电影手册哪里有的卖

1. 青年电影手册2020年度华语十佳提名揭晓，你喜欢哪一部

我最喜欢《拆弹专家2》,它是一部犯罪题材的港片，其跌宕起伏的剧情，动感刺激的场面，让我觉得看着非常具有舒适感。

作为一位身经百战的拆弹专家，他的心理素质一定是常人所不及的，剧中主角是香港警队的一名高级警官。故事从七年前开始讲起，他潜伏到犯罪团伙中，在一次打劫金库的活动中，他与警队里应外合成功拆除炸弹，可是犯罪团伙的老大却逃跑了，扬言要复仇，七年之后犯罪头目接二连三制造炸弹恐怖袭击，一切都预示着香港将有大事发生，随后城中的交通要道被炸毁，数百名人质被劫持，男主再次出场解救了人质，成功拆除了炸弹。

电影是导演的艺术，导演是电影的灵魂，演员的本职工作就是认真做好每一部戏，电影里面没有粉丝，只有观众，所以每一个演员都会尽力做到导演希望剧中人物的样子，例如我最喜欢的《拆弹专家2》，主角就是将自己融入到角色中，做一个让大家相信自己就是一个勇敢的演员，勇敢的警察，就是拆弹专家本人，不存在演戏，所以这部电影我从第一部一直看到第二部，就是很喜欢，很真实。

最后希望这一届的“年度华语十佳”顺利举行，《拆弹专家2》顺利提名获奖。

2. 国产电影历史上的巅峰是哪一部

北京丰泰照相馆拍摄了中国人的第一部电影《定军山》，西洋的把戏儿在中国落了根。

自此中国电影才有了被讨论的基础，也有了关于“国产电影历史上的巅峰是哪一部”的问题。

只是这个问题问得太大了。
无论是港台还是内地，中国电影都是一脉相承的。

尽管内地有代际关系的概念，港台没有，但严格来说，港台的电影人属于第二代，第三代导演。

因为战乱或不愿意与日本人合作，当时上海的许多大导演都跑到了香港和台湾避难。

如费穆、黄佐临和吴仞之等人，他们为那里带来了中国电影，所以在讨论国产电影的时候不能忽略港台电影。

那么历史上的巅峰之作又指什么？

艺术成就、后世影响、象征意义，还是对中国电影语言的革新性，在国际上最知名，影史票房最高？衡量标准不同，代表电影则不同。

《定军山》是中国第一部电影，标志着中国电影的诞生。

这算不算巅峰的作品，毕竟是中国电影元年的开始，可原始资料被烧毁，后世谁也没有看过，又如何评价。

张石川、郑正秋他们让中国有了正儿八经属于自己的故事片，这一改变让西洋影戏不再是外国人的游戏。

《难夫难妻》是中国第一部故事片，《歌女红牡丹》是中国第一部有声片，《火烧红莲寺》是中国第一部火遍全国的商业片。

他们联手创办的明星电影公司，不仅为中国电影打下了基础，定下了基调，还对解放全国，赶走侵略者起到了不少积极的作用。

以这样的标准来看，他们的电影算不算巅峰之作？
可是他们的电影，因为早期的局限性，在技巧和思想上并没有多出色，又可以被称作巅峰之作吗？

第二代导演是费穆、袁牧之、吴永刚、蔡楚生等人。

他们引领的左翼电影运动推动了中国电影的第一个黄金时代，让中国电影脱离了只为赚钱的框架，有了社会价值和精神价值。

那么他们的电影，如《马路天使》《神女》《一江春水向东流》《春蚕》《狂流》《十字街头》算不算巅峰之作？

费穆于1948年拍了《小城之春》。

其在中国影史的价值可以类比为《公民凯恩》对电影的改变。

而且《小城之春》中还有意识流的影子，比五六十年代才在法国新浪潮流行起来的电影叙事概念还早。

《小城之春》中的美学风格，诗意构图，以及不同景别和影片结构的运用都对后来者影响深远。

张艺谋、贾樟柯、田壮壮都把《小城之春》称作自己一生都不可能超越的电影，因为它革新了中国电影语言，让那时的中国电影跟上了世界电影的脚步。

田壮壮甚至还翻拍裤宽了《小城之春》以示致敬，虽然距离原作差得远，但也能说明《小城之春》在影史的重要地位，那么《小城之春》算不算巅峰之作？

之前排名华语电影一百年一百部电影，《小城之春》一直都是第一。

近些年侯孝贤后来居上，《悲情城市》成了冠军，《悲情城市》是台湾首部获得威尼斯金狮奖的影片。

《悲情城市》是侯孝贤从个人自传转向社会题材的代表作，以平静的镜头叙述一个时代的惶恐和苦难，那么《悲情城市》是不是巅峰之作？

张艺谋的《红高粱》是亚洲电影中第一部获得柏林金熊奖的电影。

这部电影声画结合的相当完美唤高，赵季平的音乐，张艺谋的画面和色彩，莫言的故事，姜文、巩俐的演技，都让《红高粱》成为难以逾越巅峰。

张艺谋不同于其他多数第五代导演，不顾及电影的观赏性和叙事性，一味地加入哲学思想，让观众费心的猜。

《红高粱》在淡化叙事结构的同时，也考虑了普适性，所以我们在看《红高粱》的时候并没有看不懂故事的情况出现。
自《红高粱》之后，第五代导演从1984年到1987年的统一性，变成了个人风格明显的百花齐放，故事片的比重大大增加，那么《红高粱》是巅峰之作吗？

王家卫的《花样年华》在国外的各大权威榜单中一直都是为华语电影挽尊的存在。

不论是视与听、电影手册还是TSPDT，在排影史百大的时候都不会漏掉王家卫的《花样年华》，并且与《穆赫兰道》争夺谁是21世纪最佳电影。

影片散文诗胡链亮般的叙事，极具东方美学中含蓄的意境。
还以苏丽珍、周慕云的心理变化来解构婚姻、选择和取舍，别有一番风味。
再加以王家卫惯用的慢镜、抽帧、落雨、失落情绪、矫情台词，让《花样年华》中散发出的情绪被有过生活经验的人感同身受，那《花样年华》是巅峰之作吗？

3. 埃里克·侯麦：他的电影，是巴黎的香水

人间侯麦，四季男女。

关于侯麦，我们似乎总是知道的太少。

他的电影里有最缤纷的色彩，就像是印象派的一幅幅杰作，动静之间吐纳着世界的精巧。

每次看侯麦的电影，都会惊讶于他对于色彩的运用是如此臻入化境。

如果说阿尔莫多瓦电影中的色彩是浓烈而张扬的，那么侯麦镜头下的色彩则是含蓄而平衡的。

他的电影中有着法国形形色色的美人，每一个女子都是如此生动而鲜灵，完美地诠释着“巴黎女子”所特有的气质。

侯麦就像是一个“美女收藏家”，他的品味是如此丰富和犀利，以致于那些或青涩或妖媚或单纯或冲动的女性，总是时时刻刻牵动着观众的爱美之心。

他的电影里有海明威笔下那个被称为“流动的盛宴”的巴黎。如果要从导演中选出一个最爱巴黎的，那么侯麦无疑高居榜首。

他旁伏的电影永远都离不开巴黎，他的人物永远要么是来自巴黎，要么是向往巴黎。

电影中的那些街道、咖啡馆、博物馆、公园、住宅……都在侯麦的电影里熠熠闪光，成了一个充满诗意的寓居之地。

他的电影里也有着如此不同种类的关于爱情的探讨和诠释。

侯麦似乎一直在谈论爱情，但他从来没有试图给爱情下定义，而是不停地通过一个个人物、一段段关系和一个个故事来试图找到通往爱情不同的路径。

“侯麦的人物不是在出轨，就是在走向出轨的途中”，他极少谈到完美的爱情或是完美的爱人，他总是在越过伦理的界限去展露爱情的不可能性或是黑暗面，以此来勾起观众的思索。

下面，就让我们走近侯麦。

亚瑟 · 佩恩在其执导的《夜行客》(1975) 中描绘了私家侦探吉恩 · 哈克曼的妻子苏珊 · 克拉克邀丈夫一同观看侯麦电影的一幕 ：

“我不想看，”扰旦哈克曼慢吞吞地回答。

“我看过一部侯麦的电影，感觉就像等待油漆变干那样漫长乏味。”

侯麦作为“法国新浪潮”中的一员，他的名声似乎远不如同期的戈达尔和特吕弗那样大，他的电影作品也没有前两者所具有的那种创新性和突破性，收获的评论也总是褒贬参半。

埃里克 · 侯麦原名莫里斯 · 舍热，他的笔名是根据默片导演埃里克 · 斯特劳亨的名字和小说家萨克斯 · 侯麦的姓氏组合而成。

光是从这个名字就可以看出，电影和文学对于侯麦来说有着同样重要的地位，这也是为什么他的影片具有极强文学性的原因。

在成为电影导演之前，侯麦曾从事过很长一段时间的文学创作。他曾发表过长篇小说《伊丽莎白》，包括三个系列（“六个道德故事”、“喜剧与箴言”、“四季故事”）在内的影片都是由侯麦先写成小说再拍成电影的。

上世纪50年代末，法国兴起了轰轰烈烈的“法国新浪潮”电影运动，以巴赞创办的杂志《电影手册》为基地，戈达尔、特吕弗、夏布洛尔、里维特等人成了影评家。

因此，在写小说之外，侯麦同时也为《艺术》、《当代》和《电影杂志》等专业刊物撰写文章，并且凭借以《茂堪的浮士德〉中的空间组织》一文获得博士学位。

不过，这群年轻人的目标是拍电影，侯麦也不例外。

在接下来的 50 年中，侯麦总共拍摄了 26 部故事片，其中很多部属于三大电影系列，即“六部道德故事”系列、 创作于 20 世纪 80 年代的“喜剧与箴言”系列以及跨越整个 90 年代的“四季故事”系列。

侯麦的最后一部电影《男神与女神的罗曼史》上映于2007 年，当时他已经87 岁高龄了。

以下是侯麦三个系列所包含的影片：

在获得极大成功的“六个道德故事”系列中，此时的人物性别定位还是男性，男性是人物关系网的中心，是独白的是所有者，在若干女性中流连徘徊，此时期为风格 探索 阶段。

到了后两个系列，侯麦的 情感 和重心明显开始转移到女性身上，女性成为人物关系网的中心。同时，独白被大量的旁白所取代，侯麦”对话电影“的风格渐趋成熟并达到顶峰。

1967年，侯麦凭借《女收藏家》获得了第17届柏林国际电影节的银熊奖，这是他成为重要导演的缓启扰开始。

从时间点可以看出，侯麦属于大器晚成的那一类。

早在8年前，特吕弗就用一部《四百击》拿下了当年的戛纳金棕榈，而1960年，戈达尔凭借极具实验性和创新性的《精疲力尽》获得了 柏林银熊奖 。

但侯麦并没有急于像自己的先锋同僚看齐，而是逐渐发展出自己独特的电影风格。

如果要选择一个场景作为侯麦的标志，那么一定是一群法国男女在一个屋子内或立或坐，你一言我一语地针对某一问题发表着各自的看法。

一不留神，我们就跟不上节奏，结果看了个昏昏欲睡。

这就像个“电影沙龙”，适合中产阶级或是知识分子躺在沙发上喝着饮料抽着烟发表意见。

如果说伍迪·艾伦的喋喋不休还夹杂着各种俚语和冷笑话，门外汉还能凑个热闹，那么侯麦长时间的对话片段极其容易失去观众的耐心，让人觉得漫长乏味。

这就是侯麦独特的 “对话电影” 。

他的影片基本上是以对话的形式作为影片的主要内容。

得益于侯麦小说家和影评家的背景，他总是试图使自己的作品具有一定的文学性和思辨性。

这种文学性和思辨性并不是排斥性的或是异常严肃的，而是从小人物平常的生活中挖掘出来的，隐藏在影片人物对话背后的是作者对生活和 社会 伦理的厚重思考。

侯麦的影片异常强调画面与对白的差别，他对话语，特别是对白作了如下的阐释：“画面制作出来并非为了意指，而是为了展示……为了意指，存在一种极好的工具，那就是对白。”

侯麦的电影都是自编自导，由小说改编而来，里面对于细节，尤其是人物的语言进行了深度的精雕细琢，那些看似随意的谈话，实则早已经规划好。

这就使得侯麦的电影有一种奇异的混合感，一方面场景和空间都是异常生活化的，另一方面人物的对话虽然口语化，但又处处是玄机，让观众必须有一定的知识储备和文化修养才能跟得上。

例如在大受好评的第一部长片《慕德家的一夜》中，三个主要人物就围绕帕斯卡尔对于宗教的态度进行了讨论。

令人感觉法国都是文化人，没有文盲的存在（哈哈）。

在《当代法国电影史》一书中，祝虹将当代法国电影史划分为“法国电影新浪潮与现代电影运动的酝酿和爆发”以及““红五月风暴’与激进电影运动”两个阶段。

祝虹将侯麦的《狮子 星座 》以及《面包店的女孩》《苏珊娜的故事》《女收藏家》等几部早期影片归为“现代心理剧”，处在法国主流电影之外。

在此之后，“六个道德故事”后期的创作以及“喜剧与箴言”前期的创作虽然也在电影发行中处于劣势，但逐渐丰富了视听的表达。

由此可以发见，侯麦的创作是一个逐渐进入主流电影的过程。

侯麦几乎没有大成本大规模的电影制作，创作大多属于小成本生活喜剧的范畴。

所以说，最大的成本，就是侯麦先生的脑细胞，而这些脑细胞，多死在“爱情”这个古老的话题上。

你可以在侯麦的电影中找到各种各样的爱情，当然大多数是负面事例，因此通常情况下，我们会把侯麦电影的主题总结为“道德”。

比如现代人之间对于 情感 的互相猜忌和不信任，如《飞行员的妻子》、《圆月映花都》等。

比如女性对于爱情的执著和大胆追求，如《好姻缘》、《双姝奇遇》、《绿光》等。

比如有了男女朋友还在外面找小三玩得不亦乐乎的，如《人约巴黎》等。

比如四十多岁的中年大叔对十几岁二十岁的小姑娘进行无耻追求的，如《克莱尔的膝盖》。

比如完美的“典雅爱情”，如侯麦的遗作《男神和女神的爱情故事》

其余各种狗血的、突破伦理常规的爱情，在侯麦的各种电影里随处可见。

他通过年轻人或是中年人神秘莫测的 情感 纠葛为题材，集中笔墨揭示了当代人的复杂的心理状态，以及面临的伦理困境。

片中那些复杂的三角关系，使得侯麦的镜头能够更加逼近个体的精神生活，不断突破伦理界限，考察着这些受过高等教育的现代人的话语和细微动作，从而达到深层的目的。

这些 情感 上的道德问题，在今天依旧拷问着现代人，例如不伦恋、约炮、开放性性关系等。总是，男女之间那些暗搓搓的关系，在侯麦的电影里得以呈现和阐释。

在看过他的电影之后，你会惊叹于一个人居然可以对爱情关系如此了如指掌，堪称“爱情宗师”。

不过即使是这些爱情题材，侯麦并没有依据好莱坞的传统模式，使用开端、高潮和结尾的套路，而是最大程度接近流水般的生活，以一种散文式的方式展现人物，讲述故事，即“石沉湖心，表面平静，内里早让人七上八下，泛起无限喜悦或叹息”。

他的人物大多为大学生、艺术家以及教师，或者是中产阶级，他们针对爱情、哲学、艺术、异性等发表着评论和自省，态度中不乏欺骗、炫耀和指责。

侯麦的“道德”不仅指剧中人物遵循一定的道德观念行事,更重要的是指剧中人物对自己行为动机的思考、分析,并且把自己的这种思考和分析用语言表达出来。

他们关心自己的内心感受,感兴趣于自己内心的思想和 情感 ,而且要将这些说给周围的人听,和他们讨论。

如此一来,语言便成了侯麦电影最有效的表意手段,这也使他的电影更多地触及到了人物的内心世界，人物对话的大量运用也使他的电影散发出浓郁的文学气息。

侯麦所营造的对话场景中包含着故事本身以及电影的主旨，对话并不是孤立于场景而存在，而是与场景共生，对话产生了电影的第四维，即精神维度。

叙事上，他最大程度避免了三段式的传统情节剧模式，而是直面生活中的偶然性和巧合，赋予电影以生活化。

侯麦的电影都根植于被大多数电影忽略的日常生活本身：火车上的阅读、与朋友聚会、与恋人游公园等……

侯麦如同电影界的巴尔扎克，构建了一部宏大的人间喜剧，它基于 社会 牢不可破的根基，旨在 探索 与人类 历史 一样古老的经验与冲突。

巴尔扎克创作小说，侯麦编写剧本——这些有关生命的小寓言虽篇幅有限，却暗含更深远的愿景。

值得一提的是，侯麦电影中的空间是将绘画空间和建筑空间转换而来的，这使得其电影呈现出一种绘画般的面貌，同时又不乏真实感。

侯麦对于空间的真实有一种物恋般的痴迷。

《狮子 星座 》中,塞纳河两岸的巴黎风光以及街道；《午后之爱》弗雷德里克到了下午会在大街上游荡；《冬天的故事》里的理发店以及《好姻缘》中的办公室场景……

度假地是侯麦的故事最常发生的场所,《女收藏家》、《克莱尔的膝盖》、《沙滩上的宝琳》、《绿光》《夏天的故事》、《双姝奇遇》……

这些场景是欲望的铺展之地，人物的关系与欲望在此交织缠绕，最终抵达侯麦关于“道德”的深层讨论。里面每一个咖啡馆、每一个空间线路、每一个时间变化都经过了真实的考察，竭力做到最完美。

关于这一点，侯麦说：“我希望观众被打动，但也许他们根本就没注意到这些。”

而这种真实性，是与巴赞所提倡的“心理的现实主义”相接近的。

侯麦的电影，就像是一款关于巴黎的香水，暧昧又迷人。

他营造了属于自己的“侯麦空间”，里面的色彩、人物、环境、生活，每一处都是如此细致和真实，仿佛触手可及。

去看一部侯麦电影吧，为了那些色彩，为了那些美人，为了侯麦。

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4. 如何评价《青春电影手册》这本书

备受期待的电影《灌篮高手》终于在4月20日零点上映了，作为一部备受宠爱的青春电影，它的上映引起了无数影迷的热烈关注。19日晚，很多杭州八零九零后赶到电影院去看首映，为自己的青春补票，各地影城大厅一片红色海洋。但是，这部备受期待的电影是否真的拍出了我们期望中的样子呢？
电影《灌篮高手》是一部改编自日本漫画家井上雄彦所著的同名漫画。这部经典的漫画作品始于1990年，至今已有30多年的历程，堪称青少年时代的经典之作。随着井上雄彦所著漫画比日本的励志故事还出名了，这部经典的篮球题材作品被改编成动画、电视剧等多个版本。
而这次，它又被改编成了电影。然而，在这个版本的电影中，虽然依然围绕黑川中学篮球队的故事展开，但是整体风格有了不小的变化。电影将聚焦于主角桜木花道的成长历程，并增加了许多新要素。信李扮故事中，桜木花道将挑战华丽彩绘、超大型翻译板等场景。但，更多的打斗镜头以及对于原著情感等元素的改变，确实让许多观众感到有些心里不舒服。
然而，不可否认的是，作为一部青春向的电影，这部改编自经典漫画《灌篮高手》的电影版仍然有着自己的吸引力。黄渤凭借自己执导和演出的功力，塑造了黑川中学刻苦训练、奋发向前的场景，把青春的主旋律贯穿整部电影。尤其是在那个“我是一个好人”的场面里，不少观众望眼欲穿，自内心深处感到了强烈的共鸣，纷纷表示这是这部电影中最感人的场景。
对于我个人来说，《灌篮高手》是我童年最喜欢的动漫之一，对于电影的期待自然也不少。然而，看完电影之后，我也有自己的感受。在我看来，这部电影确实没有完全还原原著的感觉。但是，电影滑灶中所叙述的成长历程，以及那些属于每个篮球爱好者的场景，还是勾起了我内心深处的回忆和感触。那些青涩的篮球技巧、成长历程中的挫折和坚持不懈的精神，让我重新理解了什么是青春的意义。
青扰拍春是什么？在我的理解中，青春就是一段充满追逐梦想的旅程。无论是桜木花道的篮球梦，还是每个小孩心中的梦想，都需要我们去追求和实现。就像电影中所描绘的那样，不论身处怎样的局面，只要肯学会挑战、学会进步，就一定会成功。这便是青春的美妙之处，它需要我们去拼搏、去追求，去实现自己的梦想。
总而言之，这部备受期待的电影《灌篮高手》在保留原著基础上加以改编，虽然没有完全拍出我们的预期，但其独特的风格和新的元素，仍然吸引了众多观众的目光。对于每个爱好篮球、热爱青春的人来说，这部电影将勾起你内心深处的回忆和感触，让你重新理解什么是青春、什么是追逐梦想的美妙之处。

5. 电影手册是哪个国家著名的电影刊物

法国，1950年，电影理论家与影评家安德烈-巴赞(1918—1958)创办《电影手册》。

6. 电影手册的介绍

《电影手册》的年轻批评家们提出的最具影响力并于日后获得普遍共识的电影观念，就是“作者论”。后来电影工业中普遍沿用的导演中心制，可以说就是它的一个遗产。“作者论”认为，一个导演对于一部影片占有的分量，应该与一个作家对自己小说占有的分量一样多。而作家的文风同样可以在电影中置换成“个人影像风格”或“视听语言方式”。我们在新浪潮的创作中可以看到那么多风格迥异之作，联系这一点看，就显然不足为怪了。来自《电影手册》的三位导演，直接决定了六十年代以来法国电影的图景，他们是弗朗索瓦-特吕弗、克洛德-夏布罗尔和让—吕克-戈达尔。在这些重要的电影作者的影响下，该杂志直到今天仍保持着促进创作实践，关注电影本体的办刊风格。

7. 电影小五体现了新浪潮时期什么的特点

新浪潮电影运动是继欧洲先锋主义、意大利新现实主义以后的第三次具有世界影响的电影运动，始于20世纪50年代，它没有完整的艺术纲领、统一的宣言、固定的组织，但却是对传统的电影美学思想和电影表现手法的颠覆和创新。掀起“新浪潮”的主要电影人是团结在《电影手册》主编巴赞周围的一批青年电影评论家，他们深受存在主义哲学思潮影响，提出“主观的现实主义”口号，反对过去影片中的“僵化状态”，强调拍摄具导演“个人风格”的影贺拍片，又被称为“电影手册派”或“作者电影”。

首先，并竖新浪潮电影导演主张一切回归电影，这在某种程度上表现为对于古典叙事的突破。为了打破观众对于古典电影认同情绪，使电影叙事不再与古典发生必然关联，新浪潮导演擅于用无逻辑的、偶发的事件组合代替和打乱情节结构，乃至开放性的故事结局，这种叙事结构的变革是与电影作者的存在主义观相一致的，即传统艺术的理性结构已经不能反映混乱荒和非理性的现实世界，而需要探求一种新的艺术表达形式。

8. 《电影手册》2021年十佳片单公布了，都有哪些影片上榜了

《电影手册》2021年十佳片单中包括了：《第一头牛》、《安妮特》、《记忆》、《驾驶我的车》、《法兰西》、《法兰西派》、《南法撩妹记》、《女孩和蜘蛛》、《算牌人》、《圣母》。这些影片负责执导的导演有来自日本、泰国、法国、美国等国家的，作品的题材和类型都不尽相同，通过《电影手册》这本杂志，我们能挖掘很多国际上颇具水平的好作品。

每每临近年末之际，各大电影媒体都会就一年内上映的电影选择出自己的最佳榜单，《电影手册》是一本来自法国的电影杂志，国内知道这本杂志的人甚少，但是这本杂志有一定的参考价值，如果你喜欢看国际大片，就可以看看这本杂志评选出来的优秀电影。

《电影手册》中能够上榜的作品每一部都很精彩，推荐给大家去观看。

9. 电影手册的栏目介绍

《电影手册》常设的栏目主要有“作者研究”、“影片分析”、“导演访谈”，以及对许多不同的民族国家电影所做的深度报道。“作者研究”是该杂志以每期一个重点人物的形式推出的，这些人物不但有电影史中已成经典的大师，比如费里尼、伯格曼、帕索里尼等人，也有为新近去世的大师推出的纪念专辑，比如库布里克和布莱松专题，同时还有对正在创作的电影导演进行的专题性回顾，比如阿莫多瓦专题，或是北野武专题。进入这个栏目的作者既有以拍摄艺术片而确立自己地位的电影家，也有在好莱坞商业电影领域中独领风骚的电影导演，比如吴宇森。 “导演访谈”是对正在拍摄新片的重要导演作现场采访。在其中我们经常可以看到马丁-斯柯塞斯、伍迪-艾伦、阿兰-帕克、王家卫等人的面孔，而他们的肖像也会经常出现在该期杂志的封面上。
1999年12月，《电影手册》杂志现任主编夏尔-戴松来到北京，带来了与这本杂志的发展历史密切相关的几部电影作品，在北京电影学院进行了名为“《电影手册》杂志周”的专题放映，引起很大反响。而此前在3月，他们还在上海调查中国电影状况，并将成果发表在《电影手册》题为“中国国产”的专辑上。他们对中国新生代导演的创作也表现出极大的兴趣，同时对港台电影也多有介绍。