動畫片和動畫電影哪個早

① 世界上第一部動畫片是哪一部

《恐龍葛蒂》

1909年，美國人溫瑟·麥凱用一萬張圖片表現了一段動畫故事《恐龍葛蒂》，這是迄今為止世界上公認的第一部象樣的動畫短片。

1928年，華特·迪士尼創作出了第一部有聲動畫《威利號汽船》；1937年，又創作出第一部彩色動畫長片《白雪公主和七個小矮人》。他逐漸把動畫影片推向了顛峰，在完善了動畫體系和製作工藝的同時，還把動畫片的製作與商業價值聯系了起來，被人們譽為」商業動畫之父「。

(1)動畫片和動畫電影哪個早擴展閱讀：

動畫片的理論在半個世紀之前發明了電影。早期的實驗者，努力為維多利亞時代的客廳創造對話作品，或為巡迴魔術燈表演的新感覺，這是一種流行的娛樂形式，發現了持久的視力。如果快速連續地顯示動作階段的繪圖，則人眼會將它們視為連續運動。

比利時人發明的首批商業上成功的設備之一約瑟夫高原於1832年出現反射鏡，一種旋轉的紙板磁碟，在鏡子中觀察時會產生運動錯覺。1834年威廉喬治霍納發明了西洋鏡，一個旋轉的鼓，內襯一條可以改變的圖片。

法國人雷諾於1876年將這一原則改編成可以在戲劇觀眾面前投射的形式。雷諾不僅成為了動畫片的第一位企業家，而且還通過鏡子系統向劇院屏幕傳達了他手工繪制的賽璐珞絲帶，這是第一位為他的動畫人物賦予個性和溫暖的藝術家。

這些早期插畫家變身動畫師中唯一的例外是 溫莎麥凱，麥凱在1911年的歌舞表演中製作了一部手繪彩色小尼莫的短片《恐龍葛蒂》，為麥凱1914年的巡演創作，改變了藝術。

麥凱精湛的繪畫技巧，流暢的運動感和對人物的強烈感覺為觀眾提供了一個似乎具有個性，存在感和自身生命的動畫生物。第一位卡通明星誕生了。

② 動畫與電影的關系或者動畫與文學的關系是什麼

動畫和電影：起源和分類Edward-D-Wood 發布於：2005-09-07 17:53

1-動畫：
早先看過一個某動畫節的宣傳片，一個野人在一個洞穴的石壁上畫了一列一個女人跳舞時不同姿勢的各種神態，然後這個野人回到第一副跟前，沿著石壁開始飛奔，這個時候他的眼鏡里就出現了那個女人跳舞的畫面，最後這個野人由於速度夠快撞到洞內的石頭上了事。
這個片子說明了幾個形成「動畫」的必要因素：
單個畫幅是基本單位；
運動是特徵；
視覺暫留原理是形成機理；

倘若我們用上述三個特點去考量我們看到的電影，也不是未嘗不可的。但顯然這些岩壁上的畫加上這個野人的視覺感受的組合卻並非電影；這個例子就如同我們在一本厚厚的書的頁邊角畫上一系列連續的畫面，然後翻動書頁形成的視覺效果同出一轍，這些是動畫，但是並非電影。而電影卻具備了這些動畫的所有特徵。
單就動畫來講，它是一種「運動的」感觀經驗，所以電影起源於動畫。而動畫才是人類最早發明的「以運動形態被感知」的藝術形式。但因設備和技術限制，這種藝術形式無法輕易表現，也就無從風行普及談起了。（中期印象派竭力捕捉的那種非確定性畫面，立體主義一種多維度的觀察方式是想表現一種受時間影響的東西，但這些終究不滿足「以運動形態被感知」這一條件，所以他們也就無法成為一種革命性的藝術而只能歸為繪畫一類。）

而另外兩種也以運動形態呈現的藝術形式－－舞台劇和影戲，卻因其採用了現實的可見的手法而長久普及。但這兩門藝術卻有其短於動畫的先天缺陷。它們的確「以運動形態被感知」，但是這個運動形態本身是實際存在的；而動畫的運動形態卻是「通過感知的缺陷被實現的」。（這也造就了動畫在藝術表現力上無窮的能力！）在觀眾接受其他藝術形式中間，「幻覺的參與度」從未達到如此的高度。

所以，這里所說的「動畫」（Motion Picture），是先於電影而出現的，而動畫只需依賴那些可以連續展現畫格的簡易放映機械便可普及。如我國古代的走馬燈，還有詭盤等等。因此動畫的出現應該能追溯到比電影早很多年的歷史中去。

2－動畫片：
動畫是電影的祖先，而由於電影的誕生和動畫的普及同時利用了同一種原理產生的設備，所以在電影史上他們的關系會如此含混。
在這里我首先肯定一個觀點，動畫和電影的確不是一回事情。正如上文所說，電影是動畫發展中出現的一個組成部分。要說明兩者關系還是回到開頭提及的三個特點：
單個畫幅是基本單位；
運動是特徵；
視覺暫留原理是形成機理；
要區別動畫和電影，得從基本單位入手，動畫的基本單位只須是畫（picture）便可，它可以是任何形式的作用於任何媒介的畫；但電影不同，電影中的「畫幅」必須滿足電影本身的另外一個本質：照相紀錄性－畫幅必須是在「膠片上的影像（film image）」。而且還原過程依賴「光影技術」。
因此我們可以拿電影術語來說明兩者關系：在「紀錄」過程中，動畫的基本單位多種多樣，而電影必須是膠片上的影像；「還原」過程中，動畫可以不依靠光影技術即可被人感知，但是電影必須依靠光影技術才能被感知。所以有人用西洋鏡的方式把電影膠片放在裡面人工轉動形成的效果是屬於「動畫」，而非屬於「電影」。
所以雷諾發明的那個裝置只是一個「電影放映設備」的前身，然而整個裝置在呈現的活動卻是貨真價實的「動畫」。這也是很多人把它當作「動畫片」起源的原因。
而按照此三個特點出發，雷諾只是一個動畫技術的改進者罷了，並非動畫片的創始者。他的機器可以被稱為「image player」。而動畫則需要picture和motion兩個條件，雷諾只是改善了「動」（motion）一個，「畫」（picture）的發明者絕非是他！

那麼動畫片（animation）作何解說呢？先讓我們給電影來個特點總結：
膠片影像畫格是基本單位；
運動是特徵；
視覺暫留原理是形成機理；
光影技術是紀錄和還原手段；
廣義上的「動畫片」，也是很多人把雷諾作為「動畫片」創始人的重要原因，便可從這些電影的特點中比較得出：它應該是一種「動的畫片」（motion image），顯然這個image不僅限於film image，因為我們對電影的特點稍加改動便是廣義上動畫片的定義了：
影像畫格是基本單位；
運動是特徵；
視覺暫留原理是形成機理；
具備紀錄和還原對應影像的技術手段；
顯然這個外延還是比電影大，甚至可以包括電影。這勢必引起電影擁護者的一陣討伐。那麼如何區分那些動畫片、動畫電影、電影呢？
再從特點出發研究下兩者的基本單位，然後得出我們狹義上的動畫片概念：
影像各異，但是歸結到動畫影像里的影像的重點總是偏重「繪畫術的效果」；而電影的影像則偏重「照相術效果」；
所以區別電影和狹義上的「動畫片」，也是大家最熟知提及最多的animation的方法便是從這個基本單位是否為「繪畫術」和「照相術」的影像便可，當然，需要有對應影像的紀錄和還原技術。
而當下動畫和電影概念模糊的原因來自於大多數動畫的製作過程中有將那些影像轉換成膠片影像的一個過程，所以無形中一種影像的「復制」功能給動畫片平添了許多節外的含義。而且在電影中也時常需要對膠片進行美術加工，也給電影添上了許多動畫片佔主導的嫌疑。在考量這些作品的情況下，則需要從這種轉換手段的功能出發：膠片在「行使復制功能」的時候是否將其的「紀錄性變成了主導」，動畫在修飾膠片的過程中有否將膠片變成「純粹的繪畫載體」從這點出發，那麼我們明顯可以得出《白雪公主和七個矮子》是「動畫片」而非「電影」，因攝影機作了「純復制的工具」；而雷奈的《畢加索》便是個電影，因為攝影機不是在復制那些畫作，而是在「紀錄」它們；因此《低速小說》里烏瑪瑟曼在空氣里畫了個圓圈還有《戰艦波獎金》上那面紅旗並沒有讓這兩個電影變成動畫片，而《夢醒人生》則因為把膠片畫成了大花臉而變成了動畫片。原理與上面的正好相反。
同樣可以用這種分類來解釋沙土動畫，剪紙動畫，真人停格動畫這種似乎有點邊緣形式的動畫片。盡管他們表面上看上去有image不具備的「立體形式」，但是要實現動畫效果還是需要依賴「視覺暫留原理」，，所以歸根結底這些動畫片還是通過image的紀錄和還原被人所感知，而其中的形象沙土、剪紙、真人停格等等都與美術中的雕塑模特無異，所以這些單元依舊是偏重「繪畫術特性」的影像，所以他們也是動畫片。
而提線木偶片、皮影戲片則是一種介乎動畫片和電影間的混雜體：畫面主體依舊是「偏繪畫術性」的，然而攝影機僅承擔一個「紀錄的作用」。所以這些影片的分類需要看觀者的側重點了。（另有一種混雜體下文詳細敘述。）

3－動畫片的抽象性和抽象電影：
動畫片由於畫面主體偏重「繪畫術性」，因此也就呈現一種抽象的性質；所以從這個角度出發，Fischinger、McLaren等人的作品和《平行線交響曲》、《對角線交響曲》均屬於「抽象動畫片」；那麼那些「城市交響曲」記錄片和《機械芭蕾》這樣的電影該如何劃分呢？在上文提到「真人停格」動畫形式中說到這些畫面中主體依舊依賴的是「繪畫性質」，抽象電影中也僅僅是取了一個「物體的形狀」在做文章，那該對這些做如何解釋呢？
我們繼續回到那個影像的基本單位上去，「抽象電影」中的這些實體，雖然有抽象的性質，但是它在紀錄的過程中是偏「照相術性質」的，照相術「將現實中本已存在的個體捕捉下來，而被人加以抽象改造。」即其實影像本身即有現實性又有抽象性的情況下，導演利用了其後者的性質而已，但是這並沒有改變影像的本初的「照相術特性」，而真人停格則不同，他是藝術家人工塑造出來的形體，本身即是對現實的抽象概括了，所以再如何紀錄它依舊是抽象的，因此真人停格是動畫片，而《機械芭蕾》和《柏林：大城市交響曲》則是電影，抽象電影。
同樣那些沙土動畫片和拍攝自然中沙丘變化雖然呈現的狀態似乎相同，但是前者是動畫片，後者是紀錄電影。

4－動畫技術：
上文提及在膠片上有時會作美術處理，這便是「動畫技術於電影的運用」。染色、遮罩、摳像等等無非都是藝術再加工的手段，而這些手段都和美術沾上了邊。而近來興起的CGI技術則正在向先前建立起來的動畫和電影理念發起挑戰。如果將CGI歸為動畫，那麼難保現今諸多大片都可歸為「不入流之雜種」之嫌。而此時我們的標准依舊可用，盡管電影中CGI技術仰賴性很大，但是最後膠片依舊行使它的「紀錄性」而非「復制性」，動畫依舊是個輔助的東西而非真正的表現主體的工具：所以《星球大戰》也好，《指環王》也好，都是電影而非動畫。
另外電影和動畫的分野也越來越不清晰，兩者各取所長為我所用：《迷牆》里的那些動畫段落；《麥兜之波羅油王子》中的記錄片段落，都成了各自電影中有力的表現工具。
另外一個重要現象便是出現了許多的「動畫片和電影」的混雜體，諸如《誰誣陷了兔子羅傑》、《空中大貫籃》、《精靈鼠小弟》等等，（中國在解放後曾有一個以布偶和男孩為主角的電影。電視節目中也很多見，也算是個混雜體吧。）其中的基本單位中部分呈現「照相術功能」，而部分呈現「繪畫術功能」，因此動畫片和電影進行硬性的分野也是一個未免偏激的論斷，隨著時代和技術的不斷進步，這種界限必將越發清晰，而最終的結果卻是兩者的融合。

Hints：
1－「視覺暫留原理」目前大都採用frame by frame形式，但是今年上海雙年展上我看到一個利用折射原理製作的蓮花童子雙手合十的動態效果裝置，將來也能算一種探索動畫發展的方向吧；

2－個人意見：其實強調動畫和電影的「還原運動」機理並非能完全說明問題－大凡做過電影的人都知道：連續性剪輯就相當於一個stop motion，而《天使愛美麗》《再見列寧》中的抽幀則是另一種與動畫片十分相似的stop motion效果。而電影本身也是以frame為物理單位的，所以frame by frame不可取。應當從兩者的特性入手。

3－因為電影史學家將一個「動畫」概念當作公理承認，因此在介紹電影的起源時過多地強調了它和照相的共同之處，因此多提及那些光影技術而少提及動畫技術。這也是由電影本性決定。關於電影起源的部分：麥布里奇的可參見虎皮與周傳基老師的解說；而盧米埃爾之所以被公認為先驅的原因是因為他同時實現了：拍攝、放映兩個環節的革新，而這才是完全的電影組成－攝影機的「復制」和放映機的「還原」，外加放映場地的「儀式化」，而前人都沒有做到這點的統一。

4－http://www.atomfilms.com/
為加深印象，推薦這個網站上的兩個動畫片：
真人停格－harpya
影戲動畫－humdrum

5-關於最後那個布偶動畫片和提線木偶動畫片還是有很多等待理清的疑點存在。感謝Raywong的文章！

③ 動畫片是什麼時候創出來

卡通的出現與早期發展

如果想了解什麼是卡通，那麼就不妨先從」卡通〃這個詞的由來講起。

卡通，是英語」cartoon〃的漢語音譯。對於這個詞的詞源，有兩種不同說法：其一是說它來自法語中的」carton〃（圖畫）；其二是說它源自義大利語中的」cartone〃（紙板）。

從卡通的詞源上，我們就能夠確切的獲知，卡通作為一種藝術形式最早起源於歐洲。而在近代歐洲，有兩個促使卡通出現的重要歷史條件：首先，資本主義萌芽的發展，壯大了市民階層的力量，導致社會結構的重大變化。其次，自文藝復興運動以來，自由開放的藝術理念開始為社會所接受。這兩個條件的相互作用，使得傳統繪畫走下了中世紀的神壇，日益接近平民的審美趨向，給以簡御繁的卡通畫提供了產生的社會基礎。同時，作為市民階層表達自身要求的手段，卡通畫也被賦予了更為廣泛的政治內涵。

在十七世紀的荷蘭，畫家的筆下首次出現了含卡通誇張意味的素描圖軸。而以法國人奧諾雷-杜米埃（1808～1879）為代表的諷刺漫畫家，更是將政治卡通發展到了藝術的高度。時至今日，政治卡通依然是西方大眾文化的重要組成部分。

在卡通藝術的發展史上，英國扮演了一個相當重要的角色。眾所周知，英國是最早建立現代議會民主政治的國家，同時也是最早進入產業革命的國家之一。民主政治的確立，保證了人民言論和出版的自由，為卡通藝術的發展提供了社會基礎；產業革命的興起，引發了報刊出版業的繁榮，為卡通藝術的發展提供了物質保證。

早在17世紀末，英國的報刊上就已經出現了許多類似卡通的幽默插圖，但是由於缺乏專職畫家和固定的藝術風格，因此還算不上真正的卡通畫。隨著報刊出版業的繁榮，到了18世紀初，出現了專職卡通畫家，英國卡通的風格也逐漸定型。與同時期歐洲大陸的幽默諷刺畫相比，英國的卡通畫較多的取材於社會風情，以幽默含蓄見長。

這一時期，比較有影響的卡通畫家包括威廉姆-霍格斯（1697～1764）、詹姆斯-吉爾雷（1757～1816）和托馬斯-羅蘭森（1756～1827）。這其中，霍格斯的代表作有《浪子回頭》和《哈洛特漫遊記》等，羅蘭森則主要是創作了《辛塔克斯大夫一生的旅行》。值得一提的是，霍格斯等人的作品已經不再是傳統的單幅畫，而是發展成為了彼此關聯的系列畫，具備了連環畫的雛形。

1841年，著名的《笨拙》（Punch）畫報在倫敦創刊。這本著名的諧趣性期刊，在卡通發展史上占據著顯著的地位。事實上，正是這個刊物的供稿人、著名畫家約翰-里奇和編輯馬克-呂蒙首次將幽默諷刺畫正式命名為」卡通〃。同時，這本刊物也是傳統的卡通畫向連環畫過渡的重要橋梁。在早期的《笨拙》畫報上，就已經連載了許多與連環畫的概念相近的作品。而約翰-里奇繪制的《布瑞克先生歷險記》，更是具備了眾多連環畫的構成要素。

十九世紀末，彩色印刷術的出現引發了出版業的一場革命。相應的，彩色漫畫開始出現在人們的視野中。

1901年，著名出版商哈姆士-沃思，在並購了幾家雜志的基礎上，成立了聯合出版公司（簡稱」AP〃），先後出版了《小精靈》、《水泡》、《微笑》、《彩虹》、《老虎提姆》周刊和《叢林狂歡》等漫畫刊物。另一位出版商亨德森，也推出了《樂趣無窮》（1906）、《漫畫天地》（1909）、《精思妙語》（1910）和《火花》（1918）等雜志。其它如」特萊普斯和霍姆士〃公司出版的《煙火》和皮爾遜出版的《大匯刊》等，都不同程度的介入了彩色漫畫的出版與發行。這一時期，英國漫畫期刊一個重要的變化，就是刊物的讀者定位由成年人逐漸轉向兒童和青少年。而AP公司是這個趨勢最大的受益者，他們成功的推出了」老虎提姆〃的卡通形象，使其一躍成為孩子們鍾愛的卡通明星。它的姊妹作《熊娃娃》也取得了不俗的銷售業績。另外，《老虎提姆》的作者之一福克斯-韋爾還創作了《小虎吉莉》和《河馬小姐》等少女漫畫作品。

與政治卡通和漫畫相比，動畫片的發展歷程似乎更富有傳奇色彩。如前所述，動畫藝術是現代影視藝術的重要組成部分。然而，在動畫和電影的」史前階段〃，兩者卻是合而為一的。直到攝影術發明之後，電影和動畫才開始分道揚鑣。

1895年，法國的盧米埃爾兄弟最先向公眾展示了他們的」電影機〃，並放映了《火車進站》、《海水苑》等影片。現代電影就此誕生。而第一部動畫電影卻是在十年後才得以問世。其中的部分原因是由於動畫片高昂的製作成本。時至今日，動畫片依然是需要高投入的文化產品。

1906年，在愛迪生實驗室工作的布雷克頓（J.Stuart Blackton）製作了《滑稽臉的幽默相》（The Humorous phases of Funny Faces），這也是世界上第一部動畫影片。此後，來自法國的埃米爾-科爾（Emile Cohl）進一步發展了動畫片的拍攝技巧，並且先後製作了250餘部動畫短片。同時，他也是第一個利用遮幕攝影的方法，將動畫和真人表現結合起來的先驅者。正是因為科爾對於動畫片發展的傑出貢獻，他也被奉為當代動畫片之父。

另一位對早期動畫發展產生重要影響的是美國人溫瑟-麥凱。他出生在美國的密西根州，早年曾經靠給馬戲團、通俗劇團畫海報為生，後來成為了報社記者和漫畫專欄畫家。1914年，麥凱推出了一部劇情動畫片《恐龍葛蒂》（Gertie the Dinosaur）。這部動畫片的推出，改變了此前在動畫作品中的純藝術傾向，把故事、角色和真人表演等組織成為互動式的情節，取得了相當好的效果。而憨態可掬的恐龍葛蒂，更是成為了名噪一時的卡通明星。繼《恐龍葛蒂》之後，麥凱又製作了《露斯坦尼亞號之沉沒》。這是第一部以動畫方式製作的紀錄片。

溫瑟-麥凱的成功是具有象徵意義的。他以自己作為漫畫家的修養和積累，開創了一種重視角色的塑造、故事結構和通俗趣味的新型動畫創作模式。在麥凱之後，美國的動畫家們開始走上了一條與他們的歐洲同行截然不同的道路。一個屬於新大陸的卡通時代就要到來了。

黃金時代的卡通帝國

在二十世紀上半葉，美國卡通藝術的發展水平居於世界的領先地位。而毋庸置疑的是，這種領先是全方位的。

早在1840年，波士頓的DC約翰斯頓公司就發行了名為《克賴斯帕》的單頁畫報，這可能是最早出現在美國的卡通作品了。此後，隨著歐洲移民的不斷湧入，原本流行於歐洲的卡通藝術也開始登陸美國。

1880年，美國報業大亨普利策在他的《紐約世界》報上增設星期日特刊，並在其中增加了卡通專欄。此後不久，另一位報業巨頭赫斯特也開始在自己旗下的《紐約雜志》和《美國幽默大師》等刊物上定期發表卡通作品。這意味著卡通作品在增加報刊發行量上的作用，已經得到了廣泛的認可。而上述兩大報系的強力介入，無疑是給還處在幼年期的美國卡通注射了一針助長劑，自此美國卡通的發展駛進了快車道。

1895年，著名漫畫家奧特考特（R.F.Outcault）創作的系列漫畫《黃孩子》（Yellow Kid）開始在普利策創辦的《紐約世界》（New York World）上發表。但不久之後，奧特考特帶著」黃孩子〃一起跳槽到了赫斯特旗下的《紐約雜志》（New York Journal）。《黃孩子》系列最初的名稱是」Hogan』s Alley〃，故事的主人公是一個年紀在六、七歲，身著臟睡衣大腦袋，名叫」Mickey Dugan〃的小孩兒。其實，這件睡衣在開始的時候是藍色的。到了1896年，由於一項新技術的應用使人們能夠輕易的將紙染成黃色，Dugan也就此換上了黃衣。後來，奧特考特又在漫畫里加上故事主人公的對白，使大家更容易理解故事主題。這也使得《黃孩子》成為了名副其實的連環畫。由於」黃孩子〃的形象已經深入人心，精明的商人們便以這個形象為基礎，開發了大量有關」黃孩子〃的周邊產品，其中包括玩具、塑像、廣告招貼等。盡管」黃孩子〃也經歷了許多的波折，但是在它首次面世後的第七年，即1902年，《黃孩子》系列終於出版了單行本。應該指出的是，《黃孩子》的成功不但促進了美國卡通漫畫的發展，而且為漫畫作品的商業運作提供了經典範式。

在整個二十世紀初， 卡通漫畫始終在尋找與美國文化的交匯點。在這個過程中，產生了許多優秀的作品和令人難忘的卡通形象。不過，直到三十年代初，美國卡通漫畫的黃金時代才真的來臨。

對於」黃金時代〃，有這樣一個精闢的描述：美國漫畫的黃金時代就是超級英雄在廉價畫報上橫行的時代。眾所周知的，諸如超人（SUPER MAN）、蝙蝠俠（BATMAN）、閃電俠（FLASH）、潛水俠（AQUA MAN）等眾多的超級英雄形象都產生在這個時期。這些超級英雄的共同特點就是擁有健美運動員般的身材，常人無法具備的超能力，不斷打倒邪惡又強悍的敵人，拯救世界。而其中最具代表性和持續影響力的，恐怕就要算是超人和蝙蝠俠了。

《超人》的主角是一個來自氪星球、具有超能力的外星人克拉克。在他還是一個嬰兒的時候，便乘坐太空船從氪星來到地球，並被善良的肯特夫婦收養。長大後，他開始發現自己擁有地球人不具備的超能力。為了掩飾身份，克拉克從偏僻的小鎮來到了大都市，並在《星球日報》擔任編輯，從而結識了年輕貌美的女記者露易斯。從此以後，每當城市的安全和秩序受到惡勢力的威脅時，總會有一個披著斗篷、身著緊身衣的飛天英雄及時顯身，拯救那些陷入危機中的人們。不過，大多數情況下，超人的主要任務都是英雄救美。

《超人》系列最先在《動作漫畫》（ACTION COMICS）第一期上發表，並迅速風靡全美。1939年1月16日，《超人》開始在報紙上連載。到1941年，已經有超過三百種報紙每日連載《超人》漫畫。而以」超人〃為主題的動畫片、電影和電視劇，更是在此後的半個世紀中層出不窮。毫不誇張地說，」超人〃已經成為了一個時代的標志。

幾乎是在超人取得成功的同時，」黃金時代〃的另一位超級英雄蝙蝠俠也走入了人們的視野當中。

蝙蝠俠原名叫做昆布西，出身於一個顯赫的富豪家庭。在他很小的時候，父母被歹徒所殺，因而變成孤兒，由管家撫養長大。長大後，他發誓為鏟除罪惡而戰。於是，他便成為了身著蝙蝠裝的蒙面豪俠。除暴安良，制裁法律的漏網者成了他最重要的使命。

蝙蝠俠的故事最早出現在《偵探漫畫》（DETECTIVE COMICS）的第二十七期上。與超人相比，蝙蝠俠是一個沒有超能力的普通人，這也正是他的魅力所在。而蝙蝠俠用於對抗邪惡的主要工具是各式各樣的科技發明，其中最為著名的就是那輛萬能蝙蝠車。

在黃金時代的眾多超級英雄中，神奇女俠（WONDER WOMAN）可以說是一個」另〃。這不僅僅是因為它打破了此前男性對於超級英雄形象的壟斷，更為重要的是，她的出現徹底重構卡通世界中兩性秩序，使得女性角色不再只是男英雄們的附庸，而真正成為主宰故事的主角。因此，當」神奇女俠〃系列於1941年底在《全明星漫畫》（ALL STAR COMICS）上推出後不久，便受到了眾多女性讀者的熱烈歡迎。

漫畫英雄的出現絕非偶然。事實上，它是漫畫藝術與美國文化碰撞的必然結果。美國文化的核心就是所謂的」個人主義〃。這是一種以崇尚個人奮斗和強調優先保護個人利益為要旨的文化。出於這種文化背景，特別是在三十年代的大蕭條和二次大戰給美國社會帶來劇烈沖擊的情況下，人們欣賞和渴望」救世主〃式的超級英雄，將他們看作是希望和力量的象徵。因為在現實世界中找不到這樣的人物，於是人們便轉而在杜撰的世界中尋求精神寄託。

在第二次世界大戰期間，美國的社會經濟不但沒有被戰爭拖垮，反而獲得了空前的發展和壯大。由於戰爭而激發出來的愛國主義成為了當時美國文化的主流。於是乎，漫畫中的超級英雄們也紛紛投入了保衛國家、反對納粹的戰斗中。」黃金時代〃也邁向了巔峰。

隨著卡通漫畫在美國社會中的影響力日趨增強，美國漫畫的發展也逐步走向了多元化，出現了教育漫畫、科學漫畫、西部漫畫等新題材。與此同時，一味的追求利潤最大化的商業炒作，使得美國漫畫中的暴力、色情等不良因素激增，有的漫畫出版物甚至赫然標明」兒童不宜〃。由此，漫畫業成為公眾和輿論抨擊的焦點，並最終導致了」黃金時代〃的沒落。

1945年春，弗雷德里克-魏斯曼博士的《引誘無辜》一書出版。魏斯曼博士是一位在當時的社會上相當有影響的知識分子，同時也是政界的知名人士。他始終堅信」充斥著暴力和陰暗內容的漫畫，是助長青少年犯罪和社會混亂的根源〃。雖然事後的調查表明，魏斯曼博士的絕大部分論斷都是缺乏事實根據的，但這本書的出版恰恰迎合了當時主流輿論對漫畫業的廣泛批評，因此立即得到了各界的支持和肯定。一時間，漫畫成為了超級禁書，人們時常用談論毒品的口吻來談論漫畫。

1954年4月，美國聯邦參議院青少年犯罪調查委員會針對漫畫對青少年的影響問題舉行公開聽證會，魏斯曼博士以證人的身份出席。他聲稱：漫畫是玷污兒童純真，引發少年犯罪的罪魁禍首，相對於漫畫而言希特勒只是小兒科。」孩子們往往從四歲開始，就遭受到漫畫的毒害。〃他甚至要求馬上禁止漫畫的出售。

雖然，這次聽證會沒有能夠形成一個明確的結論，但是參議院最終還是要求頒發一個檢查標准，杜絕漫畫中一切可能毒害青少年和敗壞道德的內容。這其實就是在輿論上宣判了」黃金時代〃的死刑。在參議院聽證會後不久，漫畫出版商們在1954年10月26日成立了」美國國內漫畫雜志聯合會〃，並制定了」聯合會內部檢查標准〃，還要求在此後出版的漫畫封面上明確標明限制等級。

這無疑是一個對美國漫畫業具有深遠影響的事件。由於這個多少有些矯枉過正的標准，此前暢銷的恐怖、警匪類漫畫幾乎絕跡；西部漫畫中的牛仔們也不得不大幅收斂，肉搏和槍戰的場面明顯減少；甚至於搞笑動物漫畫里的」暴力〃舉動也變得畏首畏尾。許多出版社和漫畫刊物因為發行量的急劇下跌而破產，大多數職業漫畫家迫於生計壓力也不得不轉行。當然，像《美國上尉》的作者喬-西蒙這類少女漫畫作家，也因為超級英雄的缺席而一度走紅。不過，從整體上看，美國漫畫業還是因此而元氣大傷，雖然日後有所恢復，但終究還是沒能重振昔日雄風。

與美國漫畫業一波三折的發展歷程相比，同時期的美國動畫業卻始終保持著強勁的發展勢頭。而要回顧這段歷史，就不能不提到沃爾特-迪斯尼和他的迪斯尼公司。

事實上，在沃爾特-迪斯尼之前，美國已經擁有了不少傑出的動畫家，但是作為後來者的沃爾特卻是真正促使美國動畫業走向飛躍的人。因此，我們有足夠理由認為」沃爾特-迪斯尼是動畫史上的第一位大師〃。

1923年，年僅22歲的沃爾特-迪斯尼告別了故鄉堪薩斯，動身前往好萊塢尋求發展。那時的好萊塢是一片創業的熱土，而此時的電影仍處在默片階段，至於動畫片也只不過是擺在電影開演前的助興節目而已。在那裡，他白手起家，以僅有的3200美元注冊成立了」迪斯尼兄弟動畫製作公司〃。在沃爾特來到好萊塢的這一年，他完成了自己的第一部動畫作品——由真人和動畫人物合演的無聲動畫片《愛麗絲在卡通國》。

在好萊塢的最初幾年中，迪斯尼和他的公司漸漸的站穩了腳跟，但是在1927年沃爾特遭受了他事業上的第一個沉重的打擊。這年，他創作的第一個廣受歡迎的卡通人物」幸運兔奧斯華〃被發行公司用欺騙的手段奪走，公司因此幾乎陷入絕境。惱火而無奈的迪斯尼踏上了返回故鄉堪薩斯的列車。然而，正是在這次返鄉的旅途中，沃爾特的頭腦中出現了一隻活潑可愛的小老鼠。後來，沃爾特的夫人給這個嶄新的卡通形象取了個響亮的名字」Mickey Mouse〃！這就是日後享譽世界，為各個國家的兒童所喜愛的卡通明星——米老鼠。

米老鼠的出現，固然為迪斯尼公司提供了一筆巨大的無形資產。然而，要使米奇和他的夥伴們成為人見人愛的超級明星，迪斯尼公司還必須有新穎的製作理念。而新理念的核心就是重視劇情的設計和不斷創新。

在迪斯尼之前，動畫片作為普通電影放映前的墊場節目，往往只看重視覺效果而不太注意故事情節的安排。迪斯尼的米老鼠系列則反其道而行之，在製作的初期就對作品的情節進行周密的安排，讓短短七八分鍾的小片子變得非常引人入勝，再加上製作精良的畫面，迪斯尼的動畫片一下子就甩掉了幾乎所有的競爭對手。

除了先進的創作理念，對創新的敏感是迪斯尼的另一張王牌。20年代中後期，電影告別了默片時代，有聲電影的出現引發了整個電影業的革命。沃爾特敏銳的察覺到了變革的來臨，開始嘗試製作有聲動畫片。1928年11月18日，作為電影史上的第一部音畫同步的有聲動畫片，《汽船威利號》在紐約市的殖民大戲院隆重首映，並取得成功。到了1932年，迪斯尼又推出了第一部彩色動畫片《花與樹》（Flowers and Tree）。除了預料之中的轟動之外，它也為迪斯尼贏得了奧斯卡動畫短片獎。五年後，即1937年，迪斯尼耗費數年時間精心打造的第一部全動畫卡通劇情片《白雪公主》（Snow White and the Seven Dwarfs）上映。這是一部劃時代的動畫片，具有里程碑的意義。而且因為這部作品所取得的巨大商業成功，使得迪斯尼的製作計劃開始向長片傾斜。緊接著，在1940年裡，迪斯尼公司連續推出了《木偶奇遇記》和《幻想曲》兩部動畫長片。其中，《幻想曲》更是被視為現代動畫片的經典之作，推出伊始便獲得了廣泛贊譽。在不斷推出新作的同時，迪斯尼的卡通明星陣容也不斷擴充，除了米老鼠之外，米妮（Minnie）、布魯托（Pluto）、高菲（Goofy）和唐老鴨（Donald Duck）等新形象也陸續出現在了迪斯尼的動畫片中。伴隨著不斷涌現的優秀作品和卡通明星，迪斯尼公司終於在40年代初確立了它在卡通帝國中的霸主地位。

對於整個美國動畫業而言，迪斯尼的成功具有巨大的示範和推動作用。由於動畫市場的擴展，許多新動畫公司如雨後春筍般紛紛成立，此時的好萊塢已經是全美、乃至全世界動畫業的中心了。凡-伯倫製片廠（Van Beuren Studio）就是這些新動畫公司中的一員，在他的旗下同樣聚集了一批優秀的青年動畫家。在30年代後期，這家公司推出了著名的系列動畫片《湯姆貓和傑瑞老鼠》（Tom and Jerry），並獲得成功。另一家有影響的動畫製作機構是華納製片公司在1934年創立的動畫部，主要作品包括：《豬豆子》(Porky and Beans)、《達菲鴨》（Daffy Duck）、《邦尼兔》（Bugs Bunny）等系列動畫片。與迪斯尼的米老鼠一樣，它們也都是盡人皆知的卡通明星。

然而，在迪斯尼輝煌的成功里，危機也在悄然孕育著。成立之初的迪斯尼公司，以藝術和創造為信條網羅了大批一流的動畫人才。但是，隨著公司的不斷發展壯大，迪斯尼的藝術風格也逐漸趨於固定，迎合觀眾和市場的需求成為了節目製作的基礎和前提。更重要的是，迪斯尼的員工越來越感到，公司的繁榮並沒有給他們帶來預期的收入增長，不滿情緒開始在迪斯尼的內部蔓延。到了四十年代初，迪斯尼公司屬下的動畫家們開始籌備成立工會，希望以此來與公司高層對抗，爭取提高報酬。可是，高層的態度似乎要比想像中的更為強硬，由此也引發了一場曠日持久的」口水戰〃。最終，許多公司的業務骨幹負氣出走，並合夥成立了」美國聯合製片公司〃（United Proctions of America，簡稱UPA）。

雖然經歷了許多波折，但是沃爾特-迪斯尼和他的公司依然是那個時代無可辯駁的成功者。今天的迪斯尼已經成為了世界性的」娛樂王國〃，這也從另一個角度上證明了沃爾特的理想和成功是超越時代的。

總而言之，在這一時期，無論是美國的漫畫業還是動畫業，都取得了長足的發展。值得注意的是，在這個發展過程中，圍繞著卡通產品，美國的娛樂產業形成了一套完整的商業運作體系，實現了卡通自身發展的良性循環。而」美式卡通〃也正是以此為基礎，才得以實現它在全球范圍內的擴展，成為了一股不容小視的文化力量。

新浪潮的勃興在二戰前後，雖然歐美卡通產品依然占據著世界卡通市場的主流，但是由於經濟社會和大眾文化的變革，卡通藝術在全球范圍內的發展，也呈現出前所未有的全方位、多元化的發展態勢。無可否認的是，一股卡通業的新浪潮正在興起，並將席捲全世界。

就在美國卡通走上商業化道路的同時，歐洲的漫畫家和動畫家們似乎依然在堅守著他們固有的藝術理念。但即使如此，這一時期的歐洲卡通也絕不乏經典之作。

在德國，這一時期出現了一位具有世界影響的漫畫大師埃-奧-卜勞恩。卜勞恩的原名叫做埃里西-奧塞爾，出生在德國薩克森州的一個偏僻小鎮。後來由於工作變動的緣故，埃里西的父親攜全家移居到福格蘭特山區的首府卜勞恩市。而埃里西之所以會用」卜勞恩〃作為自己的筆名，也是出於對這座城市的懷念。在1921年到1933年期間，埃里西以畫家的身份發表了大量的卡通畫，還為他的摯友、作家埃里西-卡斯特納的許多作品畫過插圖。然而，隨著納粹黨的上台，德國的社會政治氣候迅速右轉。因為不滿納粹黨的倒行逆施，埃里西創作了一些以納粹黨為諷刺對象的漫畫作品，結果招來了納粹頭子約瑟-戈培等人的忌恨。埃里西的漫畫作品一度被查禁。

後來，因為當時的《柏林畫報》需要一位能夠畫連載漫畫的畫家，負責此事的著名作家、出版家和編輯庫爾特-庫森貝格博士便找到了埃里西-奧塞爾，希望能夠由他來承擔這項工作。最終，由於《柏林畫報》的積極周旋，納粹當局解除了對埃里西的禁令，但卻附加了一系列苛刻的審查條件，並且絕對禁止他的作品中出現任何與政治有關的內容。

盡管如此，埃里西還是在1934年到1937年期間先後完成了200多套作品，這也就是著名的《父與子》系列漫畫。在法西斯橫行的歲月里，這套漫畫作品宛如人性的綠洲，成為德國人民面對殘酷現實生活時最好的心靈慰籍，因而贏得了許多人的喜愛。《父與子》被譽為德國幽默的象徵，其聲望很快就跨出了國界。

1929年，比利時漫畫家埃爾熱開始創作《丁丁歷險記》系列。從那時起直到1983年3月埃爾熱逝世為止，《丁丁歷險記》先後完成了二十餘卷。1986年，作為埃爾熱生前未能完成的最後一部作品《丁丁和阿爾法藝術》出版，丁丁系列就此完結。評論界普遍認為，丁丁系列的成功應該歸結為作者對於將故事主線和真實背景有機結合的充分重視，因此埃爾熱也被稱為是」漫畫新聞記者〃。不管怎樣，由於融合了紀實風格和幽默風趣的創作元素，丁丁系列成為了漫畫史上最傑出的作品之一，埃爾熱也因此而步入了漫畫大師的行列。

就在美國的動畫家們盡情享受」黃金時代〃的時候，歐洲的動畫家們卻依然執著於試驗與藝術化的道路。這從兩者對於同步聲音技術的運用上就可見一斑。在美國，人物聲音主要用來展現角色的特徵和個性；而在歐洲，聲音效果卻被用來作為實驗的」素材〃。事實上，歐洲的動畫家幾乎將動畫片中的畫面和音效之間的配合發揮到了極致。這些有益的嘗試與探索，極大地豐富了動畫片的表現手法，對動畫藝術的發展進步起到了推動作用。但是，動畫片畢竟是一種需要高投入的文化產品，如果沒有完整的產業鏈條支撐就很難作大作強。隨著美國動畫片的大舉進入，歐洲本土的實驗動畫也逐漸的凋敝了下去。

也許沒有人會想到，第二次世界大戰的爆發給了歐洲動畫業一次」中興〃的機會。由於大戰的影響，原本連成一片的世界卡通市場被分割成了若干塊，客觀上刺激了各國卡通業的獨立發展。同時，因為許多國家的政府都把動畫片作為戰爭動員和宣傳的重要手段，所以開始出現了以政府投資來扶植本國動畫業發展的局面。

在戰時的英國，新成立的」哈拉斯和巴契樂〃動畫公司受英國當局的委託，前後共製作了七十多部支援戰爭的動畫宣傳短片。這些短片在英國各地的影院和劇場里放映，對鼓舞英國人民的鬥志起到了積極的作用。類似的」戰爭動畫〃，也曾經出現在美國、日本這樣的參戰國家裡。戰後，雖然不必再將動畫片作為戰爭動員的手段，但是它依然是一種重要的宣傳媒介，因而受到政府和民間機構的廣泛重視。動畫片作為一種媒介被運用在公眾關系、企業廣告、文化教育，乃至政治競選等方方面面。這使得歐洲的動畫業找到了新的支點。

與西歐國家相比，東歐和前蘇聯的動畫業稍顯滯後，但卻有著屬於自己的風格和體系。亞歷山大-巴斯克金、布拉姆帕格姊妹等都是前蘇聯動畫界的傑出代表。其中，布拉姆帕格姊妹在1925年完成《中國烽火》（Chinese on Fire），更是為中國觀眾所熟知。雖然有的西方評論家認為俄國的動畫片過於刻板，但是從總體上看，前蘇聯的動畫家還是從本國的豐富文化遺產中發掘了大量優秀的素材，拍攝出了不少優秀的動畫作品。

讓我們再回到美國。在」黃金時代〃末期出現的多元化的風格被新一代的美國漫畫家所繼承，從而產生了許多優秀的漫畫作品。

1950年10月2日，美國著名漫畫家查爾斯-舒爾茨（Charles Schulz）開始發表他的《花生》系列漫畫（PEANUTS）。在那以後的五十年裡，花生系列取得了空前的成功，先後被翻譯成21種語言，在75個國家的2600餘家報紙上刊登過。漫畫的主角小狗」史努比〃更是成為了號稱擁有」全球三億五千萬忠實讀者〃的超級漫畫明星。《花生》的出現標志著美國漫畫業中新勢力的崛起。類似的成功範例還包括吉姆-戴維斯和他的《加菲貓》系列。

隨著時間的推移，」魏斯曼事件〃的影響逐漸淡化，超級英雄的故事也開始回到美國人的生活當中。1956年，在《秀場》雜志的第四期上，新一代」閃電俠〃正是登場，從而標志著超級英雄的復歸。自此之後，」黃金時代〃的英雄們大都重出江湖，而新一代超級英雄更是不斷涌現，這其中包括在1962年登場的」蜘蛛人〃（SPIDER MAN）、1974年首次亮相的」狼人〃（W

④ 動畫片的發展史是什麼

（年代我忘了只能說個大概）動畫片的發展史要從最早的無聲電影開始，世界第一部無聲動畫片誕生在一戰左右（很有名的電影公司出的好像是華納），只能作為電影的一個副產品，它開始也是伴隨著電影業的發展也逐步形成新的獨立的片種，有色電影出來也是動畫片業的黃金時期比如經典的《唐老鴨與米老鼠》《藍精靈》等等，到現在電子技術的成熟3D技術的運用3D動畫片也隨之興起，代表作《玩具總動員3D版》
我國的早期動畫片有一些國畫元素，比如《小蝌蚪找媽媽》還有剪紙的《人參娃娃》等等，我國早期也有過3D動畫片，但在找色方面今天看來實在太差。