变焦电影哪里看

① 你好！可以发电影变焦的百度云给我吗

这个ok的，

② 怎么看单反相机变焦倍数

单反相机镜头的变焦倍数，就是镜头的长焦端的焦距数除以广角端的焦距数。例如18MM---135MM的镜头，就是135除以18，就是7.5倍变焦镜头。镜头的变焦倍数越大，适用的拍摄范围约广，但是，变焦倍数约大的镜头，往往成像质量也有所下降。

③ 什么是电影变焦举例分析

画面中一前一后有2个人在对话（或一人在沉思）当其中一人说话时（此时画面不移动），那么焦点是对准他的（其他，另一人等景物是虚的）当换另一人说话或要突出他时，不需要移动画面，只要把焦距对准他就突显出来了．
还有一种我们常见的～一个人在海边奔跑，背景是好大的一轮红日～好象人在太阳里奔跑，这也是通过长焦距变焦来完成的．
有很多‘‘‘要细心的观察．．．

④ 电影《变焦》观后感

创意不错，口味微重~该片女主角画的漫画男主角导演在拍一部关于模特的电影，而片中这个模特正在写一部关于女主角的小说，三个主人公的创作和思维影响着下一个人物的命运~~中规中矩的一部电影，没有太大的惊喜和失望，打发打发时间还可以…

⑤ 怎么看镜头的变焦距离

单反镜头的成像要求更高 内部结构更复杂 设计制造时更多考虑的是成像要求 而不是焦段倍数（整数倍数） 由于镜头针对性强 细分定焦 广角变焦 标变 远望长焦等等 成整倍数的变焦对相对专业要求的用户来说用处不大

小DC受市场定位 制造成本及一般家庭消费用户的使用习惯考虑 常见用整倍数的变焦来表示焦段 实际上用处不大 比如24MM广角5倍变焦的镜头长焦端是120mm 而38mm广角3倍光变的镜头长焦端114mm也将近120mm了 所以仅仅看光变倍数并无实际意义。

所谓视角，是指通过镜头可以看到的视觉范围。广视角指的是可视视域广，窄视角指的是可视视域窄。

看上图，在左边图像中镜头和CCD的距离近，而右边图像中的镜头和CCD的距离远。镜头和CCD的距离越近，则所含画面越宽；反之距离越远，则所含画面越窄。

⑥ 如何在镜头运用上如何让片子有可看性

镜头分析要点：一 趣味中心
画面中的趣味中心，也就是吸引观众目光之处。吸引观众眼球很多，但是在电影摄影中，对比度最强的区域一般来说是最可以吸引观众注意的。恰如一片黑暗当中的一点亮光，那么无论这个亮光出于场景的哪个点上，都是被观众的眼睛瞬间抓到。影片中的内在趣味中心也很重要，比如我们在看电影的时候，经常会注意到某某坏人在背后偷偷的拿出了一把枪，那么只要这把枪不是虚焦的状态，无论这把枪在画面中的位置和所占比例多大，都会被人们一眼发现。除此以外，黄金比例分割，引导线都是设定趣味中心需要注意的内容。

二 灯光风格和色彩风格：
首先灯光，是低调，高调，还是高反差风格？要说这个灯光可是相当的重要，拍电影花费的时间大部分都耗费在调整每个镜头复杂的灯光上了。
一般来说灯光风格和电影主题气氛等有很大的关系。比如喜剧片，灯光就比较明亮，很少阴影布局，常用高调风格。如果喜剧中压暗灯光的话，那么这个喜剧便一般会有些反讽的以为在里面。悬疑片和惊悚片都趋于低调风格，很多阴影都采用透射式。悲剧和好莱坞大片就一般喜欢用高反差的风格。
再次，关于色彩。每部彩色片都有一个确定的基本色调。色彩对影片象征性极强，一般来说，有名的彩色电影都有着表现主义的味道。一般而论，冷色调代表着平静、疏远、安宁；暖色调代表着侵略、暴力、刺激。具体说来，红色一般与激情和性有关，比如《美国丽人》；低调的灯光和暗色调一般表现压抑悬疑和一种宿命感，比如《教父》；褪色的暗黄色调表现的是保守，比如《纯真年代》等等。值得注意的是，彩色片中的忽然出现的黑白片段都是象征意义最强最明显的部分。一般用来表现法西斯时代的电影，都是用黑白片表现的。比如《美丽人生》剧中后来忽然泛白的色调，就是象征着地狱般生活的开始。当然，有些电影，比如《辛德勒的名单》就干脆用黑白来拍。

三 镜头距离和镜头种类
包括：
大远景 一般永远展现场景的所在。如果人出现在远景中，那么只有斑点般大小，这种镜头在史诗作品中经常出现，西部片中也常有。最近
《非诚勿扰》的吕乐的几个北海道的大远景就非常的漂亮。
远景 就是比大远景稍微小一点。
中景 就是能囊括两三个人的镜头，中景是喜剧片的主流。
特写 就是特写。
深焦镜头 用广角镜头拍的。我们经常看电影会觉得很多镜头是只有一块儿地方清楚，后面的背景全部是模糊的。那玩意儿叫浅焦镜头，就是焦点很浅。深焦镜头就是从前到后全部都清楚的。深焦和浅焦哪个好，在电影史上，一开始争论极大。我们一般儿拍照片，拍人像，都觉得浅焦镜头比较漂亮，因为可以虚化杂乱的背景，突出漂亮的人物。电影中也是一样，哪块儿清楚，哪块儿模糊，都是说了算。而依靠的方法就是变焦。变焦可以给简单的剧情寓意化的效果。但是一代电影大师安德烈巴赞觉得这种镜头不好，巴赞觉得这种镜头把本身非常复杂的事件含义单一化也简单化了。所以巴赞觉得深焦镜头比较好。《公民凯恩》就是一个运用深焦镜头非常完美的典范。PS:深焦镜头也叫纵深镜头。
关于镜头距离，卓别林有一句名言：“喜剧用远景，悲剧用特写”。举个例子，当他表现远方一个人物的荒谬处境的时候，我们会大笑；但是当他忽然切进特写凸显情绪的时候，我们会发现好玩的地方不再可笑，我们开始同情这个人。
而且，镜头的距离影响到我们对于影片的参与程度。当很远的时候，无论这个是好人还是坏人，我们都无动于衷。但是当拉近特写的时候，好人会让我们投入的同情；坏人会让我们由衷的讨厌。

四 镜头角度和人物所处位置
镜头角度一般包括鸟瞰角度，俯角，水平角度，仰角，倾斜角度等。
鸟瞰的作用是从正上方直接往下拍，让观众有一种天神参观凡间的感觉，有一种全局性的统罩感。
俯角拍摄，拍摄下的主题会显得比较的无助和弱小。现在很多非主流的照片拍摄都喜欢采用俯角拍摄，然后很NC的90后少女瞪大了眼睛，扭足了嘴巴看着镜头，显得非常的娇小可人。
水平角度 等同于我们人眼观察世界的角度，显示一种对等。
仰角 可以让人物或者景物显得更加崇高，增加主题的重要性。因为他会增加被摄物的高度，有垂直效果。可以让个子比较矮的演员显得更高。
黄飞鸿系列电影中，李连杰很多都是仰角拍摄的，所以李连杰本身个子不高，但是里面也显得非常英气逼人。
倾斜镜头 有时候作为主观镜头出现，或者在表示混乱的时候，倾斜这种不对称的构图方法，可以增加画面的动感。我们拍照片的时候，如果被摄的人物站的非常笔直则显得呆板，而如果稍微歪头，或者倾斜一下身体，则显得有动感和自然，就是这个道理。
演员在画面中的位置表现着人物之间的关系。一般来说画面景框的中央是人们一般注意的焦点，写实主义的影片喜欢把演员安置在景框中央。但是表现主义影片在这其中则多变的多，景框的中央，上，下，边缘，都有着不同的隐喻和象征意义。
一般来说，景框的上方，代表着权威和控制。而下方则表示脆弱服从和无力。因为从心理学上说，同样的东西，放在景框的上方和下方，上方总是显得重一点，有一种重压感。所以在一些鸟瞰镜头中，天和地的划分特别能够显示气氛。如果空荡荡的天空占据了画面的大半，则显得辽阔平静；而如果土地占据了大半，天空显得非常的拥挤，那么就会显得很压抑。
同样，被挤压在景框边缘的人或者事物，都会失去画面的主控性，显得被动和无力。放在景框中间的一般都是具有主控权的事物。据个例子，如果，一个妻子不堪忍受丈夫的虐待，则一定会依靠在景框的边缘，而景框中间的丈夫张牙舞爪。
但是，这些也不是绝对的，艺术理论家们认为谁在画面中取得主控地位是决定于事物本质上的重量。这个重量包括色调和面积。面积越大，色调越深，则本质上的重量越大。

五 景框
紧的取镜
景框空间的大小可以象征不同的意义。一般来收，镜头的限制性越强，就是镜头越小，对人物的约束力就越强。比如，人物如果充满了整个画面，显得非常拥挤，则暗示着一种囚牢性的存在。就像人生活在狭小的房间里会浑身不自在一样。很多的监狱题材都是采用了紧的取镜的方法。希区柯克的很多电影，镜头对着狭小的窗户，不仅给人观众窥视的心理暗示，同时也是一种变相的紧的取镜的方法。
松的取镜 则与之相反。强调一种宽松的环境，象征着自由。

⑦ 哪个电影里有快速变焦镜头！！

你指的是镜头快速聚焦远方然后再拉回来吗 很多电影里都有啊 比如动作片经常会有 狙击远处的敌人的时候 会快速变焦然后拉回来

⑧ 为什么专业的影片基本没有变焦过程而我们看到的变焦过程是后期制作的

视频？为了平稳，没有看到专业的都有轨道车的吗，要是视频老晃来晃去的，看的人会很晕的。变焦也有但是少，剪辑运用蒙太奇的手法多吧，毕竟我不是学习电影的。

⑨ 给我推荐个镜头吧（预算10w左右）：电动对焦 全画幅变焦 电影镜头（焦段最好约在20-110）感谢

一开始我刚开始拍电影的时候，我是恨不得瞒着全世界的人的，我那时候很穷又没有任何装备——因大部分电影人的装备及软件都是很昂贵的，而我只有对着电影制作的热情，在这种情况下我还是拍了一部片子，下面我就和大家来分享我当时是如何做的。（为此鼓励所有有志向的年轻人）
首先 我自己有几个原则，其中一个就是不要为了买装备而陷入负债中，我只买我买得起的装备（看似简单的理论，很多人都是在负债买装备），当我刚刚踏入摄影圈的时候其实特别想做一个短片，然而没钱计划随之流产。后来随着时间，我学会了如何用有限的装备去完成任务，创造力和好点子更重要，而不是装备。当然了，我也很愿意用又贵又好的机器，也充分理解为什么它们那么贵，但过去是完全不敢想象的。之后几年我买的第一部摄影机为我开展了我的职业生涯，一部佳能7D，我就是用它拍摄我的最初的影片，但正所谓无论什么装备，创作者都想让自己的影片看起来好。
我当然知道这部相机除了不错的视频质量和动态范围也有他的有限之处，我知道要拍出一个技术上好的视频需要的工具，但在那时，我只有一个人并且也不够有耐心和世界分享，最终我决定我要制作一个自己做主角的短片，还有什么比做一顿饭更贴近生活呢？
我当时的道具只有一个能看的过去的刀，做饭需要的食材，一个打光灯，一个桌面灯，一个摄影脚架，Adobe PS CS6，加上我的佳能7D，最重要的是，我超赞的厨艺，构成了我所需的一切
1，为什么选这些器材
在我开始买器材之前，我想先确认我现有的设备可以做什么，然后再买器材，如果可以的话我更愿意先试用一下，然后注意到底会有什么样的问题，我是那种会有些吹毛求疵的人，并不是器材名气大我就喜欢，当你对一台不是那么完美的器材有一手的经验时，反而更能告诉自己你到底需要的是什么，那么在下一次购买时你就更了解了。
之前的我对于拍摄可没有任何经验，但我知道实际操作背后的所有理论，现在不同了，我已经在电影制作领域浸淫了很多年，是时候为我最初有的卓越想法付诸实践了。
2，镜头动作
只有我一个人制作视频意味着只要我还站在镜头前做饭就无法移动摄像头，除非我有一个可操控的滑杆或者类似的工具，我其实在开始和结尾都有尝试，用当时的那个支架我已经是尽了最大的努力了。
镜头有呼吸效应，但结果很出意料居然效果很好，因为看起来即像在聚焦，同时又在放大，你可以在视频的最后看到（1；58）

⑩ 有没有几部电影特别多推拉镜头的，或者是变焦镜头，我需要典型的那种！

希区柯克的电影有很多是你需要的这种风格。