电影拍摄中哪个环节最慢

❶ 电影拍摄中哪一个环节是最慢的

电影拍摄中布光环节是最慢的。

单用自然光的摄影系1灯叫照明，2灯以上组配时，使主光线和辅助光有效地配合应用，叫做布光。主光，又称"塑形光"指用以显示景物、表现质感、塑造形像的主要照明光。辅光，又称"补光"用以提高由主光产生的阴影部亮度，揭示阴影部细节，减小影像反差。

修饰光，又称"装饰光"指对被摄景物的局部添加的强化塑形光线，如发光、眼神光、工艺首饰的耀斑光等。轮廓光，指勾画被摄体轮廓的光线，逆光、念游侧逆光通常都用作轮廓光。背景局枯光，灯光位于被摄者后方朝背景照射的光线，用以突出主体或美化画面。模拟光，又称"效果光"用以模拟某种现场光线效果而添加的辅助光。

电影拍摄手法

麦格芬手法是一种电影的表现形式，它表示某人或物并不存在，但它却是故事发展的重要线索，是希区柯克最常用的一种电影表现手法。比如《房客》中的复仇者、《蝴蝶梦》中的丽贝卡、《迷魂记》中的玛德仔腊销琳。有时又利用虚化的事件，比如《后窗》中的推销员谋杀案。

蒙太奇（法语：Montage）是音译的外来语，原为建筑学术语，意为构成、装配。经常用于三种艺术领域，可解释为有意涵的时空人为地拼贴剪辑手法。最早被延伸到电影艺术中，后来逐渐在视觉艺术等衍生领域被广为运用，包括室内设计和艺术涂料领域。

❷ 拍一部电影要多久聊聊港片的快与王家卫的慢

电 影是涵盖艺术种类最多的作品。

其制作，常常耗费庞大的人力物力。

拍一部电影需要多长时间呢？

好莱坞六大制片厂，一部电影从进入前期制作到上映，平均要花871天。

其中，喜剧片制作周期最短，科幻片制作时间最长。

这是大数据。

单论拍摄时间， 耗时最短的电影是： 《俄罗斯方舟》 。

拍摄耗时只有一个通宵，拍摄时长与电影时长完全重合的影片。

同时，《俄罗斯方舟》也是一部典型的长镜头实验作品。

拍摄耗时最长的电影是： 《紧闭双眼》 。

又名《大开眼戒》。

汤姆·克鲁斯和妮可·基德曼主演。

导演斯坦利·库布里克， 前后一共拍了近79周，其中不间断连续拍摄的有46周。

片中基德曼的“奉献演出”，给无数少年带来了无穷的“乐趣”

少年总会被荷尔蒙蒙住双眼。

当他们留意到电影中内核时。

十有八九，头秃肚圆。

正如电影对立矛盾的两个中文片名： 《紧闭双眼》和《大开眼戒》 。

是紧守底线，还是恣意放纵？

肉*体的尺度，再大也是小儿科，影片的真正叛逆，是以绝不回避的态度，戳中婚姻的软肋。

拍摄时间跨度最大的。

《7 up》，拍摄横跨50年。涵盖一个人的一生。

宿命与阶级的鸿沟，犹如实物一般摆在我们眼前。

冰冷的内核，悲怆得令人喘不过气。

制作时间长的，

詹姆斯·卡梅隆1995年开始写《阿凡达》剧本，到2009年12月上映。

横跨了十四年。

短的，

《电锯惊魂1》影片筹拍只用了5天，拍摄仅花费了18天。

《电锯惊魂2》拍摄只花了23天。

论制作时间短，怎么少的了东方的电影奇迹——   香港电影  。

制作之高效，匪夷所思。

两三个星期一部电影，是行业的常态。

从王晶拿到《整蛊专家》标题，到电影拍摄完成，只用了五周。

该片1991年在春节档上映，排在票房榜第五名。

由李连杰主演的《倚天屠龙记之魔教教主》是最经典的武侠港片之一。

拍摄只用了一周。

如此短的时间，往往编剧和拍摄同步前行，剧情设定天马行空。

战斗力，这种类似于《龙珠》的设定，让我懵了很久。

《食神》获得近五千万的票房，排在年度票房榜第二名。这部电影只花了两个星期。

《古惑仔2之猛龙过江》用了11天。

恶搞喜剧片的经典之作《东成西就》是利用《东邪西毒》拍摄间隙，抽空完成的经典。

总共花了23天。

银河杜琪峰执导的《枪火》，没有剧本，全是现场现编。

一众老司机捣鼓出这部精品，花了19天。

桥段立意抓来就用，思想内核，信手拈来。吴镇宇凭此片获得金马奖影帝。

被称为港片最成功喜剧片之一的《家有喜事》，拍摄时间只有13天。

问题来了，

凭什么《东邪西毒》的间隙，就能拍出《东成西就》这部喜剧经典？

因为导演是王家卫——拖延的集大成者。

王家卫导演拍电影，也是没剧本。

但有所不同，王家卫导演的剧本是他自己操刀。

王导本人就是编辑出身。刚入行就以拖稿闻名。

只是没想到，王导连自己的剧本都要拖。

拖到什么程度？

一直拖到现场演员就位，开拍时。

所以，陕西沙漠中的林青霞们，断断续续耗了两年。

大漠孤烟，风餐露宿。

张国荣在阿根廷天天逛街。自己的演唱会都快鸽了，都没拍完。

演员们自己都不知道自己要拍什么。

赵本山大爷，每天就煮汤和喝汤。

宋慧乔在拍摄《一代宗师》时，被曝天天打羽毛球。

一个月开工不到两天，王家卫每天在酒店来回沉思踱步。

恩，这应该是王编剧正在赶王导演的稿。

剧本是修改次数最多的文学作品，需要考量的东西太多：逻辑性，拍摄难度，演员戏份，制作方要求……

每一场戏，都要修改和推敲。

王编剧的剧本肯定也不意外。

这就解释了梁朝伟，刘嘉玲们经常的疑惑：

为什么一场简单的戏，一定要来几十遍？一个镜头NG几十次，也不说哪里不对。

这种情况，十有八九，是墨镜后面的王导正在飞速地修改剧本。

虽然他面无表情，故作高深。但我猜他内心肯定慌得一批。

未知的煎熬，最让人胆寒。

“《2046》已经拍了五年，把我从单身汉拍成了两个孩子的爹。王导，这部戏叫《2046》，难道真要拍到2046年吗？”

——木村拓哉

木村拓哉为了片中七分钟的镜头，他用了五年时间。

所以，演员们也要纷纷出逃。

受不了啦。

但王家卫导演的作品，质量有目共睹，最新的《一代宗师》也是各种扫榜。

所有顶级导演，对作品的打磨都近乎偏执。

卡梅隆将《阿塔丽：战斗天使》剧本交给罗伯特·罗德里格兹时，同时的还有近千页的剧本拍摄心得。

姜文《阳光灿烂的日子》总共拍摄了25万尺胶片，米兰的照片用了4本胶片来抓拍。

这种气死投资人的偏执和认真，

是不是天才们所共有的性格“缺陷”？

完。

[花木兰]还未公映，已被恶意刷至1.9分

  神秘动画烂片《雷锋的故事》为什么会出现在央视？

  标题党鼻祖——港媒的标题赏析与学习笔记

  孙杨听证会失误败笔大盘点

❸ 怎样把握电影节奏

要想弄清楚这个问题，就首先要理解“节奏”这两个字的含义。这个词语我们每天都在接触，音乐，我们的话语，敲打声，机器的转动，电影，电视，建筑，它无处不在，参杂在很多事物的中间。但我们又很难用确凿的文字来解释这个名词，因为它是存在于我们每个人内心的一种内在感受，人与人之间是有差别的，所以这种感觉也是不同的。就是一百个人去听同一首曲子，他们都会说这首歌的节奏不错，可这个“节奏”在每个人身上却有不同的感触。
节奏是一种运动模式，是运动的周期性特征，他有动作的连贯性重复性。（摘自课本）可以看出，节奏是一种有明显时间性质的东西，节奏也是一种很玄的东西，我们都能感受得到，但只是意会，不能言传。
节奏在影视艺术中同样也是这个样子，正因为有了它的存在，电影中画面连贯性才显得更加自然，它就像一个个大头针一样。也正因为有了它的存在，影视剧也更加变得玄了起来。
在影视艺术中，人物的动作，镜头的运动等等都是节奏形成的要素，而影视艺术相对于音乐而言，节奏已体现的不是那么明显了，完全是观众的一种感受。
要把握影片的节奏，首先要理解影视剧作品中节奏的行程要素。
社会发展到今天，电影由无声进入到有声时代，电影艺术更明显地衍变成一种视听的艺术，故电影中的节奏主要是：1.画面的节奏，2.声音的节奏。
影响画面的节奏包括：1.摄影机的运动，2.剪辑节奏，3.拍摄对象的运动；声音的节奏包括：1.语言2.音乐3.音响。
以上画面和声音的节奏在课本中已写的很是详尽，这里就不再多写，主要研究的问题是如何把握节奏，重点是“如何把握”而不是“节奏”。把握节奏，就是要使节奏符合观众的口味。观众在看电影的时候（只谈节奏），会产生一种莫名的节奏感，所谓“节奏感”是指在“节奏”这一客体地作用下，大脑皮层产生兴奋，从而引起一系列的心理活动，而后通过神经中枢协调统一支配生理机能——即人的肢体和器官，准确的完成符合节奏律动地肌肉或肢体动作技巧地能力。（摘自网络）
而节奏，在前面已提过，是一种有规律的，连续进行地完整运动形式，用反复、对应等形式把各种变化因素加以组织，构成前后连贯的，有序的整体，是抒情性作品地地重要因素。因此，要让观众产生一定的节奏感，才能引起观众的共鸣，在这一过程中，又回归到了主体——节奏，把握好节奏，就是把握住了观众的心理。
下面就到了本文的重点——怎样把握影片的节奏呢？
影视剧是一个声音和画面结合的产物，所以在以下评述中，也都是将声音与画面结合起来述说的。
一部影视作品中，在全片中的节奏是不一致的，需有张有弛。影片故事一般分为开端、发展、高潮和结局，在这个过程中节奏的大致方向是由慢到快，在回落的过程，就像一个山峰一样。而在一些小的段落里面也是如此。在李安导演的《卧虎藏龙》里面的第一场打戏，章子怡和杨紫琼打斗，章子怡去偷剑，被人发现后，仆人开始大喊，捉贼，此时无源声音鼓声开始进入，随着打斗画面及动作的快慢，鼓声也随之变化，这时鼓声就像是人的心跳一样，自己已于画面，声音融为一体了，打斗结束，鼓声也随之消失，让我们紧张的心情平静了下来。这一段戏中，声音与画面结合的天衣无缝，若没有了声音，观众身临其境地感觉绝对严重缺失，就像吃菜没有味道一样，若要没有了画面呢？那就更不用说了。所以声音和画面是互相互补存在的，共同控制着影片的的节奏，该缓则缓，该疾则疾。当然创作者必须考虑到观众的感受，若一个影片从一开始节奏就特别快，一直到最后，那观众看起来就会很累，精神处于高度紧张的状态；若要太慢，那估计全场地人都要睡觉了。重要的就是要有张有弛，有地放失。这一点上，做的最完美的当属《幻想曲2000》，该片是由迪斯尼影业拍摄的，于2000上映，《幻想曲》其实早已在1940年就诞生了，《幻想曲》已成为迪斯尼动画库中最具有历史和纪念价值的资产。改头换面地《幻想曲2000》仍源用沃尔特叔叔将动画与古典音乐结合的思想。全片的主要部分都是动画，只有在一段音乐与另一段转换时才会出现人。这部影片中包含8首古典音乐：1.第五交响曲，2.罗马之松，3.蓝色狂想曲，4.第二号钢琴协奏曲快版，5.动物狂欢节，6.魔法师的学徒（该版本在1940幻想曲就有），7.威风凛凛进行曲，8.火鸟组合。利用动画来展现音乐地意境，使影片的创意和构思更加天马行空，更具观赏性。节奏配合音乐，画面也配合着音乐，让我们的心随之舞动，确实是一场视听的盛宴。由于本片再创作时，音乐是现成地，创作者所做的就是如何在其中添加画面。音乐占得了主要位置，音乐的节奏明显在控制着画面，所以《幻想曲2000》在节奏上使无人能敌的，画面和音乐配合得配合地如此的恰到好处。高音时，画面具有冲击力，低音时，画面平静，节奏感油然而生，剩下的就是享受了。
音乐固然在影片的节奏中起了重大的作用，但我们不能抛弃最原始的因素——剧本。一个影片的故事情节是全片的之架，若故事情节的安排不妥当，再好的音乐来进行渲染，再棒的剪辑手法，也都于事无补。由彭氏兄弟执导，在07年拍摄，郭富城主演的《C+侦探》，就是这样的一片子。整体上看，它是一部悬念破案的影片，但影片整体节奏太慢，剧情的设置也太过牵强。可其中也有一些段落可圈可点。有一段戏中，郭富城跟踪一个女人，女人进入一个房间，郭富城贴在门口偷听，突然被那个女子拉进屋里，郭富城被这个女的按在墙上，互相对视，此时只有房间内钟表滴滴答答地声音，然后画面随着钟表的声音的节奏，变换镜头，不规则的镜头组接，卡镜头法都很好体现了当时两人地心理状态，也抓住了观众的心理。十分得精彩。但就全片来说，他的节奏把握不准，不够悬念化。
总体来说，节奏是一个很难捉摸的东西，是一个人的内心感受，有可能听一首歌，看一部电影，你觉得节奏不错，其他人厌恶的透顶。想把握好他不是件容易的事。因为人本身就是一个具有思想的东西，是一个复杂的有机体。创作者唯有根据自己的经验和感觉，来进行画面的剪辑和声音的添加。
电影制作得最后一道工序就是声画合成，也是一项集其大成的创作工作，总的来说，这里不应是声音跟画面，也不是画面跟声音，而是画面与声音合起来把“戏”表现出来，共同将影片的节奏传送给观众。可见声音和画面，缺一不可。在把握节奏时，也不能只考虑到一个方面，而要全都兼顾到，更要兼顾观众地感觉。从整体上看，把握节奏，更应当从剧情，等方面着手。
总体上，对于影片节奏的把握认识也就这么多。我想用书中的一句话作为作为本篇文章的结语——艺术之所以为艺术的，是他的节奏地感性特征，即对节奏的把握和体验是一种完全感性的东西，而不是某种机械化的，僵死的事物。

❹ 电影中的慢镜头是什么意思

这是由拍摄速度决定的。电视（电影也一样）的正常拍摄速度是每秒钟拍摄24张，放映时，也是每秒钟24张。可是，慢镜头在拍摄时，每秒钟要拍240张，而放映时，仍是每秒24张。这样，就会出现慢动作的镜头了。

❺ 一部电影按照正常的时间，需要多长时间才能拍摄完成

现在的电影大多是商业片图快，院线一般一到两个月拍摄，多一点的三个多月，多达半年的很少

❻ 谁能告诉我电影中的慢动作用于哪些场景各有哪些意味

“电影是每秒钟24画格的真理。[1]”而当电影的拍摄速度超过了24画格/秒时，我们便称之为升格拍摄，升格拍摄的画面到了银幕上以正常速度放映，自然也就造成了电影时空上的延展放大，这便是我们口中常说的慢镜头。相比于国外的电影来，香港电影对慢镜头的使用显然更加频繁，更加细碎，也更少限制和顾忌，下面便对之做一个小小的概括，看看香港电影人是如何灵活多变地运用这一拍摄手段的！ 一.“暴力美学”与慢镜头： 早期的香港动作片中，慢镜头用得并不是很多。一般是两个人进行对打，打到关键时刻正面人物施出绝招，一个飞腿或一记重拳打得反派跌倒在地，这时为了突出正面人物的神勇，而故意对动作场面进行时间上的夸大处理，音效上再配以人物的叫喊声，真的非常有气势。但毕竟这是一种非常老套的拍摄手法，如今看起来实在有些好笑，于是很快便随着“香港新浪潮”运动所带来的先进手法而被淘汰。淘汰旧事物的同时，新的“暴力美学”观也在逐步形成。这批才华横溢的动作片导演，用他们手中的摄像机为我们营造出了一个个浪漫诗化的江湖世界。吴宇森、徐克以及他们的御用武术指导程小东便是这其中的代表人物，可以说没有他们，也就没有香港动作片的“黄金十年”（1986-1995）！ 其实说到香港电影的“暴力美学”，大家首先想到的肯定是大导演吴宇森。作为邵氏“阳刚暴力美学大师”张彻的弟子，吴宇森在其1986年的“咸鱼翻身”作《英雄本色》中，非常果断地将中国传统武术中动作的柔美和谐融入到紧张激烈的枪战戏当中，并采用了大量的慢镜头来淡化暴力上的血腥，更多突出的却是动作上的美感。此后的《英雄本色2》、《喋血双雄》和《纵横四海》更是将这一手法运用得炉火纯青，比起师父张彻来，显然在自成一派的同时又向前迈进了一大步。而他最具实验色彩的尝试还是在《辣手神探》的医院走廊枪战中，使用动作场面非常罕见的长镜头来表现周润发和梁朝伟穿行在迷宫一样的走廊里，不断击毙敌人，进入电梯后又来到另一个楼梯的走廊。这个长镜头中五次将正常速度转换为升格速度，基本是在两人击毙敌人前后身体位置互换的时候。这种速度的变化形成了枪战场面一张一弛的节奏感，而升格放大两人互换位置时的动作，既表明这两人配合默契，又象征着他们每个人心态的变化和情感的交流。镜头始终没有切换，一种尽在不言中的患难真情逐渐饱满膨胀，弥散在很少台词的紧张环境中，传递出微妙的浪漫气氛[2]！ 香港电影就是这样无时无刻不制造浪漫，徐克和程小东的合作更是体现了这一点（当然吴宇森不少作品中的武指也是程小东）。作为动作指导，程小东在当时的这个圈子里绝对算是个另类。他不像袁家班、刘家班那样注重硬桥硬马的真功夫，也不像成家班、洪家班那样专攻妙趣横生的谐趣打斗，而是充分利用快慢镜头的相互交叉，远景近景的不停切换来表现出一种更加富有张力的动作语言。在他的影片中，非常注重造型美学的运用。他能把林青霞、王祖贤、张曼玉和梅艳芳等不会武功的美女变为一招一式煞有模样的武林高手，就是通过对人物造型的塑造来完成的。《东方不败》中的黑木崖之战以及《风云再起》中的海船之战，林青霞饰演的东方不败举手投足之间便是一代武林枭雄之风范，而《新仙鹤神针》中更是运用慢镜将武林高手静时的长衫飘飘和动时的天马行空表现得灵气十足，充分体现了武侠小说字面上所蕴含的意境。而最具小东特色的还是利用慢镜来表现人物被对方击败后倒地时的动作，特别是像《武侠七公主》和《东方三侠》中多人的倒地动作，则采用了平行蒙太奇的手法对每个人物的动作造型在时间上逐一进行放大展示，使得本应狼狈不堪的倒地变成了优美飘逸的舞蹈。如此具有浪漫气息的暴力展示，自然成了此后不少动作指导竞相模仿的对象！ 虽然袁家班走得比小东要传统，但也并非一成不变的。特别是像《太极张三丰》这样需要表现中国最柔拳法最强战斗力的影片，慢镜头的使用也就成了影片武戏成败的关键所在（同样是表现太极拳，袁和平的《太极张三丰》就远比洪金宝的《魔教教主》要好得多）。无论是张三丰练拳时抱叶成团的神来之笔，还是张三丰大战董天宝时挥洒自如的套路展示，都成了西方的动作指导一百年都无法炮制出来的经典！ 二.文艺片与慢镜头： 其实文艺片更多还是同长镜头结合在一起的，许多世界闻名的电影大师，像小津安二郎啊，特吕弗啊，阿巴斯啊，安哲罗甫洛斯啊，侯孝贤啊，都是玩弄长镜头的好手。香港电影素以快速剪辑闻名，长镜头的运用方面自然也就忽略了许多，即使是文艺片，节奏也比其他地区的文艺片要快得多。当然慢镜头并不是长镜头，有的时候为了体现出诗意的效果，导演们还是愿意提高摄像机的拍摄速度，将银幕时间尽可能地放大，这在王家卫的文艺片中表现得更为突出。比如说《阿飞正传》吧，阿飞离开生母庄园时那个反复出现的奔跑慢镜头，则体现了人物“无脚小鸟”般的无根性，他渴望有个归宿的梦想破灭了，只有继续“飞呀飞，飞呀飞”，直到自己生命终结的那一天才落下地来。而到了《东邪西毒》的几场动作戏中，更是采用了“抽格加印”的手法，即在升格镜头中平均去掉动作的一部分画格（在1-2-3-4-5-6的画格顺序中去掉1、3、5），但是并不压缩整个镜头的时长，而是在空出来的地方加印动作的其他部分（变成2-2-4-4-6-6的序列）[3]，形成了一种独特的慢镜头表现。其实这种手法并不是为了突出打斗的激烈，而是为了传达片中人物的内心感受，特别是西毒内心的无尽孤独和失落，更是在一头一尾地两场打斗中被淋漓尽致地表现出来！ 自从九七回归以来，香港电影发生了很大的变化，原来那些为了吸引观众而常用的快速剪辑手法渐渐减少了，代之而来的是多种景别，多种镜头的交互运用。比如杜琪峰《大事件》中那个长达七分钟，极具写实色彩的长镜头，在徐克吴宇森时代可是想都不敢想的。于是，在这种风潮下，许多商业定位的影片都体现出浓郁的文艺色彩，采用起大量的长镜头和慢镜头来。像叶锦鸿《半支烟》中对舒淇的描绘，就是通过了升格镜头的运用，给人一种亦真亦幻的感觉。数十年过去了，她依然那么年轻而有风韵，这到底是豹哥（曾志伟）脑海中的幻觉，还是实际物象的客观呈现，我们与其仔细考究，还不如就这样迷迷糊糊地沉醉于“电影魔术”所构造的银幕幻像中。而《金鸡2》的结尾处，年迈的阿金眼前浮现出一幕幕的往事画面全都是以慢镜来表示，非常恰如其分地体现出一种“时光已逝永不回，往事只能回味”的唏嘘感慨。既然商业片如此注重镜头美学的运用，文艺片就更不用多说了，在王家卫的《花样年华》中，伴随着舒缓的欧式音乐旋律，西装笔挺的周慕云和旗袍裹身的苏丽珍在狭窄的弄堂过道里徐徐擦肩而过，这是一个非常具有小资情调的场景，不知迷倒了多少痴男怨女。这种风格一直延续到《2046》和短片《爱神——手》中，成了王家卫新世纪继续叱咤于香港影坛的杀手锏！ 三.恶搞慢镜头： 比起动作和文艺来，香港电影人最爱做的恐怕还是恶搞了。当他们恶搞起来，从最低俗的“屎尿屁”到最高雅的贝多芬音乐，可是什么类型品种都不愿意放过的，而慢镜头这样一种拍摄手法自然也就被纳入了恶搞的范畴之列。周星驰绝对是这方面的好手，像《赌圣》中他模仿赌神出场时的风光无限，便是通过慢镜头来实现的，这种手法到了《审死官》中再次被搬用，宋世杰出场时所得到的民众欢呼根本不亚于赌神。而《龙过鸡年》（又名《撞财神》）就更加离谱了，因为根本就没采用任何升格镜头，而是故意将周的出场动作放慢，从而制造出一种更加强烈的喜剧效果，像是对原先这种模式化出场方式的一种嘲讽。当然最有趣的还是《行运一条龙》中何金水慢镜出场时，身后激荡而起的气流和树叶，本以为这是一个普通的装酷镜头，没想到却是他花钱雇人用鼓风机所制造出来的效果，再次狠狠地恶搞了一把！ 其实这种恶搞并不是星爷的专利，像《东成西就》中的“眉来眼去剑”，就是没采用升格镜头而形成的“特殊”效果，张国荣所饰演的东邪和王祖贤所饰演的小师妹你眉来我眼去地相互放电，敌人的打斗速度也不自觉地放慢了下来，“心甘情愿”地被他们逐个痛宰，多么有趣的创意啊！类似的还有《钟无艳》中钟无艳同放屁将军的一场比试，为了不让将军因放屁而分心，两人故意将打斗速度放慢了下来，给人的感觉却像是一种慢镜头的回放！ 再来看看星爷的《唐伯虎点秋香》，当片尾唐伯虎满以为自己抱得美人归时，映入眼帘的却是石榴姐那张不堪入目的丑脸。两人徐徐旋转下落，气氛也由刚才的喧闹转入现在的平静，更加体现出唐伯虎此时万般失落的无奈心情。男抱女下落的场景倒是很平常，而女抱男下落的场景也随着新世纪“小男人”喜剧的泛滥而屡见不鲜，2002年的《河东狮吼》中，柳月红将下坠的程季常缓缓接入怀中的慢镜头，则象征了影片中女人对男人的一种彻底征服！ 好了，说了这么多。但香港电影中的慢镜头数以万计，绝不是我的一篇小文所能囊括的，在这里只是抛砖引玉，引发大家的一些思考，看看如何能够通过慢镜头使得香港电影变得更加生动有趣！

❼ 电影中的那种流畅的慢镜头是怎样拍摄的

拍电影的机器可以升格的。升越高越慢。画面质量也越高。电影的拍摄速度超过了24画格/秒时，我们便称之为升格拍摄，升格拍摄的画面到了银幕上以正常速度放映，自然也就造成了电影时空上的延展放大，这便是我们口中常说的慢镜头。也就是说快速拍摄，正常速度放映时就成了慢镜头了。

❽ 电影里移动度慢,但是人物动作很快怎么拍的

慢镜头？快镜头？
慢镜头：正常情况下，电影放映机和摄影机转换频率是同步的，即每秒拍24幅，放映时也是每秒24幅。这时银幕上出现的是正常速度。如果摄影师在拍摄时，加快拍摄频率，如每秒拍48幅，那么，放映时，仍为每秒24幅，银幕上就会出现慢动作，这就是通常叫的“慢镜头”。
快镜头正好相反。

❾ 电影中的旋转慢动作镜头是如何拍摄的

楼主所说的这种拍摄手法叫做------子弹时间.

什么是子弹时间？

自从《黑客帝国》上映后，“子弹时间”特技似乎成了它的一块招牌，无数影迷只要提起《黑客帝国》，就一定会说到“子弹时间”。而且，该特技后来也是被模仿得最多的银幕特技之一，无数的广告和电影、电视中都对它进行了模仿，其中比较有名的有《霹雳娇娃》、《怪物史莱克》、《恐怖电影》等，除了《怪物史莱克》中学得比较有意思外，其他的多为东施效颦之作。

他们拍摄“子弹时间”镜头时，是以120架照相机精确地摆放在一条由电脑追踪系统设定的路线上，然后让这些相机的快门按照电脑预先编程好的顺序和时间间隔开始拍照，然后把各个角度拍得的照片全部扫描进电脑，由电脑对相邻两张照片之间的差异进行虚拟修补，这样就能获得360度镜头下拍摄对象的连贯、顺滑的动作，最后再由电脑将该连贯的动态图象与背景融合，才有了我们在电影中看到的令人拍案叫绝的新奇镜头。

❿ 电影中的慢镜头苏如何拍摄的快镜头又是如何拍摄的答

慢镜头，是增加单位时间内摄像机的胶卷曝光数量然后在放映的时候按正常的播放速度播放
快镜头：是减少单位时间内摄像机的胶卷曝光数量然后放映时按正常播放速度播放