性的研究电影什么意思是什么意思是什么

❶ 很多人都喜欢看电影，那么电影的定义究竟是什么

电影是继文学、戏剧、音乐、舞蹈、绘画、建筑之后出现的一种新的艺术形式。它发明于19世纪末期，由最初被认为是“小学生的玩意”、“奴隶们的娱乐游戏”逐步发展成为20世纪最广泛和最具影响力的艺术。它通过摄影机以每秒拍摄若干格画幅的运转速度，将被摄物体运动的时空转换过程记录在条状胶片上，然后将不同的胶片衔接起来，经过显影、定影。干燥加工成电影拷贝的过程，制成可以放映供许多人同时观看的影片。影片从最初拍摄一些活动的日常生活景象片断，发展到现在已能够拍摄丰富多彩、复杂变化的现实世界，具体形象地反映社会生活的能力和生动的艺术感染力。

由于电影的样式和片种繁多，有注重完整故事情节、刻画人物性格的故事片，有报道某一政治、经济、文化教育、军事或历史事件活动的记录片，也有运用各种美术手段和材料制作的美术片，还有记录舞台艺术表演的戏曲片等等。在这些种类中又包含若干片种。如故事片中有喜剧片、西部片、爱情片、科幻片等；美术片中有动画片、木偶片、剪纸片；记录片中有传记记录片、文献记录片、新闻记录片等。它包括文学、戏剧、绘画、建筑、音乐、舞蹈等各种艺术成分，所以被称为综1合艺术。

所谓综合艺术，指综合几种艺术成分而构成的艺术样式。其特征是：

集体创作。包括编剧、导演、演员、美术、摄影、录音多个创作部门艺术创造的有机配合；

利用现有的一切艺术表现手法。电影有含文学成分的描写和结构，有含戏剧成分的对话、内心独白、形体动作、面部表情，有含音乐成分的歌曲和与画面融合的视觉形象；

广泛的群众性文化。电影的构成是用活动着的画面和各种音响表达、表现世界各国的人和环境之间的关系以及由此形成的风俗习惯、生活方式、文化水平，且通俗易懂、明白晓畅。

但是，电影的综合性并不是指各种艺术成分的简单相加，而是指将各种艺术形式包含的艺术成分融汇贯通变成新的东西加以表现。它除具有一般文学艺术的共性特征外，还具有自己的个性特征。这在于电影艺术的表现工具与别的艺术表现工具不同。电影是用摄影机来反映的。摄影机具有真实记录反映对象及其运动的时空转换这一特点，由此形成特殊的电影表现手法和电影叙述语言，将各种艺术成分有机统一组合成新的艺术表现形象。

正因为如此，作为艺术的电影，虽然是诞生于众多古老传统艺术如文学、戏剧、音乐、舞蹈、绘画、雕塑、摄影……之后的最新最年轻的艺术，但也是迄今为止唯一可以让我们知道它的诞生日期的艺术。自1895年12月28日卢米埃尔正式公映自己制作的世界最早的影片获得成功至今仅百年的历史。而古老传统的艺术，其中有的已经历了上千或数千年的沧桑，它们问世的时日，就连专门研究艺术史的专家学者们也无从稽2考。电影和古老传统的艺术相比，它只能算个小弟弟。但是它后来居上，后生可畏，最年轻的艺术——电影，以其无可比拟的艺术魁力，闯进了世界艺术之林，一跃而成为最富群众性最具影响力的与世纪同龄的艺术巨人。其所以能如此，恰恰是由于它年轻，有它自己的优势。因为电影不仅是诞生于古老传统的艺术之后，而且它是吸取和消化了这些艺术的所长而又扬弃了它们的所短，有机综合了多种艺术因素而形成的一种新型的独特的艺术形式。因此，多种艺术门类的有机综合，是电影艺术最突出的美学特性，综合性是电影美的本质所在。

早期的电影研究家们从电影像谁这一命题出发，探讨电影艺术的基本持性和电影美的奥秘。他们所持的观点和所得的结论各不相同，大相径庭。有人认为电影像文学，有人认为电影像戏剧，也有的认为电影像绘画，还有的说像音乐等等。不一而足。于是便有“可见的文学”、“电影诗”、“视觉交响乐”、“沉默的旋律”诸如此类的说法，试图从电影美学的层次上对电影美的本质作出界说。这些见解虽知其相对的合理性依据，但在今天看来，其各执一端的片面性，则是显而易见的。电影既像谁也不像谁，电影就是电影，因为电影是吸取、包容了文学、戏剧、音乐、舞蹈、绘画、雕塑、摄影……多种艺术的因素、集它们于一身的综合艺术。

电影中包容了文学的因素，因为它从文学中吸取了一整套反映客观世界和现实关系的方法，从文学的各种体裁中广泛吸取营养，如从诗中汲取抒情性，从散文中汲取纪实性，从小说中汲取叙事性。在叙事手法上又借鉴了文学中的主观叙述和客观叙述，外部描绘和内心剖析以及多种形式的结构原则等。总之，无论从人物塑造、情节结构的安排、细节的描写、叙事的3方式，电影都借鉴了文学的经验而具有文学的因素。电影中存在的戏剧因素，表现在演员表演、场面调度、矛盾冲突和悬念等一系列艺术方法和手段的运用。电影中的音乐因素，表现在通过旋律配合画面，以营造环境氛围、渲染情感和节奏变化。至于电影中的绘画、雕塑、摄影等因素，不仅表现在造型性和视觉再现性上，对构图、色彩和光影的处理上，借鉴了这些艺术的经验，而且电影中的许多专用术语如画面、色调、影调、镜头、焦距等等，也都是从这些艺术中借用过来的。

电影从文学中吸取了一整套反映客观世界和现实关系的方法，从人物塑造、情节结构的安排、细节的描写到叙事形式等各个方面都借鉴了文学的经验、方法和技巧，因而具有文学的因素。但文学进入电影’，由于受电影的制约，经过消化、融合，已发生了质的变化，而非电影加文学。电影中的文学因素和作为语言的艺术的文学有质的区别。因为尽管电影广泛借鉴文学塑造艺术形象的经验、方法和技巧，但文学是通过语言文学这一唯一的媒介塑造文学形象，而电影则是通过画面和音响以及电影所独具的特殊表现手段——蒙太奇来塑造银幕形象。作家用语言来写故事、写人、写人的灵魂。文学形象是通过抽象的语言符号给读者以联想，银幕形象则是通过可见的画面和可闻的声音具体地直接地诉诸观众的视听感官。可见电影中的文学因素决不是电影加文学。

电影从绘画中吸取营养，包括构图、光影、色彩、线条的运用和处理，具有绘画的因素，但绘画进入电影并非电影加绘画，电影中的绘画因素受电影制约，与绘画艺术有质的区别。绘画再现生活的手段是线条和色彩，电影的手段是画面，并且有声音与之相配合。绘画中的造型形象只能是化动为静，静中4见动，不能表现对象的连续运动，银幕中的造型形象则始终是不断变化着的连续运动的造型形象。

电影从戏剧吸取营养包容了戏剧艺术的因素，但戏剧进入电影，因受电影的制约被消化融汇也产生了质的变化，并非电影加戏剧。电影的时空观念和处理同戏剧的时空观念和处理有着质的区别。舞台空间是固定的，银幕空间是不断变化的。舞台时间是现实的物理时间，银幕时间则可以自由延长、压缩、停滞的非物理时间。因此戏剧的时空表现受到限制，而银幕的时空表现则有很大自由。不仅如此，戏剧表演和电影表演也存在着质的区别。表演者的表演和欣赏者的欣赏共时共地，同时完成，这是戏剧表演的特点；而电影表演则是另外一种情形：表演者在场表演，欣赏者缺席；欣赏者在场欣赏，表演者缺席，表演者的表演和欣赏者的欣赏不可能共时共地，也不是同时完成。因此，这就决定了戏剧表演和电影表演各有自身的特殊规律而非一致。

其他各门艺术进入电影，同样要产生质的变化，凡此种种，说明电影吸取了多种艺术门类，并不是各门艺术简单地相加拼凑在一起，而是经过了化合的有机的综合整体。电影吸取了多种艺术门类而形成综合性的审美特性，就其实质来说，乃是时间艺术和空间艺术的有机综合。正因为如此，作为时间艺术与空间艺术相结合的新型艺术——电影，它克服了传统的纯时间艺术难以充分表现空间和传统的纯空间艺术难以表现时间的局限与不足，既可以充分表现时间又可以充分表现空间，因而具有巨大的表现潜力和艺术可能性。由此也不难看出，包容了多种艺术门类的电影的综合性实质，还在于它是视觉艺术和听觉艺术的综合，它克服了纯视觉艺术难以满足人们对听觉形5象的审美需求和纯听觉艺术难以满足人们对视觉形象的审美需求的局限，而具有可以融合视听两者之长的优势，成为一门最富群众性的艺术形式。

电影的诞生

电影的诞生是科学技术发展到一定阶段之后的产物，它涉及到物理学中的光学、电学、化学、生理和心理学以及机械制造和摄影技术，当这些技术发展到相当水平后才促使电影的出现，并随着这些学科及技术的发展而发展。

首先是视觉暂留原理的发现和确立为电影的产生提供了必要的条件。什么是视觉暂留原理呢？少年朋友幼小时候可能见过并玩过一种叫做幻盘的玩具。在一张圆形的硬纸板上，一面画着一只小鸟，另一面画着一个鸟笼。当你拉紧系在纸板两端的绳子，让纸板快速旋转时，好像小鸟关在笼子里了。如在黑暗中点燃一支香，用手持香作圆圈快速挥动，我们就会看到一个人圈。这些就是视觉暂留现象。这时因为反映在我们视网膜上的视象不会立即消失，人所看到的视象有视网膜上具有滞留性的特点。科学家试验并确证，视像在眼前消失之后，仍然能够在视网膜上保留0．l秒左右的时间。今天的电影，胶片上每画格中的影像都是静止不动的呆照。但是，通过给我们以连续运动的幻觉，这就是运用视觉暂留原理而产生的效应。

其次，电影的发明是在摄影的物质条件和技术条件不断完善的基础上才得以实现的。实际上意味着快速摄影，而普通摄影的拍摄对象，一般只能是静物或人物呆照，不能拍摄和表现出连续运动中的人和物。据说19世纪50年代，有位摄影师想6表现一个人放下手臂的动作，他采用的办法是：首先拍摄这个人举起手的姿势，然后把未曝光的胶片重新装进照相机，再来拍摄这个人的手稍微放下一点的姿势，如此这般逐次地拍摄，一直拍摄到这个人把手完全放下为止。拍摄一个简单的动作竟如此困难和烦琐，如要拍摄快速复杂的连续运动，自然更加无能为力了。如：1872年美国有位富商和人打赌，他认为马在奔跑时，它的4只蹄会同时离地腾空。为证明自己的判断是正确的，他不惜以重金聘请一位摄影师来拍摄马在奔跑时的实况。摄影师在跑道上安置了40多架照相机进行连续拍摄的试验，花了几年的工夫，直到1880年才完成这项实验，虽获得成功，但他所拍下的片子只能放映一两秒钟。可见一般的摄影技术是不可能适应电影摄影的需要的。1888年法国生理学家马莱经过多年探索，终于制成了活动底片连续摄影机，才首次为电影摄影奠定了初步基础。

还有，适应电影摄影需要的胶片，必须依靠化学工业及其技术才能生产，而胶片必须通过放映机平稳、均衡的速度把光影投射到银幕上也并非易事，它有赖于机械工业为制作放映机提供先进的技术条件。1894的爱迪生发明了“电影视镜”，每次可放映半分钟，但每次放映只能供一人观看，卢米埃尔从缝纫机的运作工艺得到启发，在前人探索试验制造放映机的基础上获得较大突破，发明了胶片以每秒16画格的均衡速度通过放映机片门的放映技术，遂使影象清晰稳定地投射到银幕上供大家观赏，终于迎来了电影的诞生。

1895年12月28日——人类文化发展史上一个不平凡的具有特殊意义的日子。这一天，法国里昂的企业家、摄影师路易·卢米埃尔兄弟，在巴黎卡普辛路14号大咖啡馆的印度沙龙7内，向社会正式公映了自己制作的几部“活动照相”，如《火车到站》、《工厂大门》、《婴儿喝汤）、《水浇园丁》等世界最早的影片。世界影坛和电影史学家们公认，它标志着电影发明阶段的结束和电影时代的正式开始。伟大的电影先驱者卢米埃尔，为世界电影史谱写了光辉的第一页。

电影的发展及流派

1．电影的发展

法国电影理论家马尔丹说，电影成为艺术，是从导演们想到挪动摄影机那一天开始的。卢米埃尔作为伟大的电影先驱者，揭开了电影史的第1页。但卢米埃尔的电影，都是固定视点拍摄，摄影机与被摄对象的距离、角度等关系不变，自始至终是一个全景，一分钟一部电影，一部电影只有一个镜头。法国的电影先驱者梅里爱，把戏剧引入电影，并创造了停机再拍、叠印、多次曝光等拍摄手段，使电影获得生机和振兴。但梅里爱的全景内容是舞台上的科幻、神话、魔术等不同表演，形式仍然是复制的戏剧节目被人称为“前排观众眼里的戏剧”。因此它们还不是真正的电影艺术。

被誉为美国电影之父的电影艺术家大卫·格里菲斯，对电影的发展作出了不可磨灭的历史贡献。他的伟大功绩在于改变了卢米埃尔复制现实和梅里爱复制舞台、以场景为构成影片的基本单位的作法，而采用不同距离、不同角度和不同方位来拍摄所要表现的拍摄对象，以镜头构成影片的基本单位。他摄制的影片《一个国家的诞生》（1915）和《党同伐异》（1916），不仅标志着当时美国电影的最高水平，同时也是世界电影史上8的经典名作。

摄影机挪动的标志是电影迈出历史性的一步，它终于突破了活动照相和复制戏剧的局限，真正成为一门独立的艺术。

电影发展史上发生的两次重大的技术革命，使电影艺术跨入了成熟的阶段。

本世纪20年代末30年代初发生的由无声电影发展到有声电影的技术革命，是电影发展史上第1次重大的技术革命。

电影自诞生以来的数十年里，一直是只有供人观看的画面而无声音的默片——无声电影，因而被人们称之为“伟大的哑巴”。直到20年代末，由于电子工业的发展，声频真空管和光电管的发明以及录音还音设备和技术的逐步完善，这一系列技术成果的取得，才为电影的首次重大技术革命——由无声电影发展到有声电影奠定了技术基础，为使“伟大的哑巴”开口获得了良方。1926～1927年间，美国的华纳兄弟电影公司率先推出了能说话会唱歌的有声影片《爵士歌王》、《唐璜》等。1930年以后，制片商竞相仿效，有声电影开始风靡于世。有声电影的问世，使电影获得了声音，电影已不再是纯视觉艺术，而是视觉艺术与听觉艺术相结合的艺术。它更好地满足了电影观众的审美需求。

电影史上第2次重大的技术革命，是30年代中期彩色电影的问世。

电影自诞生以来的数十年间，还存在着另一严重缺陷，这就是它没有色彩，一直是黑白片。电影家们为消除电影患有“色盲”症的缺陷，开始了不断的探索、试验以寻求良方。如有的电影家曾试用人工着色的办法，在胶片的画格上逐一涂色，以克服银幕上只有黑白世界而无真实的色彩世界的缺陷。9但是，面对多彩的客观世界，这种人工着色的办法，是难以在银幕上获得满意的效果的。正因为如此，1935年由于生产具有特殊感光性能的彩色胶片的工艺得到满意的解决，美国导演马摩里安摄制的世界第一部大型彩色影片《浮华世界》（根据英国作家萨克雷的著名长篇小说《名利场》改编）在美国诞生了，40年代初以后，彩色电影开始遍及全球。

由此可见，依靠现代科技的装备，电影才从视点解放、从无声发展到有声、从黑白发展到彩色。随着当代高新科技的发展，当代电影又从普通银幕电影发展到宽银幕电影、立体声电影、环形电影、全息电影等等。随着电脑技术的发展又出现了《侏罗纪公园》、《空中大惯篮》等一些充分利用电脑来拍摄的新的电影，为电影的进一步发展开拓了一条新的思路。

2．电影的理论流派

在涉及到与电影有关的问题时，总听到蒙太奇这个名词，那么蒙太奇究竟代表什么意思呢？

蒙太奇，是法语的音译，原来是指建筑学中的构成、装配。借用到影视艺术中有组接、构成的意思，也就成了影视片中分切、组合的代名词。一堆建筑材料，没有生命、没有任何美感，到了建筑师手里，却可以把它们组合成风格不同、式样不同的各种建筑。它是电影语言中最基本的语言，如果对关系电影美学基础的蒙大奇问题不甚了了，那么，作为电影导演，是不可能拍出好影片来的；作为电影编剧，也写不出好剧本；作为影评人，难以评到点子上；同样作为电影观众，也难以看出个名堂。

前苏联著名导演库里肖夫曾做了一个实验来说明蒙太奇的效果。他从一部由当时苏联最有名望的演员莫兹尤辛主演的旧10片中，选出一张毫无表情的特写镜头；另外，又从别的影片中选出表现一只饭桌上的汤碗、一口棺材和一个孩子在玩耍的镜头，分别把莫兹尤辛的特写镜头与这3个镜头随意结起来放映，果然出现了奇迹。莫兹尤辛的脸不再是无表情了，而是呈现出饥饿、悲伤和慈爱的表情。

一般来说，电影蒙太奇的基本内涵就是镜头的分切与组合。

一部影片通常一般由数百个或千余个镜头组成。而一个镜头，是指自摄影机起动始，至摄影机停止运作止，一次连续摄录在胶片上的画面。电影艺术家根据既定的思想艺术意图，对人物、事件、动作、环境等被摄物分别拍下许多不同景别，不同角度和方位的画面镜头即分切；然后再按原定的构思方案，把这些不同镜头有机地艺术地剪辑组合在一起，使这些镜头相互间产生连贯、对比、隐喻、象征、烘托、悬念、节奏等有机联系并构成整体，组成一部表达一定思想艺术内涵并为观众所理解的影片。所以，说到底，蒙太奇就是电影艺术家用以叙述故事的一种方法，是电影语言中的重要组成部分——电影语法。

随着电影的发展，其内涵也随之不断丰富和拓展。在无声电影中，蒙太奇的分切与组合，仅限于镜头与镜头之间的外部关系。一旦电影获得了声音和色彩，蒙太奇也参予了声音和色彩的分切与组合。蒙太奇参予声音，形成了声音蒙太奇，它涉及声音与声音、声音与画面之间的关系。后者又包括声音与画面同步即声源来自画面中、声音与画面分立和声音与画面对位即声音与画面不同步，声源不在画面中等不同关系。蒙太奇参予色彩，形成色彩蒙太奇。此外，蒙太奇的分切与组合还可以11通过人物和摄影机的不同调度在一个长镜头内成，对此人们称之为内部蒙太奇。

第二次世界大战结束以后，世界的格局发生了变化，电影无论从技术方面还是从艺术方面来说，也进入了快速发展的阶段。

从艺术方面来说，许多电影艺术家已经不满足于固定传统，他们追求现代意识，刻意创新，许多新的理论、流派都纷纷出现，其中影响比较大的有：以法国为中心的先锋派，在意大利兴起的新现实主义，在日本兴起的独立制片运动，在法国兴起的长镜头理论、新浪潮主义等。

长镜头理论源自于安德烈·巴赞。安德烈·巴赞是法国的一位电影评论家，他认为，电影的最大优点是真实地反映客观世界，而传统的蒙太奇手段却是人为地把影片按照编导自己的观点和想法进行剪接，实际上是强迫观众接受编导者的思想，因此，电影就失去了它的意义。他主张，不要把时空随意割裂，从而限制观众的知觉过程。因此，他强调要把事件的全部真实过程拍下来，让观众自己欣赏、品评，这样就造成了长镜头的出现。因此，巴赞的理论也就常常被人们称为长镜头理论。其实，它还有个名称，叫做场面调度理论。巴赞的理论有它的积极意义，因为他强调让观众自己去理解、品评，“看他们自己想看的东西”。

对于蒙太奇理论和长镜头理论，虽然有些电影理论家各有偏爱，但实际上，两者都有它们的积极作用，也都有它们的不足。有人用长镜头理论否定蒙太奇，认为蒙太奇已经过时了，这样把长镜头理论反映到了绝对的地位，又走向另一个极端了。应该说，这两种理论都大大地丰富了电影语言，因而，也12就推动了电影艺术的发展。

60年代中期，在西方结构主义思潮的影响下，电影符号学在法、英、意大利等国兴起，这是世界电影理论发展史上的第三个里程碑。它以1964年法国的电影家克里斯蒂安·麦茨发表的题为《电影：语言还是言语？》的论文为开端，标志着这一新的电影理论的脱颖而出。和前两种电影理论不同，电影符号学不是电影理论的一个流派，和电影的创作实践的关系也不是很密切，它是读解影片本文对影片的分析和研究和对电影进行纯理论性研究的一种倾向和方法论。

70年代以前的电影符号学，总的来说，是以结构主义语言学为理论框架，注重结构和表述结果的静态研究。70年代以后，引入了拉康的精神分析学和西方马克思主义，并注重了表述过程的动态研究，标志着电影符号学第2阶段的开始。

中国电影发展历史

1896年8月11日电影传入中国。当时外国人在上海徐园的又一村茶楼中放映了一部表现外国人生活的影片，引起了轰动，被称为西洋影戏。从此，法国、英国、俄国、意大利人也纷纷把自己国家的影片输入中国，在酒楼茶肆中放映。

中国自己拍映的第1部影片当数1905年，由北京丰泰照相馆老板任景丰拍的《定军山》。这是一部短戏剧片，主演是当时著名的京剧演员谭鑫培，《定军山》是谭派的保留剧目。京剧是当时中国人最喜爱、最熟悉的剧种，谭鑫培又是当时最受欢迎的京剧艺术家。任景丰当时的选择用今天的观点来看，是颇有精品意识的，因此，影片大获成功。报载，放映时有13“万人空巷来观之势”。当然，由于那时还是默片时代，所以任景丰等人只拍了其中请缨、舞刀、交锋等武打或舞蹈比较多的场面。

本世纪20年代前后是中国的电影事业的萌芽时期。1917

年，中国有了第1所自己的电影企业——商务印书馆影片部。一些影片的样式，如故事片、武打片、纪录片、风光片，动画片都出现了，但基本上还是在探索阶段中。那时拍出的一些影片，如《严瑞生》、《红粉骷髅》等，无论在影片的内容上、艺术性上，都很低劣。不过那时也确有一些影片具有积极意义。如我国的第1部短故事片《难夫难妻》，在一定程度上反映了包办婚姻的不合理。1913年，由美国人出资、中国人拍摄的

《庄子试妻》成为第1部送到外国去的影片。1931年，还诞生了我国的第1部有声片《歌女红牡丹》。

30年代初，中国左翼作家联盟的成立，标志着中国左翼

文艺运动的兴起，同时也标志着左翼电影的兴起。“九·一八”和“一·二八”时日本帝国主义对中国的侵略，唤起了中国人民的觉醒。在中国共产党的领导下，进步的电影工作者拍出了许多具有积极社会意义、又有相当艺术水准的影片，如《春

蚕》、《桃李劫》、《风云儿女》、《自由神》、《神女》、《新女性》、《十字街头》、《马路天使》、《狼山蝶血记》等。孙瑜执导的《野草闲花》不仅在内容上有一定的社会意义，而且其中的

《寻兄词》开了我国电影插曲的先河。蔡楚生的《渔光曲》，在中外都产生了很大影响。这一时期，我国电影艺术家对于电影语言的运用更加纯熟了，推、拉、摇、跟、升、降的摄法，各种蒙太奇手段的运用，都达到了比较高的水平。1937年以后，我国的电影艺术工作者在抗日战争中拍摄了《塞上风云》、《八14百壮士》、《长空万里》等影片，鼓舞了中国人民的斗志。

抗日战争胜利以后，国民党统治区的进步电影工作者拍摄了《一江春水向东流》、《八千里路云和月》、《万家灯火》、《三毛流浪记》、《乌鸦与麻雀》等影片，有力地揭露了国民党反派的腐败和反革命的本质。而物质条件技术设备极差的解放区也开始建立了自己的电影企业，1946年，东北电影制片厂在现在的黑龙江省鹤岗成立，为人民电影事业的发展奠定了基础。

解放后，我国的电影事业取得了有目共睹的成就。不仅成立了许多新的电影制片厂，一些著名的优秀电影艺术家创作。拍摄了许多优秀的影片，而且涌现了许多新秀。一批影片，如《白毛女》、《钢铁战士》、《梁山伯与祝英台》、《聂耳》、《我这一辈子》等还在国际上获奖或者获得好评。十年浩劫，曾给中国的电影事业带来了极大损害。打倒“四人帮”以后，尤其是在党的十一届三中全会以后，中国电影事业进入了一个全面发展、空前繁荣的时期。许多新的题材、新的办法、新的电影艺术家大量涌现，并且取得了很大成就。以谢晋、陈凯歌、张艺谋为代表的中国导演们拍摄了一批《天云山传奇》、《黄土地》、《红高粱》等有国际声望的电影，中国的电影像中国的经济一样已稳步走向世界。

❷ 电影的级别有哪些都代表什么意思

美国电影分级制度

美国的MPAA，它的全称为
“The Motion Picture Association of America ”
即“美国电影协会”
总部设在加利福利（Encino,California ）
这个组织成立于1922年，最初是作为电影工业的一个交易组织而出现的 它的委员会的主要成员由也是MPAA的会员的美国最大的七家电影和电视传媒巨头的主席和总裁共同担任。他们是：

．迪斯尼公司（Walt Disney Company;）

．索尼声像（Sony Pictures Entertainment, Inc.;）

．Metro-Goldwyn-Mayer Inc.;

．派拉蒙公司（Paramount Pictures Corporation;）

．21世纪福克斯公司（Twentieth Century Fox Film Corp.）;

．环球影像（Universal Studios, Inc）

．华纳兄弟（Warner Bros. ）

MPAA制定的影视作品的分级制度如下：

·G级： （GENERAL AUDIENCES All ages admitted.）大众级，所有年龄均可观看大众级，适合所有年龄段的人观看——该级别的电影内容可以被父母接受，影片没有裸体、性爱场面，吸毒和暴力场面非常少。对话也是日常生活中可以经常接触到的；

·PG级：（ PARENTAL GUIDANCE SUGGESTED Some material may not be suitable for children.）普通级， 建议在父母的陪伴下观看，有些镜头可能让而用产生不适感.辅导级，一些内容可能不适合儿童观看——该级别的电影基本没有性爱、吸毒和裸体场面，即使有时间也很短，此外，恐怖和暴力场面不会超出适度的范围；

·PG-13级：（PARENTS STRONGLY CAUTIONED Some material may be inappropriate for children under 13. ）普通级，但不适于13岁以下儿童.特别辅导级，13岁以下儿童尤其要有父母陪同观看，一些内容对儿童很不适宜——该级别的电影没有粗野的持续暴力镜头，一般没有裸体镜头，有时回游吸毒镜头和脏话；

·R级：（RESTRICTED Under 17 requires accompanying parent or alt guardian.） 限制级，17岁以下必须由父母或者监护陪伴才能观看．限制级，17岁以下观众要求有父母或承认陪同观看——该级别的影片包含成人内容，里面有较多的性爱、暴力、吸毒等场面和脏话；

·NC-17级： （NO ONE 17 AND UNDER ADMITTED ）17岁或者以下不可观看 17岁以下观众禁止观看——该级别的影片被定为成人影片，未成年人坚决被禁止观看。影片中有清楚的性爱场面，大量的吸毒或暴力镜头以及脏话等。

另补充几种特殊的分级：

· NR OR U：NR是属于未经定级的电影，而U是针对1968年以前的电影定的级。

· M，X OR P：这一级中的电影基本上不适合在大院线里公映，都属于限制类的。

以上这是美国的分级制度

英国电影分级制度

· “U”级：普通级——适合所有观众。在此级节目中只能偶尔使用“damn”（该死）、“hell”（见鬼、混蛋）这类轻微的咒骂语言，极少使用其他温和的咒骂语言；

· “Uc”级：特别适合儿童观看；

· “PG”级：家长指导级；

· “12”级：适合12岁以上是成人观看；

· “15”级：适合15岁以上是成人观看；

· “18”级：适合18岁以上是成人观看。

加拿大电影分级制度

一、无条件容许何年龄人士观看：

“普通”级(General)——适合所有年龄人士观看。

“家长指导”级(Parental Guidance)——容许所有年龄人士观看，但主题及内容不一定适合所有儿童，宜在家长指导下观看。

二、有条件容许儿童青少年观看：

“十四·陪看”级(14 Accompaniment)——任何十四岁以下的观众必须在成人陪伴下才能观看；并向家长提出警示：映片可能包含暴力、粗俗语言或性爱相关内容。

“十八·陪看”级(18 Accompaniment)——任何十八岁以下的观众必须在成人陪伴下才能观看；并向家长强烈提出警示：映片可能包含显而易见的暴力、频密的粗俗语言、性爱行为或可怖内容。

三、绝对不容许儿童及青少年观看：

“限制”级(Restricted)——只容许十八岁或以上人士观看。映片可能包含显而易见的性爱或暴力内容；但分级当局对这一类映片仍有正面看法，认为可能在艺术、历史、政治、教育或科学等方面具有一定价值。

“成人”级(Alt)——只容许十八岁或以上人士观看。映片可能包含显而易见的性爱或暴力内容；分级当局对此并无表达正面看法，但认为尚可为社会大众所容忍。

法国电影分级制度

法国电影作品分级委员会希望从形式上摆脱任何审查理念的束缚，将宗旨定位在发展经济、保护儿童上。为此，制订了3种等级：禁止不满12岁儿童观看的影片；禁止不满16岁青少年观看的影片和众所周知的X级影片。此外，还有TP级，即所有人可以观看的影片和TP+avert级，为大众可看，但要警惕某些内容。

❸ 到底什么样的电影才算是文艺片

一 “文艺片”的含义

“文艺片”：
1. 华语电影特有类型（参见magasa回答）。为了方便区分，暂时把这种类型改称为“文艺戏片”或者“文艺戏”。
2. 被错误地用来描述“艺术电影”。
3. 被用来轻蔑地描述叙事糟糕的电影。
4. 用来描述那些不能用“华语类型电影词汇”归类的电影。

二 为什么“艺术电影”常被错误地描述成“文艺片”？

先说说“艺术电影”吧。电影的“艺术性”这种东西很难量化，因此是见仁见智的。非要定义也可以，大抵分两种。
第一，形式主义的艺术。也就是常说的“实验电影”，探索“电影工具”（cinematic apparatus：镜头，包括构图，景别，镜头运动，镜头长度；镜头关系，即剪辑。）的艺术可能性。比如艾森斯坦的［十月］探索蒙太奇对观众认知的影响， 阿仑雷乃的［去年在马里昂巴德］探索剪辑在电影时空构建上的多重可能性。
第二，现实主义的艺术。探索电影“重现现实”的能力。比如法国诗意现实主义流派（代表人物如，让雷诺），意大利新现实主义流派，好莱坞的如奥森韦尔奇。

这两类的“艺术电影”相对商业电影来说，故事性被弱化了。形式主义艺术电影尤其如此，故事基本不讲究因果逻辑，往往也是支离破碎的。现实主义艺术电影有故事，通常也是完整的，只是“戏剧性”没那么强，有很多类似“跑题”的段落及看似“啰嗦”的镜头运动（显得更加真实）。

为什么用“文艺片”描述“艺术电影”？原因是“艺术电影”的概念不普及，而“文艺片”又被广泛地用来描述那些不那么“商业”（即故事性不那么强）的电影，因此更近一步被用来描述更加不商业的“艺术电影”也在情理之中。

三 当他们说“文艺片”的时候，说的到底是什么？

上面提到“文艺片”被广泛地用来描述那些不那么“商业”（即故事性不那么强）的电影，这里广泛地把“文艺片”当作一种类型片标签使用的是电影爱好者和影评人，这里的“文艺片”应该像其他电影类型标签一样作为电影产业生产实践的语汇，对电影内容（即类型化的角色设定和情节轨迹）给出明确的指示信息，进而指导观众的观影选择。但多数的情况是，如果你告诉另外一个小伙伴，这是一部“文艺片”，对方对电影内容仍旧是一头雾水。

当前语境下我们耳熟能详的“类型片”，其含义并不是单一的。

“类型片” 的产生大抵分成两种。

第一种是片商用来推广产品，降低风险，普通观众用来指导观影选择的商业行为。它一开始的流通范围是制作发行电影和看电影的人，后来电影学者对其进行系统化的归纳总结，并把它和当时的时代背景联系起来。商业行为在前，理论研究在后。我们最熟悉的电影类型片，大多属于这一种：西部片，黑帮片／警匪片，喜剧片，恐怖片，惊悚片，科幻片，战争片，动作片／武侠片，体育片，自传片，历史片（如清宫戏）。这类类型片的名称都是简单粗暴，没有歧义，童叟无欺的。

第二种是学者通过研究和观察“发现”并定义，而后因为种种原因在电影评论界及影迷中被广泛使用的。这类“类型片”包括了“文艺戏片”，“黑色电影”[Film Noir] 和“通俗情节剧”[Melodrama]。这类“类型”概念的产生是明显滞后于市场行为的。比如“黑色电影”的概念最早出现在1946年夏天，研究的对象却是40年代初的好莱坞电影（参见什么是「黑色电影」？好莱坞有哪些优秀的「黑色电影」？）。其次，这类“类型片”的名称基本上是使用引申含义而非字面含义，因此有较大的歧义。比如，“文艺戏片”并不是字面意思“文学”和“艺术”的简单加成；“黑色电影”并不是说指颜色是黑色的电影；melodrama字面意思是指起源于18世纪的戏剧形式，melo－词根意思表示音乐，字面理解是“配乐戏剧”。发散式的命名原则使得这三种“类型”始终没有明确的，公认的类型定义，而更多地被认为是某一历史时期的“创作趋势”或“创作模式”。

“文艺片”标签的泛滥化是有实效意义的，因为它恰好补全了“华语类型电影词汇”的空缺。“华语类型电影词汇”中有本土的，如武侠片，香港警匪片，而大部分是外来的。有一个好莱坞经典类型片概念没有进入“华语类型电影词汇”，恰好是melodrama（这里说的是商业版melodrama，而非学术版melodrama），翻译成中文叫做“通俗情节剧”。几乎没有人会把一部华语电影叫做“通俗情节剧”，相反，很多应该属于melodrama的电影都被描述成“文艺片”。（注：正宗的melodrama和“文艺戏片”有相似之处，但本质上不是一回儿事儿；不过两个学术概念推广泛化之后指的恰好是一类电影。）

简单地说，商业版本的melodrama，或者更广泛地被简称为“drama”，是一种角色推动型的电影类型（character－driven genre），相比情节推动型电影类型（plot－driven genre）对角色的脸谱化处理，melodrama 强调角色的“变化”，或者“成长”，而这种“成长”是主人公通过与和其他角色的关系（爱情，友情，亲情）获得的。

“华语类型电影词汇”中没有对应的词汇去描述这种故事场景设定很“真实”，角色挣扎和情节轨迹很“现实”，更关注“人”而非“戏剧化的情节”的电影。“文艺片”可以是一个很好的选择。我们需要做的只是更好地把“艺术电影”，“文艺戏片”，和“文艺片”的概念区分开来，更准确地使用“文艺片”去描述一种可以明确定义的电影故事类型。

“类型片”说白了都是商业片，只不过melodrama和“文艺片”的商业性不那么重而已。反叙事的实验片＝艺术探索，反叙事的故事片＝坑爹。

注：简体商业版melodrama／“文艺片”特点。
－主人公是女性的的时候比较多。当然也可以是男的。
－主人公的危机是内部的，通常是首要的生活危机，比如爱，失去（至亲，健康，事业）。
－一个无能为力（powerless）的主人公 v.s. 一个强大的权利机构。比如黑人在白人的世界，移民在本地人的世界，女性在父权主导的世界，等。
－ 情感深度上从恶俗（肥皂剧）到深刻（悲剧）不等。
－ 截然对立的价值观碰撞。道德困境。
－ 一段改变主人公的关系至关重要。
－ 角色与角色之间互动提供了故事的张力。

例子，［达拉斯买家俱乐部］。
－主人公危机：aids 晚期。主角目标：自救
－ 强大的权力机构，药监局，医院：控制药物的流通，主人公和其他患者没有办法通过正常合法的途径获取药品自救。
－ 道德困境：采取非法的手段救人是否合乎道德？
－ 一段改变主人公的关系：with Jared Leto
来自知友的回答，希望能帮到你，敬请采纳。

❹ 什么是电影

电影，是由活动照相术和幻灯放映术结合发展起来的一种连续的影像画面，是一门视觉和听觉的现代艺术，也是一门可以容纳戏剧、摄影、绘画、音乐、舞蹈、文字、雕塑、建筑等多种艺术的现代科技与艺术的综合体。

但它又具有独自的特征，电影在艺术表现力上不但具有其它各种艺术的特征，又因可以运用蒙太奇（法语：Montage）这种艺术性突跃的电影组接技巧，具有超越其它一切艺术的表现手段，而且影片可以大量复制放映，随着现代社会的发展，电影已深入到人类社会生活的方方面面，是人们日常生活不可或缺的一部分。

电影是19世纪美国国家生活水平上升大众产生新需求的娱乐产物。

电影根据视觉暂留原理，运用照相（以及录音）手段把外界事物的影像（以及声音）摄录在胶片上，通过放映（同时还原声音），用电的方式将活动影像投射到银幕上（以及同步声音）以表现一定内容的现代技术。

电影是一种视觉及听觉艺术，利用胶卷、录像带或数位媒体将影像和声音捕捉，再加上后期的编辑工作而成。

电影是一种综合的现代艺术，亦正如艺术本身，有着复杂而繁多的科系。电影有很多类型，也有多种分类方法。

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中国电影发展史：

由1896年至二十世纪二十年代，虽然外商在中国电影市场占据了垄断地位，但亦阻止不了我国电影活动的开始。1903年，德国留学生林祝三携带影片和放映机回国，租借北京前门打磨厂天乐茶园放映电影。1905年，北京丰泰照相馆的任庆泰为了向著名京剧老生谭鑫培祝寿，拍摄了一段由他主演的京剧《定军山》。

中国电影一开始，就和中国传统的戏曲和说唱艺术结合起来，发展出一套独特的电影类型。但是最早尝试拍摄这种电影类型的丰泰照相馆只属小本经营，算不上是电影机构。直至商务印书局“活动电影部”的出现，才真正代表中国制片业的开始。

在这段期间，除了“商务”之外，先后出现的电影制片机构还包括由美商投资“亚细亚影戏公司”、“幻仙”、“中国”、“上海”、“新亚”等，由于他们的成员多是来自戏剧舞台，所以当时的电影题材和内容大多源于中国戏曲和文明戏。此外，他们也开始拍摄剧情短片和长片，对电影这种艺术作最初步的探索和尝试。

中国电影诞生于1905年，历经了中国半封建、半殖民地时期，革命战争时期，新中国建设时期，文革时期，改革开放时期和全面建设小康社会新时期等各个历史阶段；经历了从无声到有声再到立体声，从黑白到彩色再到立体像（3D），从模拟到数字，从传统到现代的技术变革进程。

在不同的发展阶段，中国电影都留下了优秀的代表作：20年代拓荒时期，有《孤儿救祖记》等关注社会改造的进步电影；抗日救亡时期，有《狂流》、《中华儿女》等鼓舞斗志、弘扬爱国主义的影片；抗战后，《八千里路云和月》、《一江春水向东流》等又深刻揭示社会矛盾和本质，形成现实主义的创作潮流。

1949年新中国成立后的17年间，涌现出《白毛女》、《祝福》、《林家铺子》等一大批现实主义和浪漫主义相结合的优秀作品，塑造了一大批具有浓郁民族风格的银幕形象，形成了新中国电影发展的第一次高潮；经历十年文革浩劫，中国电影走出低潮，拍摄出《小花》、《人到中年》等一大批反映改革实践、针砭社会时弊的优秀影片。尤其是八十年代末，九十年代初，《开国大典》、《大决战》等重大革命历史题材影片和《焦裕禄》、《凤凰琴》等现实题材影片，形成了第二次高潮。

进入二十世纪九十年代，照实说，中国电影先后实施了影视合流改革、电影精品工程、农村电影放映工程、电影股份制、集团化改革等主要措施，艺术质量和形式都有崭新的突破和提高。除《孔繁森》、《离开雷锋的日子》、《喜莲》、《那山那人那狗》等作品外，还出现了《不见不散》等贺岁片、喜剧片的新样式，涌现出一大批新生力量。

进入新世纪，中国电影形成了国有、集体、民营多种所有制协调发展的新格局，电影发展走上了良性循环的轨道。《邓小平》、《可可西里》、《台湾往事》等力作取得社会效益和经济效益的双丰收，《英雄》、《神话》、《震撼》等国产大片共同占据了中国市场的主导地位，并在世界影坛创造了中国电影的票房奇迹。中国有30多部影片在40多个国际电影节上获奖。

2012年共生产各类电影893部，全国电影总票房超170亿，而团购票为国内电影票房贡献了近27亿元，为广大影迷们节省了50.12亿元生活开支。

对于影院团购市场的火爆，业内人士分析认为，电影票和餐饮婚纱相比，它的标准化程度更高，电影院也比一般餐馆的接待能力更强。其次，对于普通消费者来说，电影票的票价仍然偏高，电影的需求受到一定程度的抑制，而团购的出现正好释放了这部分的需求，赢得了广泛影众喜爱。

2014年中国电影市场达到了前所未有的高度。2014年在进口大片特别是好莱坞强大的压力面前，国产电影压产量、提质量，不断提高创作水平，不断丰富类型品种，受到了市场观众欢迎，以超过54%的份额赢得了市场主体地位，涌现出《智取威虎山》《归来》《亲爱的》等一批优秀影片。同时，一批青年电影导演的作品也引起社会广泛瞩目。中国的电影市场达到了一个新高度。

《2013-2017年中国电影产业市场前瞻与投资战略规划分析报告》数据显示，2012年中国生产故事影片745部（含电影频道出品的数字电影92部），生产各类电影总量达893部；全国电影总票房达到170.73亿元，中国电影市场进入快速发展期。

2013年2月，我国影院的放映场次达200多万场，环比1月份基本持平；观影人次达5700多万，增长近1000万人次，增幅达19%；共产出票房21亿多元，大增近5亿元，增幅高达近30%。

❺ 什么是电影，电影的意义是什么

电影是由活动照相术和幻灯放映术结合发展起来的一种连续的影像画面，是一门视觉和听觉的现代艺术，也是一门可以容纳戏剧、摄影、绘画、音乐、舞蹈、文字、雕塑、建筑等多种艺术的现代科技与艺术的综合体。

电影的意义在于它的出现只是让世界在你眼里出现的更真实，没有遮遮羞羞的蒙蔽与掩盖,让人的视角层面拓展的更加旷远与宽阔，丰富观影者的思维角度,使之与原生蕴存的思想、观念得以多元交汇,收获新生精神的启蒙，世道艰深，谁看到的维度越多，世界在谁的眼中便越真实。

(5)性的研究电影什么意思是什么意思是什么扩展阅读：

1、电影的表现手段：

电影是一种以现代科技成果为工具与材料，运用创造视觉形象和镜头组接的表现手段，在银幕的空间和时间里，塑造运动的、音画结合的、逼真的具体形象，以反映社会生活的现代艺术。

电影能准确地“还原”现实世界，“展现”虚拟世界，给人以逼真感，亲近感，宛如身临其境。电影的这种特性，可以满足人们更广阔、更真实地感受生活的愿望。电影的帧速率一般是24帧每秒，随着技术的提升，即将出现48帧甚至60帧每秒的电影。

2、中国电影之最：

中国最早放映的电影——1896年8月11日法国商人在上海徐园“又一村”茶楼内放映的“西洋影戏”。

中国第一部电影是戏曲片京剧《定军山》，内有《请缨》、《舞刀》等片断，1905年（清光绪三十一年），由北京丰泰照相馆摄制。无声片，长约半小时。

中国第一部短故事片是《难夫难妻》（又名《洞房花烛》），1913年在上海拍摄，无声片，郑正秋编剧，郑正秋和张石川联合导演。此片是由亚细亚影戏公司开张后的第一部作品，首开家庭伦理剧之先河。

中国第一部长故事片——1921年中国影戏研究社在上海拍摄第一部长故事片《阎瑞生》。

中国现存最早的一部可放映电影——1922年由张石川导演的《劳工之爱情》又名《掷果缘》，是现存尚可放映的最早的一部中国电影，也是中国现存最早的故事片。

中国第一部有声电影是《歌女红牡丹》，明星影片公司1931年摄制，该片采用的是蜡盘配音的技术。

中国第一座电影院——伊留继昂电影院。1905年，由俄籍建筑设计师、犹太人潘·瓦·科勃采夫开设了哈尔滨第一家电影院。原址就在道里区西十二道街和中央大街交口处，这也就是中国第一家电影院。