憋氣與努力睜眼的神情顯然和太空環境下的表演完全不一樣;其次，水下復雜的光影反射折射效應，也讓穿宇航服水下模擬太空作業變得不可能。
《地心引力》最終實現失重效果的手法，是最古老的娛樂手藝與最先進的電腦技術的結合：劇組找來舞台劇版《戰馬》的幕後高手，以大型牽線木偶操控方式，控制演員的肢體來模擬失重狀態下的動作。這套裝置有12根線連到演員身上四個系點，線的另一端則或者由三位專業木偶師操縱，或者由電腦程序控制的機械繫統控制，或者是兩者的結合。
卡隆和主演桑德拉・布洛克(Sa.n.dra Bullock)都在采訪中提到影片中最難拍攝的一幕：女主角好不容易回到太空艙、脫去宇航服像嬰兒一樣蜷曲著飄在空中的長鏡頭段落。實際拍攝時，布洛克坐在一個很小的自行車底座上支撐身體，一條腿則綁在裝置上幫助固定，而緩慢的四肢移動以及整個身體的翻騰漂浮動作就是由木偶師與程式控制線纜裝置協助完成的。這過程中，還得用電腦特效做出虛擬肢體來替代演員被綁住的腿，並做出與線控的身體其他部分匹配的動作。
這種線控方式，在本片中也主要用來拍攝太空艙內場景。那些穿上宇航服的太空行走場景，演員甚至都不用做任何肢體動作了――因為包括整個太空背景和宇航服本身，都是電腦生成畫面：演員只負責提供臉部表情，其餘的肢體動作，絕大部分由電腦動畫師完成。
無論是線控還是電腦生成動作，都是本片在處理失重效果的一個理念突破：既然無法以「原生」的途徑實現太空漂浮，那就以「絕對控制」外表表現形式的方式來體現無重力動作。
這種完全突破傳統思維框架的技術實現手段，也貫穿《地心引力》的製作過程。

問題六：電影中 突然把人像魔術那樣變出來是怎麼拍攝的？ 你好。你所說的伴隨著一陣煙後某人突然跳出來的特效多見於神話劇當中（《西遊記》和《新白娘子傳奇》中常有），這是一種比較老套的轉場特效，因為受技術所限，我們會發現有這種特效的劇目一般拍攝年代較久，其製作方法包括前期拍攝和後期剪輯，實際效果是合成的，並不是簡單拍攝，用非線性編輯軟體的後期剪輯製作比拍攝本身更重要。
如果你所說的畢業設計是拍攝一部短片，其中需要遇到該特效，拍攝方面需要煙霧發射道具。首先將攝像機固定，拍一段煙霧爆炸式出現的鏡頭，然後不要移動攝像機，在煙霧出現的地方拍一次某人從後往前跳一下的瞬間視頻。拍攝完成後用非線編軟體剪輯，（非線編軟體可以用Adobe Premiere、會聲會影等，這是比較常見的）。製作過程中，在第一段煙霧視頻的基礎上插入第二段視頻，在合適的位置覆蓋，再加入部分軟體原代的修飾效果就會做出來。
個人建議，煙霧效果不好拍的話可以去網上搜素材，或者去相關的影片中找，然後用非線編軟體截取。
都是畢業過來人，希望可以幫到你，祝好！~

問題七：電影里的全系技術是真的嗎？他們是怎麼拍攝的? 全息吧，應該是假的，目前還不能實現，拍攝過程中和平時一樣就是沒有了全息投影，全靠演員的演技表現出操縱系統或者是與人工智慧的互動。最後都是靠後期合成的。

問題八：電影中的長鏡頭是怎麼拍出來的 長鏡頭是一種拍攝手法，指的不是實體鏡頭外觀的長短或是焦距，也不是攝影鏡頭距離拍攝物的遠近，而是拍攝之開機點與關機點的時間距，也就是影片的片段的長短。用比較長的時間（有的長達10分鍾），對一個場景、一場戲進行連續地拍攝，形成一個比較完整的鏡頭段落。顧名思義，就是在一段持續時間內連續攝取的、佔用膠片較長的鏡頭。這樣命名主要是相對短鏡頭來對稱的。

G. 八十年代的電影特效是怎麼製作的

在上世紀電腦方興未艾的時候，大概是70年以後，到80年之間的時候，電影特效的組成部分非常復雜，有以下幾個方式是比較主流的

1、在拍攝好的電影膠片上製作，這個成本很高昂，因為需要很多拷貝來製作。比如像同場景下的同一個人出現進行復數動作，就需要將演員單獨拍攝一段動作後從膠片上一格一格的摳下來，配合背景進行二次曝光。另外，像激光神馬的也是這個道理

這種無需純色背景，而像星球大戰中的激光製作很簡單的。舉例說下，比如說兩組膠片，A是舉槍射擊，B是熒光燈管的全畫面拍攝，比如紅色、藍色、綠色這種。那麼在A拍攝完成後，順著槍口方向和煙火爆破效果之間，逐幀刻出一條漸進的鏤空線條，將剪裁好的B貼在A下面進行二次拍攝

然後我們就可以得到一段帶著激光飛舞的A片段，即C了。而之後，將C與其他片段組合，拷貝後，就可以拿到電影院去放映了。

2、模型的製作使用，這個同上面，很早在黑白電影時就有過了，最出名的模型莫過於星球大戰，但單價成本最高昂的卻是鐵達尼號……

3、SGI圖形工作站，這種東西效果類似於現在的電腦，不過很明顯那會電腦沒那麼發達，所以說對於完整視頻的處理根本無法想像，所以被稱之為圖形工作站，因為處理製作時都是單幀進行的。
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至於一樓所說的純色背景，這個在拍攝膠片時確實被電影人認識到了，但並不是必然肯定是藍色的，在最早時期，使用白色背景的更多，然後經歷了拍什麼背底的片段，用什麼顏色的背景；青色、藍色、綠色這樣一個階段

到現在為止，仍然會有因為背景需要而改變純色幕布的情況出現
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嗯，值得一說的是終結者2的那個液態機器人，在這部電影的拍攝中，上述三種方法都使用到了。

特效師先將機器人T-1000（後稱T1K）的扮演者製作出一個完整比例的模型，芭比娃娃那麼大的。然後將其擺放成不同動作進行逐幀拍攝（單幅畫面），然後將其放入圖形工作站上進行身上的效果處理（比如創口、比如透明液態化等等）

最後，將這段視頻進行摳像，再輸出、沖洗成膠片和原始拍攝素材進行二次曝光製作成成品。

（打字不易，知道這些東西也不易，所以說，採納答案吧）

H. 為什麼現在拍不出以前的經典電影

因為缺乏好演員 當時的好演員老了 退了 轉行了 有才華的人是有 願意投資的人沒多少 潛規則卻比以前多 時代變了 一切就變了 就像黃百鳴以前拍的電影都很搞笑 現在再拍也已經不再有點了 沒找對現在的人想看什麼 連曾志偉的電影也比他的戲好笑

I. 我想問，電影和電視劇都是用膠卷么 又或者專業的解釋下什麽拍攝手法成本最高，效果最好。

現在除了個別導演的愛好，已經很少人用膠卷拍電影了。很久很久以前，電影和電視拍攝都是用膠卷的，因為成本問題，後來電視拍攝逐漸採用了高分辨錄像帶拍攝，而電影仍舊採用膠卷，因為在當時的技術環境下，膠卷是最好而且解析度是最高但價格最貴，只有電影工業可以承受，電視劇承受不起。再後來，就都換數碼拍攝了，因為數碼方便，還省了膠卷轉化數字信號的問題，方便後期製作。

如果說單純的拍攝成本高，肯定是膠片拍攝，早上、上午、中午、午後、下午、黃昏、晚上、屋裡、水下......不同的場景需要用不同的膠片才有好效果，這裡面都是錢，你也永遠無法估計演員會NG多少次，每NG一個鏡頭損失的就是一段段廢膠片。而一部90分鍾的電影，每秒24幀膠卷畫面，需要126900幀，一盤電影膠卷大約500幀，需要260盤膠卷，總長度大約3~4公里，按富士VIVID ISO250膠卷市場價大約1000人民幣一盤，總開支大約26萬。這個是估算的價格，不同環境需要用不同ISO的膠卷，不同ISO的膠卷費用不同，所以價格應該超過30萬，而且是不計算損耗的價格，理想的損耗通常是片長的兩倍以上，也就是計算了最低損耗的話膠卷開支接近90萬。再就是膠片要轉化為數字信號進入後期，要保證最好的質量也需要花費大量的成本，有可能逐幀逐幀的高解析度掃描，例如電分掃描，一幀畫面電分為4K解析度大約200~400M左右，每M大約5毛成本，126900幀全部電分數字化得多錢？最少1200萬！